Helgas Filmwelt

Rezension:Heinrich - Zweitausendeins Edition Deutscher Film 4/1977 (DVD)

2012-03-12T14:10:00.001-07:00

Dieser Film von Helma Sander-Brahms aus dem Jahre 1976, der mit der Goldenen Schale des Deutschen Filmpreises sowie dem Filmband in Gold für das "Beste Drehbuch" ausgezeichnet wurde, hat mich kürzlich veranlasst, eine Biographie über Heinrich von Kleist zu lesen. Im Gegensatz zu besagter Biographie beginnt der Film mit Kleists Lebensende. Von dort aus werden immer wieder Lebensrückblicke eingeblendet, die die enorme Todessehnsucht des Dichters begreifbar machen.

Deutlich gemacht wird, dass Kleist (Heinrich Giskes) ganz offensichtlich homosexuelle Neigungen hatte. Ob er diese in jungen Jahren mit seinem Jugendfreund Ernst von Pfuel auslebte, lässt der Film offen.

Auch zu seiner Schwester Wilhelmine, mit der er nach der Entlobung von der Generalstochter Wilhelmine von Zenge, die er mit seinen intellektuellen Briefen m.E. überfordert hat, nach Paris reist, unterhält er eine Beziehung, die inzestuöse Züge zu haben scheint.

Mit allen Menschen, die ihm nahe stehen, möchte Kleist sterben, aber nicht leben und findet schließlich in der krebskranke Henriette Vogel (Hannelore Hoger), die Frau, die mit ihm gerne in den Tod geht.

Vielleicht will Kleist mit den ihm nahestehenden Menschen sterben, weil die Gesellschaft ein Zusammenleben mit einem Mann, einer verheirateten Frau und einer Schwester für einen Mann, auch wenn er Heinrich von Kleist heißt, nicht billigt und ihm das Leben insofern öde erscheint.

Man erlebt Kleist als Leutnant der preußischen Garde. Er ist musisch begabt, dichtet und leidet, wenn junge Soldaten ausgepeitscht werden. Er schließt die Augen während der Geschehnisse.

Man erlebt den jungen Dichter auch über die Leichenfelder von Aspern ziehend, und dort die toten Soldaten zum Abschied küssend. Heinrich ist seit Aspern depressiv. Er beginnt ein Jurastudium, bricht es ab, dichtet, wird dabei von seiner Melancholie immer mehr aufgezehrt und macht seinem Leben ein Ende.

Wenn Kleist tatsächlich homosexuell war, wird er vermutlich darunter gelitten haben, seine Neigung nicht haben ausleben zu dürfen. Er sublimierte, indem er schrieb. Vielleicht brachte er sich der Einsamkeit halber um. Der Film legt diesen Schluss nahe.

Empfehlenswert.

Rezensionen:Die Halbstarken / Edition Deutscher Film (DVD)

2012-03-12T11:12:00.001-07:00

Eine Filmhandlung nachzuerzählen, die bei Wikipedia exzellent wiedergegeben ist, halte ich für unergiebig. Ich habe diesen einst kultigen Schwarz-Weiß-Film aus dem Jahre 1956 am Samstag erstmals gesehen. Dabei ist mir Einiges aufgefallen, das mir klar gemacht hat, weshalb die Generation der Kriegskinder, die in frühen 1950ern Teenager waren, mir stets fremd geblieben sind. Diese Generation wurde einerseits noch sehr geprägt durch die Naziideologie, die ja im ersten Jahrzehnt nach 1945 noch immer durch die Köpfe vieler Deutscher waberte und andererseits durch die neuen Einflüsse aus Amerika, der dort gerade angesagten Musik, der für die damalige Verhältnisse lässigen Kleidung, der Autos und des neuen Gurus, der Geld hieß, dem man huldigte, weil man ihn brauchte, um sich die begehrten Dinge kaufen zu können. Die Eltern nämlich spielten nicht mit, wenn es um solche Wünsche der Teenager ging, sprich sich "Ami-Kram" zu kaufen.

Infrage gestellt wurde von diesen jungen Menschen wenig, die Revolte, die sich in Gangs wie jenen von Freddy Borchert (Horst Buchholz) darin zeigt, dass sie aufgrund krimineller Handlungen zu Geld kommen wollen, um sich von dem spießigen biederen Outfit der Vorgeneration abzugrenzen, zeigt, dass sie sich im Grunde nur wenig von diesen Hakenkreuzfahnenschwingern unterscheiden, die sich ja auch problemlos der Fleischtöpfe der Nachbarländer bemächtigt haben, ohne ein schlechtes Gewissen zu bekommen. Auffallend an diesen Halbstarken der frühen 1950er Jahre ist ein extremer Mangel an Rechtsbewusstsein, wenn man dem Film Glauben schenken darf. Dieses neue Rechtsbewusstsein benötigte in der jungen Demokratie noch Jahre, bis es die Köpfe vieler Bürger wirklich erreicht hatte.

Die Frauen und jungen Mädchen im Film werden alles andere als gleichberechtigt behandelt, sondern als Objekte für Küchen- oder Liebesdienste betrachtet und sie lassen dies protestlos zu. Respekt vor Frauen gab es offenbar nicht. Nonne oder Hure. Basta. Das machen die Filmszenen eindeutig klar. Das Idol der Männer war die laszive Blondine. Zu dieser trimmten sich bereits sehr junge Mädchen, wie Sissi (Karin Baal), die angeblich für Geld schon als halbes Kind zu allem fähig waren. Männer werden scheinbar zu Erfüllungsgehilfen für die materielle Begehrlichkeiten von Frauen. "Ich habe es ja nur für Mama, meine Frau oder meine Geliebte getan!" Es lebe die Projektion. Die Frau der Sündenbock der 1950er Jahre.

Am Beispiel von Freddys Vater einem typischen Tyrannen aus jenen Jahren, wird klar gemacht, welcher Mangel an Empathie in den Familien herrschte. Die Prügeleien in der Gang Freddys zeigen, dass man friedfertigen Umgang miteinander noch nicht erlernt hat.

Keineswegs überrascht hat mich, dass die Darsteller im Film geradezu manisch rauchen. Auch im Hinblick auf die gesundheitlichen Schäden von Nikotin gab es keinerlei Bewusstsein.

Der Film ist eine wunderbare Studie über die frühen 1950er Jahre und insofern empfehlenswert.

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Rezension:Berlin-Alexanderplatz - Arthaus Collection Literatur (DVD)

2012-03-06T04:23:00.000-08:00

Bei "Berlin Alexanderplatz" handelt es sich um eine Literaturverfilmung nach dem gleichnamigen Roman von Alfred Döblin. Es ist empfehlenswert, zuvor das Buch zu lesen oder aber sich zumindest bei Wikipedia über die Filmhandlung kundig zu machen, denn der Streifen ist aus dem Jahre 1931 und der Ton insofern seiner Zeit gemäß. Zudem nuscheln die Schauspieler einen Berliner Slang, den man leider nicht immer sofort versteht. Die Filmkunst stand noch in ihren Anfängen, die Kameraführung lässt sich mit jener aus heutigen Tagen nicht vergleichen, viele Sequenzen wirken beinahe wie Theateraufnahmen. Uns wird also ein Stück Filmgeschichte entgegengebracht und genau diese gilt es zu werten.

Um den Film wirklich zu verstehen, sollte man sich aber nicht nur vorab über die Filmhandlung schlau machen, sondern sich auch im Rahmen des Bonusmaterials die Dokumentation zu dem Hauptdarsteller Heinrich George ansehen. Diese Dokumentation zeigt das facettenreiche Leben dieses begnadeten, erfolgreichen Schauspielers und Theaterintendanten, der seitens seiner Neider nach der NS-Zeit denunziert wurde, indem man ihn bezichtigte, ein Nazi zu sein, was nachweisbar nicht stimmte. Der Schauspieler wurde in dem sowjetischen Speziallager Nr. 7 in Sachsenhausen vielmals verprügelt und verstarb dort vermutlich an einem Hungerödem.

Im Gegensatz zum Protagonisten des Films "Berlin Alexanderplatz" erhielt dieser Seelenmensch keine zweite Chance.

Seine Söhne, vor allem Götz George, auch der Faust-Darsteller Will Quadflieg u.a. berichten über Heinrich George, seine Spielleidenschaft, seine Kollegialität, seine Fairness, sein Können, berichten darüber, dass er zu Beginn der Nazizeit nicht mehr spielen durfte, weil er als Kommunist galt, sich seiner Spielleidenschaft wegen arrangierte und auch Rollen in Durchhaltefilmen wie "Kolberg" und in Gesinnungsfilmen wie "Jud Süß" übernahm. Schauspieler, die dies nicht taten, durften ihrem Beruf nicht nachgehen.

Parteimitglied wurde George nie. Außer zu offiziellen Anlässen hat er nach einhelligen Aussagen die Nazis gemieden.

Im Film spielt George den aus dem Gefängnis entlassenen Franz Biberkopf. Dieser saß dort vier Jahre ein, weil er seine Frau erschlagen hatte. Er will in der Großstadt wieder Fuß fassen, gerät auf die "schiefe Bahn", verliert seinen Arm, verliert auch seine Geliebte, eine Prostituierte, die ermordet wird und schafft es bei aller Unbill, sich dem Milieu, in das er geraten ist, zu entziehen und einen Neuanfang zu machen..

Heinrich George spielt seine Rolle überzeugend. Der Film wird von seiner Gestik und Mimik getragen. Es handelt sich um eine Milieustudie, die begreifbar macht, in welchen Nöten die Menschen Anfang der 1930er Jahre lebten. Diese Nöte der Menschen damals in Berlin werden durch die Kamera beeindruckend eingefangen.

Empfehlenswert.

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Rezension:Die große Illusion - Arthaus Collection Französisches Kino (DVD)

2012-03-06T04:15:00.001-08:00

Der vorliegende Film des Regisseurs Jean Renoir aus dem Jahre 1937 befasst sich mit dem Irrsinn des 1. Weltkrieges, ohne dabei Kriegshandlungen auf Schlachtfeldern zu zeigen.

Renoirs Absicht scheint zu sein auf die Klassenunterschiede bei der Behandlung von Kriegsgefangenen hinzuweisen, allerdings lässt er nicht unerwähnt, dass das deutsche Personal letztlich von sehr egoistischen Motiven angetrieben wird, wenn es akzeptiert, dass die französischen Offiziere aufgrund von Lebensmittelpaketen aus Frankreich es sich kulinarisch sehr gut gehen lassen.

So bleiben für das Personal größere Rationen aus der eigenen Küche übrig. Obschon es den französischen Offizieren in punkto Ernährung augenscheinlich ziemlich gut geht und sie durch die Gefangenschaft keiner Todesgefahr mehr ausgesetzt sind, versuchen sie stets auf neue zu fliehen, weil sie ihre Aufgabe darin sehen den sinnlosen Krieg schnellstens zu beenden. Sie möchten wieder ihren bürgerlichen Berufen nachgehen und in bürgerlicher Umgebung leben. Sie sind keine Berufssoldaten.

Thematisiert wird u.a. der Niedergang des Sonderstatus deutscher Adeliger beim Militär. Diese waren Berufssoldaten. Der Versuch eines deutschen adeligen Offiziers (Erich von Strohheim) mit einem französischen Offizier aus alter französischer Adelsfamilie aufgrund der aristokratischen Herkunft eine Sonderbeziehung zu unterhalten scheitert, weil der Franzose (Pierre Fresnay) sich seinen bürgerlichen, französischen Kameraden viel mehr verpflichtet fühlt als gegenüber einem anderen europäischen Adeligen.

Renoir gelingt es mit subtilen Mitteln klar herauszuarbeiten, dass der deutsche Adel im ersten Weltkrieg letztlich um seinen Status kämpfte, wissend, dass bei einer Kapitulation das Ende der Monarchie eingeläutet werden würde.

Französischen Adeligen wurden bereit 1789 ihre Privilegien genommen. Als Bürger unter Bürgern ging es ihnen im 1. Weltkrieg um die Verteidigung bürgerlicher Grundfreiheiten, so die Interpretation Renoirs, die ich keineswegs für blauäugig halte. Der französische adlige Offizier riskiert sein Leben für die Freiheit zweier anderer französischer Offiziere (Jean Gabin, Marcel Dailo). Diese fliehen zum Bodensee und gelangen unversehrt in die Schweiz.

Während ihrer Flucht finden sie Unterschlupf bei einer jungen deutschen Witwe, die mit ihrer Tochter auf einem entlegenen Bauernhof lebt. Renoir macht an den Szenen auf dem Bauernhof deutlich, dass Kriege stets wegen klarer Machtinteressen kleiner Cliquen geführt werden, die ihre Mitmenschen für ihre Zwecke instrumentalisieren. Feindschaften zwischen Völkern sind eine Farce, sie werden künstlich geschürt. Auf dem entlegenen Bauernhof gibt es keine Feindschaft, hier erfreut man sich des friedlichen Miteinanders.....

Friedliches Miteinander von Völkern bleibt eine große Illusion, solange sich Menschen für die Zwecke anderer instrumentalisieren lassen.

Renoir nennt seinen Film nicht von Ungefähr "Die große Illusion".

Empfehlenswert.

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Rezension:Good Bye, Lenin! / Edition Deutscher Film (DVD)

2012-02-25T09:26:00.001-08:00

Dieser Film ist eine Satire auf den Zusammenbruch der sogenannten DDR. Er ist so angelegt, dass alle politischen Gruppierungen den Inhalt nach ihrem Gutdünken interpretieren können und darin sehe ich die eigentliche Meisterleistung dieses Werkes des Regisseurs Wolfgang Becker.

In meinen Augen war das andere Deutschland hinter der Mauer- zugespitzt jedenfalls- immer ein großes Gefängnis, in dem die Menschen, sobald sie passiven oder aktiven Widerstand gegen diesen Unrechtsstaat leisteten, nach Bautzen verbannt und dort im Staatsgefängnis gefoltert oder anderweitig zur Räson gebracht wurden. Demokratisch war dieser Staat auf keinen Fall, denn er raubte seinen Bürgern die Freiheit und damit ein unveräußerliches Menschenrecht.

Die Filmhandlung spielt unmittelbar vor der Wende. Der Regisseur bindet immer wieder Dokumentarteile in seinen Film ein, die die Absurdität der ewig gestrigen Nomenklatura aufzeigen, speziell wenn die DDR-Soldaten im Stechschritt an Honegger vorbeimarschieren und Kinder mit Schiffchen auf dem Kopf und Tüchlein um den Hals, uniformiert vorgestrige Heimatlieder singen und dadurch deutsches Liedgut der besonderen Art konservieren.

Der Protagonist des Films ist Alex (Daniel Brühl) der gemeinsam mit seiner Schwester, deren Kind und seiner Mutter Christiane Kerner (Kathrin Saß) in Berlin lebt. Sein Vater, ein Arzt, hat schon Jahre vor der Wende die Gelegenheit genutzt, in den Westen zu gehen und dort zu bleiben.

Christiane hat aufgrund ihrer Ängstlichkeit den Schritt nicht gewagt und wurde zu einer angepassten DDR-Bürgerin, die einen Herzinfarkt bekommt als sie ihren Sohn während einer Montagsdemonstration wahrnimmt und sieht, wie er verprügelt wird. Ihre kleine heile Spießerwelt der Spreewaldgurken und Heimatlieder lässt ein Ende des Unrechtstaats nicht zu und so schafft ihr Alex, nachdem Christiane das Krankenhaus verlassen hat, in einem Zimmer der gemeinsamen Wohnung einen Ort, in dem die DDR fortlebt, obschon sie bereits längst untergegangen ist. Christiane lag wochenlang im Krankenhaus im Koma und hat die Wende verschlafen. Alex ist überzeugt, dass ihr die Wiedervereinigung nicht zugemutet werden kann.

Nicht nur Christiane, sondern all die anderen vergleichsweise alten "DDRler" sind in dem Film tragische Figuren, weil sie sich nicht mehr auf Neues einlassen wollen und sich nach einer Idylle sehnen, die es so weder in dem einstigen Land hinter der Mauer, noch sonst irgendwo gab. Sie alle gehören den Generationen an, die man Jahrzehnte um ihre Freiheit betrogen hat und nun nicht wissen, wie man sie positiv nutzen kann.

Der Film beinhaltet sehr witzige, teilweise tiefgründige Dialoge, sehr gute, leise Kritik, sowohl an der marxistischen wie auch kapitalistischen Ideologie und zwar in ihren direkten Auswirkungen. Sakastisch fand ich, dass die Tochter Christianes problemlos die Uniform der jungen Pioniere (Schiffchen, und Halstuch) gegen die Uniform von Mc Donalds (Schiffchen und Halstuch) eintauschte. Das sagt im Grunde alles, vor allem, dass man sich bemühen sollte, stets seinen eigenen Verstand nicht außer Acht zu lassen, um nicht fremdbestimmt zu werden.

Die schauspielerischen Leistungen von Daniel Brühl und Kathrin Saß können nicht genug gelobt werden.

Die Bild- und Tonqualität sind hervorragend.

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Rezension:Welt am Draht-

2012-02-25T09:13:00.001-08:00

Diesen Film von Rainer Maria Fassbinder aus dem Jahre 1973 habe ich vorgestern erstmals gesehen und im Grunde nur deshalb, weil eine gute Freundin mich immer warnt, dass ich mich in einer Welt am Draht aufhalte und dies irgendwie gefährlich sei.

"Die Welt am Draht" ist ein geflügeltes Wort, seit jenen Tagen, da Fassbinders Film in den Kinos zu sehen ist, bei dem es um ein Forschungsprojekt geht, eine Computersimulation, die eine virtuelle Welt mit künstlichen Menschen geschaffen hat. Ich sehe bewusst davon ab, die durchaus spannende Handlung nachzuerzählen, um die Spannung nicht zu mindern.

Die Gestaltung des Films und der Habitus von Fred Stiller (Klaus Löwitsch) erinnern mich an alte James-Bond-Streifen. Dabei wirken die Darsteller abgründig vorgestrig, aus heutiger Sicht jedenfalls. Das gilt besonders für die Barbie-Puppen-Frauen wie Barbara Valentin und im Hinblick auf das Macho- Gehabe der männlichen Darsteller.

Mich hat das modische Gestern im Film sehr amüsiert, denn es gab Zeiten, da ich ein bestimmtes Outfit ja selbst einmal sehr schick fand. Der Macho-Habitus von Männern ging mir allerdings bereits 1973 auf die Nerven.

Fassbinder hätte man zu seinen Lebzeiten niemals Spießigkeit nachgesagt. Aus heutiger Sicht wirkt das in den 1973er Jahren gedrehte Werk (204 Minuten) wie ein Film aus einer anderen Welt und wirklich überaus spießig und klischeehaft, mit den pausenlosen Gequalme und der ewigen Whiskytrinkerei der Hauptdarsteller, was damals als weltmännisch galt. So stellte sich Klein-Erna Lebemänner á la Bond vor.

Der naive und irgendwie ungeheuer warnende Blick auf die computerisierte Welt in diesem Film ist schon lustig. Damals konnte man ja noch nicht erahnen, wie tief wir 40 Jahre später in die Welt am Draht eingetaucht sind, wie sehr sie uns verändert und uns allmählich gewissermaßen entmaterialisiert hat, na ja, zunächst einmal für ein paar Stunden am Tag. Wir stehen am Anfang einer Entwicklung. Irgendwann wird sich das gesamte Leben auf die gedankliche Welt verlagert haben, ohne dass man nostalgisch an die alte Welt zudenkt, die aufgrund der apokalyptischen Reiter Hunger, Krieg, Tod und Umweltverschmutzung niemals eine paradiesische Welt gewesen ist. Haben wir also keine Furcht vor der Welt am Draht. Es liegt in unserer Hand sie paradiesisch zu gestalten.

Die Bild und Tonqualität ist bestens. Man muss den Film aus seiner Zeit heraus beurteilen. Deshalb auch 5 Sterne.

Empfehlenswert.

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Fünf letzte Tage

2012-02-25T09:11:00.000-08:00

Am, am 22.02. 2012 vor 69 Jahren wurden die Widerstandskämpfer Sophie und Hans Scholl wie auch der Widerstandkämpfer und Vater von drei kleinen Kindern Christoph Probst von den Nazis hingerichtet, weil sie passiven Widerstand gegen das Terrorregime geleistet hatten, indem sie Flugblätter mit der Post verschickt oder nachts auf den Straßen verstreuten. Bei einer solchen Aktion wurden die Geschwister Scholl an die Uni München seitens des Pedells gesehen, denunziert, alsbald verhaftet, zum dem Tode verurteilt und hingerichtet.

Der vorliegende Film über Sophie Scholls fünf letzte Tage des Regisseurs Perci Adlon zeigt im Gegensatz zu dem zu der Verfilmung ihrer letzten Tage von Marc Rothemund nicht die Szenen der Flugblattaktionen, die zur Verhaftung führten, zeigt auch nicht das Fallbeil, sondern ist in allem viel leiser.

Nur selten wird die Verhörsituation im Gestapohauptquartier gezeigt, auch Freisler tritt in diesem Film nicht auf. Stattdessen berichtet Sophie Scholl (Lena Stolze) ihrer Zellenmitbewohnerin, die ebenfalls aus politischen Gründen inhaftiert wurde, von ihrer Entscheidung passiven Widerstand gegen das Naziregime zu üben. Sophie gewinnt erst allmählich vertrauen zu der Else Gebel (Ina Hermann), was verständlich ist, da in jenen Tagen das Denunziantentum seitens des Staates gefördert wurde, ähnlich wie später in der DDR.

Man lernt Sophie als fröhlichen, liebenswerten Menschen kennen, der gerne lach.t und erfährt von ihrer positiven Beziehung zu ihrem Bruder Hans, den sie verehrt, ihrem Verlobten und zu ihren anderen Geschwistern, ihren Eltern und Freunden. Auch in der Haftanstalt wird sie, selbst von dem Personal spontan gemocht. Doch diese Mitläufer im Naziregime schaffen es nicht, mehr für sie zu tun als ihr ein paar Zigaretten und etwas Schokolade zuzustecken. Ihnen allen fehlt es an Mut, am Mut zur Freiheit Verantwortung zu übernehmen und sich für die Menschenrechte einzusetzen. Sie ducken sich weg und so ist es nicht zu verhindern, dass Sophie Scholl wegen ihres mutigen passiven Widerstandes im Nazi.Terrorregime ihr Leben lassen muss.

In diesen Tagen wird von alten Stasileuten, die während der DDR-Zeiten die Bürger dort in dem großen Gefängnis, das den Namen demokratische Republik nicht verdiente, um ihre Freiheitsrechte betrog und sie abgefeimt bespitzeln ließ, Meinung gegen unseren zukünftigen Bundespräsidenten gemacht, weil er als Bürgerrechtler ähnlich wie Sophie Scholl in der NS-Zeit für die Freiheit kämpfte. Wie wichtig es ist, immer wieder an die Freiheit zur Verantwortung und an die Einhaltung der Menschenrechte zu appellieren, wird klar, wenn man die Geschichte unseres Landes in den letzten 100 Jahren betrachtet. Den Widerstandskämpfern in der Nazi-Zeit und Bürgerrechtlern in der DDR gilt meine besondere Hochachtung.

Die Bild und Tonqualität ist bestens. Die Filme von Perci Adlon und Marc Rothemund ergänzen sich.

Empfehlenswert.

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Rezension:George Harrison - Living in the Material World [2 DVDs] (DVD)

2012-01-29T13:34:00.000-08:00

Die beiden CDs mit einer Spieldauer von insgesamt 209 Minuten dokumentieren das Leben des Musikers George Harrison (1943-2001) anhand vieler Filmsequenzen und Interviews, begleitet von wunderbaren Musikstücken Harrisons, der Beatles und anderer Musiker, die man während der Proben und auf der Bühne immer wieder erleben darf.

Die Dokumentation beginnt mit einer Gartenimpression in Harrisons Park und endet mit der gleichen Impression, nachdem sich sein Lebenskreis geschlossen hat.

Gezeigt werden zunächst Filmsequenzen vom Ende des 2. Weltkrieges in England. Einerseits wird das zerbombte Liverpool, die Geburtsstadt Georges, andererseits die Freude der Menschen fokussiert, die das Kriegsende feiern. Mittendrinnen der kleine George, der zwei Jahrzehnte später mit seiner Musik dazu beiträgt, die Welt zu revolutionieren.

Man erfährt ein wenig von der Entwicklung dieses Jungen bis zum dem Tage, wo er Leadgitarrist der Beatles wurde. Seine beiden Brüder und Paul McCartney berichten aus jenen Tagen, aber auch der Musiker und spätere Freund Klaus Voormann, der Harrison und mit ihm die Beatles in Hamburg in einem Club in den frühen 1960ern kennenlernte und von der Musik der Beatles hingerissen war.

Zu Wort kommt auch die ehemalige Freundin Voormanns, die Fotografin Astrid Kircherr, die Harrison sehr gut von seinem Wesen her beschreibt und von seiner liebenswerten Art schon damals überaus angetan war.

Alle Menschen, die mit ihm in Berührung kamen, waren von seiner herzlichen, humorvollen Art berührt. Dieses Wesen veränderte sich weder in den Höhen noch Tiefen seines Lebens. Es war stets für alle erkennbar, weil er immer sich selbst zum Ausdruck brachte.

Man erlebt George als Mitglied der Beatles, der stets auf spiritueller Suche war und in Indien schließlich fand, wonach ihm der Sinn stand. Für Harrison wurde Meditation ein wichtiges Mittel der Bewusstseinserweiterung, zeitweilig wohl auch die Drogen bis hin zu LSD. In Indien lernt er den Musiker Ravi Shankar kennen, der ihn das Sitarspielen lehrte. Zuvor allerdings wird man mit vielen Szenen aus der Blütezeit der Beatles vertraut gemacht, erlebt wie sich die vier Musiker gegenseitig inspirierten und eine Kreativität an den Tag legten, die ihresgleichen sucht.

Eric Clapton, ein enger Freund von George, berichtet packend von seinen Erinnerungen, auch davon wie er sich in dessen Frau Patty verliebte und wie George mit diesem Umstand umging.

George Harrison scheint ein sehr großzügiger Mensch gewesen zu sein, der besonders nachdem er spirituelle Erfahrungen in Indien gesammelt hatte, loslassen konnte und sich wohl deshalb immer weiter entwickelte, auch nach dem Ende der Beatles, wie seine Solokarriere auf musikalischem Wege und seine sonstige Entwicklung deutlich machen.

Von dem Attentat auf ihn und seine Frau im Jahre 1999 berichtet seine Witwe Olivia Arias. Auch ihr gemeinsamer Sohn Dhani kommt im Film zu Wort.

Dass Harrison auch Filme produzierte, was mir bislang nicht bekannt. So hat er beispielsweise den Film "Das Leben des Brian" produziert.

Alle, die über George im Film sprechen, fühlen sich über seinen Tod hinaus freundschaftlich mit ihm verbunden. Alle liebten sein feinfühliges Wesen. Er muss unzählige Freunden gehabt haben, keineswegs nur aus Musikerkreisen. Kein Wunder, dass ihm Frauen zu Füßen lagen, denn er besaß die Gabe mitten in ihr Herz zu blicken. Seine Augen machen das deutlich. Sie lassen die Tiefe seines Seelenlebens erkennen und offenbaren etwas ungeheuer Liebevolles, das man kaum mit Worten beschreiben kann. Seine Musik ist Ausdruck dieser Seele, die sich der Spiritualität ganz weit geöffnet hat.

Seine Witwe berichtet, dass in den Minuten seines Todes der Raum mit hellem Licht erfüllt gewesen sei. Kein verwunderlicher Abschied für den Komponisten von "Here comes the sun".

Eine wirkliche gelungene Dokumentation mit genialen Musikstücken.

Empfehlenswert.

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Rezension:Mein Stück vom Kuchen (DVD)

2012-01-28T13:20:00.000-08:00

Diese französische schwarze Komödie von Cédric Klapisch zeichnet sich durch ein erstaunliches Handlungstempo aus. Sie arbeitet mit Klischees ohne dabei kitschig zu werden, besticht durch ihren raschen Bilderwechsel, der selbst dann, wenn man den Ton abstellt, alsbald verdeutlicht, dass es sich um einen sozialkritischen Streifen handelt und erfreut durch spitzzüngige, zum Teil sehr witzige Dialoge.

Meine anfängliche Befürchtung, es mit einer Art Kopie der "Pretty Woman"-Story zu tun zu haben, auch wenn die Protagonistin Karin Viard nicht den Liebreiz von Julia Roberts hat, erwies sich gottlob als nicht richtig, wie das Ende des Films zeigt....

Worum geht es? Die in Dünkirchen lebende betont resiliente France (Karin Viard) wird wie alle ihre Kollegen arbeitslos, weil der abzockerische Börsenspekulant Steve (Gilles Lellourche) diese Firma, um es in seinen Worten auszudrücken, "platt gemacht" hat.

France ist alleinerziehende Mutter von drei Kindern und trotz ihres Schicksals enorm hilfsbereit. Indem sie sich für die Kinder anderer entlassener Erwerbstätiger während der Zeit ihrer Arbeitslosigkeit engagiert, versucht sie bewusst nicht an ihre eigenen Sorgen zu denken, um nicht mit dem Schicksal hadern zu müssen.

Da France in Dünkirchen keine Chance sieht, eine Arbeitsstelle zu bekommen, versucht sie in Paris ihr Glück und erhält bei Steve, der bislang in den USA tätig war und für seine Firma nun in Paris agiert, eine Stelle als Haushälterin. France weiß nicht, wer ihr Arbeitgeber ist, genauer sie weiß nicht, dass Steve für die Schließung der Firma in Dünkirchen verantwortlich ist und lernt ihn deshalb unbefangen kennen. France ist frei von Sozialneid.

Die Welt, die France in Steves Umfeld erlebt, ist jene des schnellen Geldes, der Abgebrühtheit, der Gesellschaftsprostituierten. Geld macht fast alle gefügig...

France nimmt all dies zur Kenntnis, ohne sich große kritische Gedanken zu machen und freut sich, dass es ihrer Familie aufgrund des Jobs materiell besser geht. Sie arrangiert sich.

Zwischen France und Steve entsteht sogar, wie es zunächst scheint, eine Art freundschaftliche Nähe. Doch diese erweist sich letztlich als Illusion, denn Steve ist ein Egoist, der Menschen immer nur für seine Zwecke nutzt und zu keiner menschlichen Regung fähig ist...

Welche Folgen das hat, macht der Schluss der Films deutlich, der mich berührt zurückließ.

Dass gerade Dünkirchen als Ort des "Plattmachens" einer französischen Firma seitens einer New Yorker Brokerfirma gewählt wurde, ist fast schon makaber. Diente die Invasion von Dünkirchen 1944 der Rettung Frankreichs, bezweckt sie im Produktionsjahr 2011 zumindest im Film das Gegenteil....

Die Bild- und Tonqualität sind bestens.

Laufzeit 105 Minuten, Sprache: Deutsch

Empfehlenswert.

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Rezension:Schlafes Bruder - Zweitausendeins Edition Deutscher Film 1/1995 (DVD)

2012-01-22T12:08:00.000-08:00

Dieser grandiose Film ist ein Werk des Regisseurs Joseph Vilsmaier, über dessen Vita man Wissenswertes auf der DVD-Hülle erfährt. Die Literaturverfilmung "Schlafes Bruder" (1995) erhielt eine Nominierung für den Golden Globe. Dem Filmemacher, der eine Vorliebe für Themen aus seiner Heimat Bayern und eine Neigung für Historisches hat, wurde für sein Engagement um den Deutschen Film im Jahre 1996 das Bundesverdienstkreuz verliehen.

Das bildgewaltige Epos ist eine Verfilmung des gleichnamigen Romans von Robert Schneider, der auch das Drehbuch verfasste. Die Handlung spielt im 18. Jahrhundert primär in einem Bergdorf im Vorarlberg. Zu Anfang des Films sieht man Aufnahmen der kargen Berglandschaft. Eine Hebamme, begleitet von einem Dorfbuben schleppt sich, bereits völlig erschöpft, die Berge hinauf, um einem kleinen Knaben dabei zu helfen, das Licht der Welt zu erblicken. Bei dem Jungen handelt es sich um Elias Alder, einen "Bastard", der zunächst nicht zu atmen beginnen möchte.

Elias unterscheidet sich in vieler Hinsicht von den zumeist durch Inzest geschädigten Kindern im Dorf und wird als Außenseiter nicht nur von diesen, sondern auch von den Erwachsenen abgelehnt. Nur einer der Dorfbuben möchte immer mit ihm zusammen sein. Dieser Knabe, Peter, ist auch anders als die Dorfbevölkerung. Er ist homophil, allerdings ist ihm dies nicht klar.

Während seiner Pubertät beginnt Elias eine Frau zu lieben, die noch gar nicht geboren ist. Als diese zur Welt kommt, es handelt sich um seine Cousine Elsbeth (Dana Vavrova), die Schwester Peters, beginnt er vor Sehnsucht aus den Ohren und aus dem Mund zu bluten, so als sei er durch ihre Geburt abermals geboren worden.

Elias (André Eisermann), mittlerweile noch ein wenig älter, nun im Jünglingsalter, hat das absolute Gehör und improvisiert heimlich an der defekten Orgel im Dorf Stücke. Dabei hilft ihm sein Kindheitsfreund Peter (Ben Becker), der sich als Balgtreter gerne zur Verfügung stellt, einerseits um Elias nahe zu sein, andererseits, weil er an den musikalischen Durchbruch von Elias glaubt.

Hat man in den Szenen, die sich mit der Kindheit von Elias befassen, die Brutalität der Erwachsenen, sei es der Eltern oder des Lehrers erleben müssen, all die Lieblosigkeit in einer trostlosen Gegend, in der die Menschen im Schmutz und nur durch schwerste Arbeit ihr Leben fristen können, lernt man nun drei liebende Menschen kennen, die aufgrund ihrer Sprachlosigkeit ihr Gefühlsleben nicht kommunikativ vermitteln können.

Das schöne Mädchen Elsbeth liebt Elias und er liebt es auch, kann es ihm aber nicht vermitteln. Peter liebt Elias ebenfalls, ist eifersüchtig auf seine Schwester und ist bereit diese zu töten, um Elias für sich alleine zu haben...

Die musikalische Begabung von Elias wird, obschon ihm dies gleichgültig ist, entdeckt. Er hat Gelegenheit vor großem Publikum in der Stadt sein Können vorzutragen. Die Zuhörer sind nach anfänglicher Skepsis begeistert, doch Elias hat nach dem Vortrag abermals für nichts anderes Sinn als für seine große Liebe Elsbeth.

Sein Können ist für ihn nur wichtig, um nonverbal seiner Liebe Ausdruck zu verleihen. Elsbeth spürt dies, doch die Situation ist mittlerweile viel zu verfahren, als dass ein Happy-End noch in Aussicht stehen könnte...

Elias möchte nicht mehr leben, obschon ihm aufgrund seiner Begabung die Welt offen steht. Ohne Elsbeth hat das Leben, auch wenn er erfolgreich ist, keinen Sinn. Elias ist überzeugt, dass jedem Menschen ein einziges Herzens-Du vorbestimmt ist und er nur mit diesem sich ganz fühlen kann. Die Zerrissenheit lässt ihn verzweifeln......

Die Orgelmusik des Komponisten Norbert Jürgen Schneider im Film verdeutlicht die unglaubliche intensive Gefühlswelt von Elias, dessen Einsamkeit zu Tränen rührt.

Der Film besticht durch die Darstellung ganz großer Emotionen, die jenseits von kitschiger Seichtheit angesiedelt sind.

Das Bonusmaterial enthält Interviews mit Joseph Vilsmaier, Robert Schneider, vielen Schauspielern und den Musikern. Hier wird klar, wie beschwerlich die Entstehung des Films war.

Die Bild- und Tonqualität sind gut.

Laufzeit: 127 Minuten

Sprache: Deutsch

Untertitel: Deutsch für Hörgeschädigte

Empfehlenswert.

Hier finden Sie eine Auswahl interessanter DVDs und können bestellen.
http://www.zweitausendeins.de/filme.html

Rezension:Der junge Törless - Zweitausendeins Edition Deutscher Film 1/1966 (DVD)

2012-01-22T12:02:00.000-08:00

Regisseur dieses hervorragenden Schwarz-Weiß Filmes aus dem Jahre 1966 ist Volker Schlöndorff. Er ist einer der bedeutendsten und international erfolgreichsten Vertreter des deutschen Films. Schlöndorff soll literarische Vorlagen generell einem Drehbuch gleich als dramaturgisches Gerüst nutzen. Was den vorliegenden Film anbelangt, stimmt dies auf jeden Fall.

Man hat Gelegenheit der DVD- Hülle Näheres zum Leben und Schaffen der Regisseurs zu entnehmen, bevor man sich Volker Schlöndorffs kongeniale Robert-Musil-Adaption ansehen und auf sich wirken lassen kann.

Die Filmhandlung spielt in einem k.und k. Knabeninternat. Der Schüler Basini (Marian Seidowsky) hat Schulden bei einem seiner Mitschüler Reiting (Alfred Dietz) und wird von diesem daraufhin bedroht. Aus Angst vor den Konsequenzen begeht er einen Diebstahl, den Reiting ihm nachweist und ihn daraufhin erpresst, seelisch foltert und sexuell misshandelt. Mitwisser der Misshandlungen sind die Mitschüler Beineberg (Bernd Tischer) und der junge Törless (Matthieu Carriere), die aus unterschiedlichen Motiven das Geschehen nicht den Lehrern melden.

Thematisiert wird zu nicht nur der Sadismus Reitings, sondern auch die Angst seines Opfers vor Lehrern und Eltern, der aus dieser Angst heraus es vorzieht, von seinem Mitschüler gepeinigt zu werden. Gezeigt wird die Gefühlskälte der Mitwisser Beineberg und Törless, die sich letztlich an der Pein weiden, sich aber vor sich selbst, intellektuell geschickt zu exkulpieren wissen. Beide sind nicht in der Lage dem Opfer zu helfen. Beide machen sich eindeutig zu Mittätern.

Als Basini sich in seiner ausweglosen Situation schließlich an seine Lehrer wenden möchte, wird er auf Betreiben Beinebergs und Reitlings seitens des Klassenverbandes gelyncht. Wie eine Meute reagiert, wenn man sie entsprechend manipuliert, wird in diesem Film sehr gut verdeutlicht. Wer schon ein wenig länger auf dieser Welt lebt, weiß, dass man die Masse immer zu allen Schandtaten bewegen kann und es dabei keine Frage ist, wie intelligent oder wohlerzogen die einzelnen Personen der Masse sind. Nur das Mitgefühl kann Menschen daran hindern, sich dem Treiben einer wildgewordenen Meute nicht anzuschließen. Bei Törless erwacht dieses Mitgefühl plötzlich und lässt ihn Abstand nehmen. Wenn auch nicht so, wie man erhofft...

Ein sehr nachdenklich stimmender Film, der die Abgründe der Menschen zeigt und mir einmal wieder verdeutlicht hat, dass weder eine so genannte gute Herkunft, noch überdurchschnittliche Intelligenz ein Gradmesser für positive Interaktionsbereitschaft ist, sondern einzig ein mitfühlendes Herz.

Laufzeit: 84 Minuten. Sprache: Deutsch
Empfehlenswert.

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http://www.zweitausendeins.de/filme.html

Rezension:Albert Schweitzer - Ein Leben für Afrika (DVD)

2012-01-16T13:40:00.000-08:00

Dieser beeindruckende Film des Regisseurs Gavin Millar thematisiert das Leben und Wirken des Philosophen, Arztes, Theologen und Organisten Albert Schweitzer (1875-1965), einem der größten Humanisten des letzten Jahrhunderts.

Die Filmhandlung beginnt mit einer Szene aus dem Jahre 1949 in Gabun. Dort nämlich hatte Schweitzer (Jeroen Krabbé) in Lambaréné ein Krankenhaus 1913 gegründet und setze sich für die kranken Menschen Tag und Nacht ein, stets seiner Ethik "Ehrfurcht vor dem Leben" gerecht werden wollend.

Wenig später erlebt man Schweitzer in den USA. Er möchte dort Spenden sammeln für die Kranken von Lambaréné. Schweitzer trifft während der Reise seinen Freund Albert Einstein (Armin Rhode). Dieser bittet Schweitzer sich mit ihm gemeinsam gegen die Atombombe zu engagieren, doch Schweitzer zögert zunächst, weil er befürchtet, dass ein solches Engagement eine negative Wirkung auf sein Krankenhaus haben könnte. Er ist auf die Spenden aus den USA angewiesen.

Im Film wird sehr gut die Hatz der "McCarthy -Aera" dargestellt, die sowohl für Albert Schweitzer als auch für Einstein Gefahren mit sich brachte. Man versuchte die beiden Atombomben-Gegner in die kommunistische Ecke zu verorten, weil sie nicht ins ideologische Konzept, nicht zu den herrschenden Interessen passten. Die Verleumdungen dienten dazu, ihre Wortgewicht zu relativieren.

Gezeigt wird im Film auch Schweitzers Zuhause im Elsass, wo seine Familie die meiste Zeit lebte. Die Beziehung zu seiner Frau, die er seit Studienzeiten kannte, wird sehr gut beleuchtet und Schweitzers Charakter wird mit all seinen Facetten bestens im Film dargestellt. Dabei ist man durchaus nicht unkritisch, was Schweitzer anbelangt....

Vergessen wird nicht auf seinen Friedensnobelpreis hinzuweisen aber auch auf seinen Mut nach anfänglichem Zögern in punkto Protest im Hinblick auf die Atombombe.

Vielleicht hätte man noch ein wenig mehr über seine Philosophie und seine Bücher in die Dialoge einbinden können, aber letztlich wird durch das Tun Schweitzers, das sehr gut dargestellt ist, sein Denken dem Betrachter klar. Dieser Mann lebte den Humanismus, den er in Büchern zu Papier brachte. Das gibt es leider nicht oft.

In den Interviews wird der große Respekt aller Interviewten vor Schweitzer deutlich, einem Mann, bei dem Denken und Handeln eine Einheit bildeten und dessen ganzes Engagement dem Wohl seiner Mitmenschen galt.

Spieldauer 109 Minuten

Sprache : Deutsch

Untertitel für Hörgeschädigte : Deutsch.

Empfehlenswert.

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Rezension:Das Ende ist mein Anfang (DVD)

2012-01-11T02:40:00.000-08:00

Leider habe ich das Buch des berühmten Journalisten und Schriftstellers Tiziano Terzani, das die Grundlage dieses sehr berührenden Films mit philosophischem Tiefgang ist, nicht gelesen. Insofern kann ich mich bei meinen Betrachtungen nur auf den Film beziehen.

Der hochkarätige Schauspieler Bruno Ganz spielt die Rolle des schwer krebskranken 66 Jahre alten Journalisten Terzani, der sich in einem abgelegenen Haus in der Toscana auf seinen Tod vorbereitet. Er lebt dort mit seiner Frau Angela (Erika Pluhar), die er seit seiner Jugend kennt und immer noch liebt und bittet seinen Sohn Folco (Eligi Gemano), später auch seine Tochter und seine Enkelkinder, ihm auf seinem letzten Weg nahe zu sein.

Der liebevolle Vater berichtet seinem Sohn von seinem sehr abenteuerlichen journalistischen Leben, das ihn nach Asien führte, seinen Ängsten, wenn er sich an Kriegsschauplätzen aufhielt, aber auch von seiner Liebe zu Angela. Er gibt seinem Sohn die Chance, ihn in seiner gesamten Weltanschauung und in seinen philosophischen Ansichten nochmals wahrzunehmen und macht Folco klar, dass nach allem, was er erlebt und gesehen hat, begriffen habe, dass nur die Liebe die Menschen retten könne.

Während er mit seinem Sohn spricht, beobachtet er dessen Entwicklungsstand und erkennt, dass er Folco ins Leben entlassen kann. Dieser ist reif genug, um auch bei Widrigkeiten zu bestehen.

Terzani selbst blickt auf ein erfülltes Leben zurück, wie er sagt, unterzog sich in den sieben Jahren, in denen der Krebs in ihm tobte, vielen westlichen aber auch fernöstlichen Krebstherapien, lebte eine Zeitlang in einem Aschram in Indien, bis er seine Krankheit bindungslos annahm und lernte in Harmonie mit ihr zu leben.

Seine letzte Lebensphase nutzte er über den Sinn des Lebens nachzudenken, schrieb die "Briefe gegen den Krieg", unternahm noch einmal eine große Reise, bevor er sich auf sein Ende, das er als Anfang von etwas Neuem begriff, vorbereitete. In der Art, wie er sich von seiner Familie verabschiedet, bleibt kein Raum für Trauer, man fühlt, dass es kein Abschied ist für immer.

Terzani lässt alles, was ihn zu dem machte, was er als Schriftsteller und Journalist war, ohne Wehmut zurück, weil er erkennt, dass all dies auf seiner bevorstehenden Reise ihn nur belasten würde und macht das an einem sehr schönen Gleichnis von einem Marienkäfer, der dem Himalaja entgegenfliegt, deutlich, mit dem er sich eins fühlt...

Die traumhaften Landschaftsbilder, auch das Licht im Film unterstreichen die Grundgedanken des Werks, das auf Friede, Harmonie und Liebe basiert.

Im Rahmen des Bonusmaterials ist das Interview mit Tiziano Terzani, das kurz vor dessen Tode in der Toskana entstand, außerordentlich beeindruckend. Hier zeigt sich wie authentisch der Film wirklich ist und wie gut Bruno Ganz die Rolle dieses fröhlichen, liebenswerten, sehr reflektierten Intellektuellen, der sich der Spiritualität geöffnet hat, spielt.

Laufzeit Hauptzeit ca. 94 Minuten

Laufzeit Bonusmaterial ca. 100 Minuten

Sprache: Deutsch

Sehr empfehlenswert.

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Rezension:Midnight in Paris (DVD)

2012-01-05T15:17:00.000-08:00

Einen Film, wie diesen kann im Grunde nur Woody Allen machen. Sein Drehbuch hat mich begeistert, seine Regieführung ebenfalls.

Als Hauptdarsteller habe ich ihn nicht vermisst und zwar deshalb nicht, weil er seinen Protagonisten, den amerikanischen Schriftsteller Gil (Owen Wilson) mit all seinen typischen Eigenschaften, speziell seiner, von mir geliebten, schrulligen Intellektualität ausgestattet hat, sodass Gil immer, wie zwei Personen anmutet, zum einen wie Woodys Traumfigur Gil, zum anderen wie die Hollywoodikone Woody Allen.

Der Film beginnt mit einer Fülle wundervoller Bilder von Paris, die all jene begeistern werden, die ein Faible für diese Stadt haben.

Der gebildete, nicht besonders selbstsichere Intellektuelle Gil macht mit seiner hübschen Verlobten Inez Ferien in der Stadt der Liebe. Die Interessen der beiden jungen Menschen divergieren allerdings sehr. Inez ist eine durchaus gebildete Frau, allerdings keine Intellektuelle, und kann insofern die Traumwelten ihres Verlobten nicht nachvollziehen.

Gil, der gerade an einem Roman schreibt, geht eines Abends alleine durch die Straßen von Paris und gelangt, wie ein Zeitreisender ungewollt in die 20er Jahre. Hier lernt er u.a. die Schriftsteller Fitzgerald, Hemingway, die Maler Picasso, Matisse, Dali, auch Gertrude Stein kennen und fühlt sich in deren Umgebung sehr wohl. Gils Kopfwelt hat sich gewissermaßen materialisiert.

Der überzogen männliche Hemingway (Woody Allen macht sich über dessen Macho-Habitus subtil lustig) verdeutlicht ihm, dass man als Schriftsteller wirklich an sich glauben muss und sich vom Urteil Dritter nicht abhängig machen darf, wenn man seinen Weg gehen möchte und er macht ihm auch klar, worauf es ankommt zwischen Mann und Frau, wenn es wirklich funkt.

Der neurotische, eher schwache und ängstlich wirkende Gil saugt die Worte Hemingways zwar auf, aber kann er diese auch umsetzen?

Natürlich verliebt sich Gil in eine wunderschöne, sehr charmante Frau (Marion Cottilard), mit der er ewig in seiner Traumwelt der Roaring Twenties leben möchte, doch diese Frau zieht die Traumwelt der Belle Epoche vor, was Folgen für die Romanze hat....

Ich lese im Moment gerade ein Buch mit dem Titel "Sehnsucht- Das unstillbare Gefühl" und musste während der Filmhandlung an dieses Buch denken.

Im Falle von Gil führt die Sehnsucht zu einer bedeutsamen Lebensentscheidung, auch zu einer romantischen Beziehung und verleiht seiner persönlichen Entwicklung Flügel. Woody Allen lädt die Zuschauer nicht nur ein, an den Traumwelten Gils teilzuhaben, sondern sich vielleicht auch den eigenen Sehnsüchten zu öffnen und diesen zu erlauben, von uns Besitz zu ergreifen, um auf solche Weise unseren Lebenstraum zu leben.

Loben möchte ich nicht nur die schönen Bilder von Paris, sondern auch die niveauvollen Dialoge, die gut ausgeloteten Charaktere und die liebevolle Ironie, mit denen Allen diese darstellt.

Carla Bruni glänzt in einer Nebenrolle als die wohl aparteste Frau von Paris. Für unseren Amerikaner in Paris allerdings ist diese Dame unantastbar. Er verliebt sich dann zuguterletzt in...., nein das wird nicht verraten:-)))

Laufzeit ca. 90 Minuten

Ton: Deutsch DTS, DD 3.0.. Englisch DD 3.0

Untertitel : Deutsch (ausblendbar)

Empfehlenswert.

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Rezension:Marcel Reich-Ranicki - Mein Leben (DVD)

2011-11-27T07:17:00.000-08:00

Dem von mir hochverehrten Literaturkritiker Marcel Reich-Ranicki begegnete ich in den späten 1980ern das erste Mal und zwar an einem Freitag vor einem ersten Adventssonntag auf dem Bahnsteig des Frankfurter Hauptbahnhofs, auf dem die Reisenden enerviert auf einen ICE nach München warteten.

Ich beobachtete Reich-Ranicki, der einen hellbraunen Wintermantel mit breitem Gürtel trug und auch Menschen, die der Literatur nicht nahestehen durch seine elegante Erscheinung auffiel. Gerne hätte ich ihn damals angesprochen, um meiner Bewunderung für ihn und seine eloquenten Kritiken Ausdruck zu verleihen. Doch ich wagte nicht, ihn in seiner Selbstversunkenheit zu stören. Er war, man sah es, mit seinen Gedanken weit weg und ich vermutete er war bei Heinrich Heine, denn er schmunzelte kaum merkbar, wie ich aus dem Augenwinkel entdecken konnte.

Etwa 10 Jahre später schickte ich ihm meine erste Rezension, die ich in meinem Leben vor den Amazon-Rezensionen verfasst hatte und erhielt daraufhin kommentarlos per Post zwei Karten für die Buchvorstellung seiner Autobiographie in den Räumen der Frankfurter Goethegesellschaft am Goethehaus. Die Verfilmung dieser Autobiographie möchte ich heute rezensieren. Der Literaturkritiker berichtete damals so packend aus seinem Buch, dass ich es natürlich sofort zu lesen begann und sehr schnell begriff, weshalb ihm kein anderer Literaturkritiker das Wasser reichen kann: Es ist seine berührende Vita, sind die Brüche in seinem Leben, das Leid, das ihn in jungen Jahren umgab und der unbedingte Wunsch dieses Leid zu überleben, was nur durch die Liebe zu seiner Frau und der großen Liebe zu Büchern möglich war.

Marcel Reich-Ranicki füllte sein Inneres mit Schöngeistigem auf, um die Hässlichkeit der Nazis ertragen zu können. Er befasste sich mit Kultur in einer Weise, wie Kritiker in unserer schnelllebigen Zeit der vielen Sinneseindrücke nicht in der Lage und wohl auch nicht bereit sind, diese sich hart zu erarbeiten. Ein kulturelles Leben ist letztlich immer auch ein klösterliches, ein abgeschiedenes Leben, ein Leben in der Welt der Worte, der Bilder und der Noten.

Ich sah Reich-Ranicki noch weitere drei Male, während er in Mainz, in Wiesbaden und in Frankfurt über Bücher sprach und war immer wieder von seiner Wortgewalt und von seiner tief empfundenen Liebe zum Buch begeistert. Diese Liebe zum Buch kommt auch im vorliegenden Film zum Ausdruck, der mich übrigens zu Tränen gerührt hat.

Der Film endet mit einer Szene, die am Frankfurter Hauptbahnhof ihren Anfang nimmt. Man schreibt das Jahr 1958. Reich-Ranicki kommt in Frankfurt an, wird, wie man einer schriftlichen Einblendung entnehmen kann, vier Wochen später als Literaturkritiker bei der FAZ schreiben und lebt seither, mittlerweile im 92. Lebensjahr schreibend in der Mainmetropole.

Das Werk des Regisseurs Dror Zahavi zeigt nicht das ganze Leben dieses Wahl-Frankfurters, sondern die Filmhandlung befasst sich mit seiner Kindheit, seiner Jugend und den Jahren seiner Lebensbrüche, die möglicherweise die Voraussetzung für den späteren Erfolg darstellten.

Die Handlung beginnt mit einer Verhörszene im Jahre 1949 in Warschau. Reich-Ranicki (Matthias Schweighöfer), der beim polnischen Geheimdienst seit Kriegsende gearbeitet hatte, wird vom Dienst suspendiert und berichtet von seinen zurückliegenden Jahren. Geboren in Polen als Sohn einer deutsch-jüdischen Mutter und eines polnisch-Jüdischen Vaters erlebt er schon als Kind in der Schule in Polen Ausgrenzung. Seine Mutter (Maja Maranow) macht ihrem hochbegabten Sohn schon früh klar, dass er als Jude viel besser sein muss als die anderen, um im Leben Erfolg zu haben. Auf ihr Betreiben gelangt Reich-Ranicki nach Berlin zur mütterlichen Verwandtschaft, um sich mit der deutsche Kultur vertraut und in Berlin auch Abitur zu machen.Reich-Ranicki ist ein hervorragender Schüler, liest zu diesem Zeitpunkt ununterbrochen, geht ins Theater und taucht tief in die Welt der Schöngeistigkeit ein.

Im Film gibt es Einblendungen, nachdem man zuvor nicht nur durch die Filmhandlung, sondern auch durch die Klänge von Chopin die bunte Geisteswelt Reich-Ranickis zu erfassen begonnen hat. Plötzlich sieht man Originaldokumente, die Hitler und seine Schergen zeigen, sieht Bücherverbrennungen und assoziiert das Gesehene mit Heines berühmter Sentenz, die sich, wie wir alle wissen, wenig später im Nazi-Deutschland bewahrheitet hat.

Reich-Ranicki darf trotz bester Noten in Deutschland nicht studieren, wird nach Polen abgeschoben. Hier lernt er seine Ehefrau Theofila kennen, deren Vater sich wenige Minuten zuvor erhängt hatte. Reich-Ranickis Mutter bittet ihren Sohn sich um das trauernde Mädchen zu kümmern und dieser tat es bis zu ihrem Lebensende im letzten Jahr.

Ab 1940 lebte Reich-Ranicki im Warschauer Ghetto und arbeitete dort zunächst als Übersetzer. Er heiratete Theofila und rettet ihr dadurch das Leben.

Im Film erlebt man schreckliche Szenen, die den Größenwahn der Nazischergen zeigen, die sich in ihren Uniformen sehr stark fühlen. Man kann sich einen Eindruck von ihrem Sadismus und ihrer Freude, Juden zu demütigen, machen. Von den 400 000 Juden im Warschauer Ghetto werden die meisten in das Konzentrationslager nach Treblinka verbracht und dort ermordet. Reich-Ranickis Eltern sterben in diesem Vernichtungslager, sein Bruder wird in einem Arbeitslager erschossen.

Reich-Ranicki und seine Frau überleben, weil ein mitfühlender polnischer Schriftsetzer beide versteckt hatte. Diese Szenen im Haus des Schriftsetzers berührten mich besonders, weil sie dokumentieren, dass selbst in dieser furchtbar bedrohlichen Situation, Reich-Ranicki noch immer von der Kulturwelt beseelt war.

Dass er nach der Befreiung aus Dankbarkeit bei der polnischen Geheimpolizei arbeitete, kann ich gut nachvollziehen, dass dies aber nicht seine Welt war, ist sofort erkennbar, denn seine Welt war und ist das Buch, dem er seit 1958 an Goethes Geburtsort und anderenorts huldigt und dem gegenüber er sich stets fair verhalten hat, auch zu Zeiten, wo ihm das beinahe das Leben gekostet hat.

Ein beeindruckender Film, mit vielen Facetten, den ich allen empfehle, besonders jenen, die glauben diesen großen Kritiker beerben zu können. Das wird keinem gelingen, denn Marcel Reich-Ranicki ist einzigartig.

Matthias Schweighöfer hat die Rolle des großen Literaturkritikers mit Bravour gespielt.

Laufzeit ca. 91 Minuten

Bild 16,9 (anamorph codiert)

Ton: Deutsch -Dolby Digital 5.1

Regionalcode: 2

Produzenten Katharina M. Trebitsch, Benjamin Benedikt

Regie: Dror Zahavi

Buch: Michael Gutmann

Sehr empfehlenswert.

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Rezensionen:Heinrich Heine [2 DVDs] (Der komplette 2-Teiler) (DVD)

2011-11-17T11:48:00.000-08:00

Auf den beiden DVs ist der komplette 2-Teiler der Verfilmung des Lebens des großen deutschen Dichters, Schriftstellers und Journalisten Heinrich Heine (1797-1856) zu sehen.

Regisseur des Werkes ist Klaus Emmerich. Das Drehbuch verfasste Herbert Knopp, die Kamera führte Frank Bühne, die Filmmusik komponierte Franz Hummel. Gedreht wurde der Film bereits 1977.

Ihren Anfang nimmt die Handlung in Düsseldorf, wo man Harry, das jüdische Kind, in der Schule drangsaliert. Zwischen den einzelnen Filmsequenzen gibt es bis zum Ende des Filmes immer wieder erläuternde Einschübe. Das hat mir sehr gut gefallen, weil auf diese Weise die Hintergründe einiger Filmhandlungen besser verstanden werden können.

Heine (Christph Bantzer), der bei seinem reichen Onkel in Hamburg zunächst eine kaufmännische Ausbildung absolviert, verfasst lieber Gedichte, als ein mit allen Wassern gewaschener Kaufmann zu werden. In seinem Textilgeschäft, das der Onkel ihm einrichtet, schreibt er rote Zahlen, weil er kein Engagement für den Laden aufbringen kann. Seine Welt ist die des Schreibens und des Träumens.

Sein Onkel gibt ihm eine zweite Chance. Heine darf studieren und zwar Jura. Das liegt ihm nicht. Der Dichter studiert in Bonn, später in Göttingen, dann in Berlin ermüdende Rechtvorschriften und deren Auslegung. In Preußens Metropole verkehrt er im Salon von Rahel Varnhagen (Rosemarie Fendel) und nimmt Verbindung mit dem "Verein für Kultur und Wissenschaft der Juden" auf.

Schließlich promoviert er in Göttingen, findet aber als Jurist keine Anstellung, obschon er aus strategischen Motiven zum christlichen Glauben übergetreten ist. Eine Weile arbeitet er in München bei einem Verlag, lernt alsdann den Verleger Campe kennen. Heines politischen Schriften sind zu heikel, als dass er länger in Deutschland bleiben kann.

Er geht nach Paris, lernt dort George Sand (Ulla Berkewicz) und deren Salon kennen, auch den Bankier James Rothschild (Ivan Desny), der ihm materiell weiterhilft....

Heine leidet ähnlich wie Schiller und Kleist und viele andere bedeutende Dichter in vergangenen Zeiten an chronischem Geldmangel. Künstler brauchen Mäzene. Politisch unangepasste Poeten finden solche Helfer nicht immer und müssen, wenn sie überleben wollen, klug agieren. Auch Heine musste es. Das wurde ihm nicht selten vorgeworfen. Korrupt war Heine allerdings niemals.

Im Film lernt man Gedichte, Lieder und politische Texte von ihm kennen, die seine innere Zerrissenheit deutlich machen.

Heine hatte einen glasklaren politischen Verstand und dabei ein zartes Herz. Eine Melange, die einen Menschen auf Dauer krank macht.

Selbst seine Lebensgefährtin, eine Pariser Schuhverkäuferin, die ihm oftmals sehr warmherzig den Rücken stärkt, kann ihn letztlich nicht trösten. Beim Beerben seines reichen Onkels wird er von seiner intriganten Verwandtschaft ausgebotet. Intrige und Hinterhältigkeit, auch viel Neid machen ihm sein ganzes Leben schwer. Er stirbt verbittert und an sein Bett gefesselt im Alter von nur 59 Jahren.

All das, was ich kurz angerissen habe, wird in diesem Film breitgefächert dargestellt. Die Charaktere werden hierbei bestens ausgelotet und Christoph Bantzer spielt die Rolle des Heinrich Heine einfach brillant.

Interessant fand ich die Darstellung der politischen Meinungsverschiedenheiten zwischen Heine und Börne in Paris, mit denen ich mich zuvor nicht befasst habe. Heine kämpfte subtil mit der Feder. Diese Subtilität wollte Börne nicht verstehen.

Ein ganz ausgezeichneter Film, den ich gerne empfehle.

Laufzeit: 236 Minuten

Bildformat 4:3 Vollbild

Tonformat : Dolby Digital 2.0

Sprache: deutsch

Ländercode 2 Europa

System: Pal
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Rezensionen: Von der Lächerlichkeit des Scheins (DVD)

2011-11-17T05:42:00.000-08:00

Den vorliegenden preisgekrönten Film des Regisseurs Patrice Leconte habe ich vor Jahren im Kino gesehen und jetzt bei Amazon gekauft. Meine Erinnerung hat mich nicht getrogen, denn "Ridicule - von der Lächerlichkeit des Scheins" ist tatsächlich ein sehr aussagekräftiger Film im Hinblick auf die Gepflogenheiten am französischen Hof unmittelbar vor der Revolution von 1789, ist eine Mahnung, wenn man so will.

Die Prachtentfaltung und der Müßiggang dort sind die Ursache, dass das Land ausblutet und die sozialen Missstände unerträglich in ihrem Ausmaß sind. Auf dem Gebiet des jungen Adeligen Ponceludon (Charles Berling) sterben die Menschen wie Fliegen an Sumpffieber. Tag für Tag stehen die Leute im Morast und fangen mit bloßen Händen Fische, um sich zu ernähren. Alte und kleine Kinder werden von dieser totbringenden Arbeit nicht verschont.

Ponceludon erhofft sich Hilfe vom König, denn er möchte die Sümpfe trockenlegen. Dazu braucht er staatliche Mittel. Bei Hofe allerdings muss er feststellen, dass er zu Louis XVI. nicht einfach Zugang erhält, denn eine Schar exaltierter, eigenütziger Höflinge versperrt ihm, wie ein Schutzwall den Weg.

Im Arzt Bellegarde (Jean Rochfort) findet er Beistand. Dieser macht ihm klar, dass Schlagfertigkeit ein Türöffner in den Dunstkreis des Königs sei. Er müsse durch diese brillieren und amüsieren, um so eine Lücke zu finden und Zugang zum König zu erhalten.

Der Hof sperrt sich zunächst, was Ponceludon Anliegen betrifft, denn das Trockenlegen der Sümpfe kostet Geld. Die Schranzen von Versailles benötigen alle staatlichen Mittel für sich selbst, sodass für die eigentlichen Aufgaben des Staates kein Geld mehr bleibt.

Ponceludon, der eine spitze Zunge besitzt und überaus intelligent ist, besticht durch seine Schlagfertigkeit und verschafft sich auf diese Weise Respekt bei den Höflingen und ungewollt viel Neid, besonders den Neid eines verkommenen Pfaffen, der lästerlich und korrupt, Ponceludon schaden möchte, nicht zuletzt auch, weil dessen Gönnerin, Madame de Blayac (Fanny Ardant), eine reiche Adelige, ein Auge auf den willensstarken Menschenfreund Ponceludon geworfen hat.

Der junge Landadelige ergreift seine Chance und beginnt aus Vernunftüberlegungen ein Verhältnis mit der schönen, einflussreichen Intrigantin, obschon sein Herz der blitzgescheiten, hübschen Tochter Bellegardes Mathilde (Judith Godréche) gehört....

Die Bilderwelt dieses Films ist beeindruckend, speziell die Innenaufnahmen von Versailles. Dort spiegeln die Rokokokostüme in ihrer Absurdität die Nutzlosigkeit der Sprache der Schranzen wider. Nichts hat ein Innenleben, alles ist rein äußerlich.

Unmittelbar vor der Französischen Revolution ist die Oberflächlichkeit und Mittleidlosigkeit, die Gier und Gefräßigkeit einer kleinen Clique von Privilegierten so groß, dass sie schließlich auf der Guillotine enden.

Besonders Jean Rochefort und Fanny Ardant glänzen in ihren Rollen, die sie wirklich überzeugend spielen.

Ein Film, der nachdenklich macht. Kommentar: Die Zeiten mögen sich ändern, die Menschen offenbar nie.

Die Bild und Tonqualität sind bestens.

Bild: Widescreen 16:9/PAL

Zeit: CA. 100 Minuten

Ton: Deutsch DD 5.1/2.0 .Französisch DD 2.0

Bonus: Trailer, Bilder/Artworkgalerie, Interview, Kinoaushangfotos, Making OF U.V.M.

Empfehlenswert.
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Rezension:Frauen, die wir liebten - Filmdiven und ihre heimlichen Verehrer (Gebundene Ausgabe)

2011-08-20T11:34:00.000-07:00

Obschon ich heterosexuell bin, habe ich ein sehr großes Faible für schöne Frauen. Schon in meiner Kindheit freute ich mich, solche Frauen betrachten zu dürfen und zwar im realen Leben, im Fernsehen oder in Zeitschriften. Eine schöne Frau kommt einem Kunstwerk gleich, ein Tick zu ebenmäßig und das Gesicht oder der Körper wirken langweilig. Schon seltsam. Eine schöne Frau ist ein Kunstwerk der Schöpfung.

In der Filmszene finden sich eine ganze Reihe schöner Frauen, die ihr Aussehen als Schauspielerinnen vermarkten. Wenn zum bemerkenswerten Aussehen dann noch Können hinzukommt, freue ich mich immer sehr und keineswegs nur deshalb, weil dann dem ewig beckmessernden Mittelmaß die rote Karte vorgehalten wird, sondern weil die Natur durch eine solche Schönheit verdeutlicht, wozu sie in der Lage ist.

Freddy Langer, Redakteur bei der FAZ, stellt rund 60 Filmdiven fotographisch vor, unter ihnen Ava Gardner, Marilyn Monroe, Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Julie Christie, Juliette Binoche, Charlotte Rampling, Romy Schneider, Vanessa Redgrave, Faye Dunaway, Katharina Hepburn, Marianne Faithfull und Sophie Marceau.

Dreiundsechzig prominente Männer wurden seitens Langer nach ihrer Kinoliebe befragt und haben - jeder auf seine Art - ihre diesbezügliche Neigung in Form einer Anekdote im gestanden.

Diese kurzweiligen Geständnisse habe ich heute Nachmittag im Garten mit Vergnügen gelesen, nicht zuletzt, weil sie mir viel über diese Männer zu erkennen geben, nicht nur, was deren Frauengeschmack anbelangt.

Bei diesen Männern handelt es sich um Persönlichkeiten wie Marcel Reich-Ranicki, Cees Nooteboom, Wolf von Lojewski, Volker Schlöndorff, Bruno Ganz, Harry Rowohlt, Vincent Klink, Gero von Boehm, Iljya Trojanow u.a.mehr.

Mehrfachnennungen gab es übrigens bei Romy Schneider, Elisabeth Taylor, Juliette Binoche, was ich sehr gut nachvollziehen kann.

Im Hinblick auf die Textpaten hat man zum Ende des Buches Gelegenheit sehr informative Kurzviten zu lesen.

Immer wieder habe ich mir einzelne Fotos angesehen, nachdem ich die Texte gelesen hatte, mir Filme vergegenwärtigt und mir die Frage gestellt, wen ich selbst wohl benennen würde?

Nicht leicht. Rein optisch gefallen mir die junge Julie Christie und die ebenfalls junge Marianne Faithfull wohl am besten. Der Autor und Satiriker Wiglaf Droste schreibt u.a. über Marianne Faithfull: "Männer gab es; berühmte, gockelige Männer, eitle Männer, viele Männer. Sie gaben ihr, was sie hatten: Bewunderung, Anbetung, Habenwollen und Begierde. Marianne Faithfull war schön, sie konnte jeden Mann haben, wenn sie das wollte, und jeder, der bei Groschen und nicht blind war, wollte sie. Nur Liebe war nicht im Angebot- sie hätte das sein sollen, aber sie war nie da, sagt Marianne Faithfull, " (Zitat : S. 110).

Dieses Phänomen kennt man bei vielen, sehr schönen Frauen. Zumeist haben sie in der Liebe wenig Glück, begegnen selten ihrem Herzens-Du, so als seien sie wegen ihrer Schönheit verflucht. Michel Houellebeque hat sich in "Elementarteilchen" hierzu sehr tiefblickend geäußert. Schöne Frauen braucht man nicht zu beneiden.

Juliette Binoche, da muss ich Vincent Klink zustimmen, ist eine weibliches Naturereignis erster Provenienz. "Aus einer stillen Haltung heraus vermag sie unvermittelt solche Charmeoffensiven starten, dass rundum alles wegschmilzt", (Zitat: S.63).

Charlotte Rampling, auch Vanessa Redgrave machen es intellektuellen Frauen leicht, diese Schauspielerinnen zu wertschätzen, zwei aparte Frauen, die allerdings nicht dem gängigen Schönheitsideal entsprechen.

Was lieben Männer an Frauen? Wann ist eine Frau schön? Die Antworten im Buch im Hinblick auf die Schauspielerinnen lassen erahnen, worauf es Männern ankommt.

Nach immer wieder neuem Blättern und Vergleichen, bleibt mein Blick auf dem Foto von Julie Christie haften. Ihr Blick hat eine Seelentiefe und angenehme Unaufdringlichkeit, die mich sehr berührt. Sie ist übrigens immer noch schön, obschon sie ihren 70. Geburtstag bereits gefeiert hat, während andere Filmschönheiten aus dem Buch recht früh verwelkten. Ein Beweis mehr, dass wirkliche Schönheit von innen kommt. Aura ist der Spiegel der Seele.

Empfehlenswert.

Bilder: Verlag: Elisabeth Sandmann

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Rezension:Goethe! (DVD)

2011-07-19T01:53:00.000-07:00

Es ist nicht wesentlich, ob die unglückliche Liebesgeschichte, die in diesem Film gezeigt wird, mit den realen Ereignissen, die Johann Wolfgang von Goethe als Assessor in Wetzlar erlebte, übereinstimmt. Wer weiß schon, was sich zwischen der hübschen Lotte und Goethe wirklich abgespielt hat, bevor er seinen "Werther" verfasste, der dem jungen ungestümen Mann Weltruhm einbrachte und die Romanze mit Lotte dichterisch verbrämt für die Nachwelt festhielt?

Der junge Goethe wird im Film so gezeigt, wie ich ihn mir immer vorstelle, romantisch, charmant, sensibel, schüchtern und draufgängerisch zugleich sowie auf amüsante Art in die Liebe verliebt. Goethe litt immer an Sehnsucht und übertrieb stets ein wenig damit. Vielleicht litt er gerne daran, weil sie ihm die Chance eröffnete, seine Empfindungen in seine Gedichte einfließen lassen zu können. Es ist denkbar. Schmerz tut nur beim ersten Mal wirklich weh und Goethes Schmerz hieß Frederike. Als alter Mann sagte er, dass er nur diese Frau geliebt habe, nicht Lotte, nicht Charlotte, nicht Marianne, nicht Ulrike, nicht Christiane, nicht Käthchen und wie sie alle hießen.

Lotte ist also nicht seine erste Verliebtheit, wie wir wissen und wir benötigen nicht viel Fantasie uns vorzustellen, dass dieser Jüngling spielend die Herzen jünger Mädchen betören konnte. Er war gutaussehend, liebenswürdig und vermochte Worte bestens zu setzen. Alexander Fehling ist die Idealbesetzung für die Rolle, denn er strahlt das aus, was Goethe in jener Zeit ausmachte.

Lotte ist die Vernünftige in der Liebesgeschichte und folgt letztlich nicht ihrem Herzen. Ihr bleibt die Erinnerung an eine möglicherweise traumhafte Nacht, die prüde Deutschlehrerinnen den beiden gewiss 200 Jahre lang nicht zugebilligt haben und es möglicherweise heute immer noch nicht tun. Nach deren Vorstellung nämlich hat Goethe erst in Italien seine Unschuld verloren.

Ich war vor einigen Jahren in Wetzlar, in der noch heute Goethe spürbar ist, der junge Goethe, der dem Ruf seines Herzens folgte. Dieser Ruf hieß nicht Lotte, sondern hieß Poesie und dieser verschrieb er sich ein Leben lang. Die bodenständige Lotte wusste das. Das wird im Film sehr gut herausgearbeitet.

Ein sehr schöner Film übrigens, mit guter Kulisse, überzeugenden Kostümen und Texten, die sich der Sprache des Hier und Jetzt bedienen und insofern verdeutlichen, dass Sturm und Drang in allen jungen Generationen vorhanden sind und es Geschichten unglücklicher Verliebtheit erst dann nicht mehr geben wird, wenn die Welt aufgehört hat zu existieren.

Die Bild- und Tonqualität sind bestens.

Empfehlenswert.

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Rezension: Der Glanz von Anghor Wat

2011-05-29T02:41:00.000-07:00

Auf der vorliegenden DVD kann man sich im Rahmen Dokumentation über die Stadt Angkor in Kambodscha beeindruckender Aufnahmen nicht nur der dortigen Tempelanlage Angkor Wat erfreuen, sondern erfährt Wissenswertes über den offiziellen Entdecker, den Franzosen Henri Mouhot, der eher zufällig im Jahre 1860 auf Angkor im Regenwald stieß. Nicht unerwähnt wird gelassen, dass im 16. Jahrhundert bereits einige Missionare und portugiesische Reisende Angkor gesehen hatten.

Die alte Stadt soll übrigens die Ausmaße von Paris besitzen. Filmisch werden Szenen nachgestellt, die dem Betrachter Henri Mouhot näher bringen, der als begabter Zeichner die Temperanlagen akribisch dokumentierte und den Europäern zuhause eine Vorstellung von der Schönheit insbesondere Angkor Wats vermittelte. Man erfährt, dass in Angkor einst die Khmer lebten, ein Volk, das vor 550 Jahren zu existieren aufgehört hat.

Nachdem man nach langer Suche Aufzeichnungen eines chinesischen Diplomaten aus dem 13. Jahrhundert fand, wurde bekannt, dass diese Stadt vor dem Jahre 1431 sehr reich war und deswegen vehement beneidet wurde. Begründet war der Reichtum auf eine sehr erfolgreiche Landwirtschaft, die sich entwickeln konnte, weil die Khmer im 10. Jahrhundert viele Bewässerungsanlagen und Stauseen anlegten, die eine mehrfache Reisernte zuließ.

Der Neid und die Missgunst führten zu Brandschatzungen und Plünderungen seitens der Siamesen, weitere Probleme entstanden durch Missernten und anderes mehr. Weshalb Angkor Wat sowohl eine buddhistische und eine hinduistische Pilgerstätte ist und wieso der alte Grabtempel eines Khmer-Königs ein architektonisches Wunder darstellt wird in der Dokumentation sehr gut erläutert.

Für mich ist Anghor ein warnendes Beispiel dafür, welche Fehler man als Volk tunlichst unterlassen sollte, um nicht dem Untergang vorschnell geweiht zu sein.

Die gezeigten Bilder, der Bilderschmuck an den Gebäuden, das Grün als Gegensatz zur morbiden Atmosphäre ziehen den Betrachter auf geheimnisvolle Art in seinen Bann.

Die Bild- und Tonqualität sind bestens.

Empfehlenswert.

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Rezension:Eckhart Tolle: Leben im Jetzt - aber wie? Teil 2 (DVD)

2011-04-27T13:35:00.000-07:00

Dies ist der zweite Teil des DVD Vortrags von Eckart Tolle zum Thema "Leben im Jetzt- aber wie?". Gehalten hat er diesen zweiten Vortragsteil in Hannover am 28.10.2010. Tolle wirkt noch gelassener als zwei Tage zuvor in Karlsruhe, wo er den ersten Teil seines Vortrags hielt.

Auch in Hannover spricht der Weisheitslehrer sogleich vom Jetzt und macht begreifbar, weshalb es so wichtig ist, seine Gedanken nicht mit Vergangenem oder Zukünftigem zu belasten, denn letztlich ist beides eine Illusion. Das Jetzt gilt es, so wie es ist, anzunehmen oder es zu verändern, falls dies möglich ist. Nicht empfehlenswert ist es, das Jetzt gedanklich zu problematisieren, vielmehr sollte man die Lebenssituationen aufmerksam beobachten, sie aber nicht beurteilen, sondern ihnen stille Aufmerksamkeit schenken. Worte und Handlungen, die uns verärgern sollen, sollten wir gelassen auf uns wirken lassen, nicht darüber nachdenken, sondern uns bewusst machen, dass die Formen des Moments sich immerfort verändern und wir uns von ihnen generell nicht beeindrucken lassen dürfen. Dies gilt für positive als auch für negative Ausdrucksformen.

Viel besser ist es, sich seines Innenraumes bewusst zu werden, der unabhängig von unserem Denken und unserem kleinen Selbst, das sich schnell verletzt fühlt, ärgert und abhängig macht von Verhaltensmustern Dritter, einfach existiert und darauf wartet, von uns entdeckt zu werden.

Dieser Innenraum, in dem die Stille und das Licht leben, besitzt eine Tiefe, die uns das Alltägliche, die Ängste, den Ärger als das erkennen lassen, was sie sind: die Tyrannei unserer Gedanken, die mit unserm Inneren nichts aber auch gar nichts zu tun haben.

Die Stille in unserem Innenraum, ist identisch mit der Stille des Universums und das Licht, das in dem Raum lebt, ist das gleiche Licht wie in anderen Menschen. Unser Körper ist veränderlich, ist eine von vielen Manifestationen des Lichtes, die kommen und vergehen. Das Licht selbst ist Gott, ist die Liebe, die von Anbeginn an in uns wohnt und auch dann noch besteht, wenn der Körper den Weg alles Irdischen gegangen ist.

Soweit ich Tolle begriffen habe, geht es darum, sich in allen Situationen seines Lebens der inneren Tiefe bewusst zu sein, die uns mit allem verbindet, was ist und die uns mit allem aussöhnt, auch mit Momenten des Jetzt, die uns nicht unbedingt gefallen wollen. Nehmen wir also das Jetzt so an, wie es ist und versuchen ihm das Beste abzugewinnen. Tolle sagt an einer Stelle seines Vortrags, dass die meisten Menschen immerfort denken, es würde noch etwas fehlen. In Wahrheit fehlt aber nichts. Alles ist in unserem Inneren vorhanden - nämlich die Stille-, um das Licht und die Liebe zu erkennen, die für die Lebendigkeit des Lebens sorgen. Das Licht und die Liebe sind identisch. Wir beginnen dies zu erkennen, wenn wir aufhören uns zu vergleichen und uns dabei in absurde Gedankenlabyrinthe verstricken.

Hüte man sich vor einem Selbstwert, der aus Gedanken besteht. Man scheitert an den fatalen Gedanken besser, größer und schöner sein zu wollen. Betrachtet man seine Mitmenschen als Personen, die über den gleichen hellen Innenraum verfügen, den man selbst in sich birgt, beginnt man das Eigentliche zu erkennen, das sich nicht interessiert für die kleinkarierten Gedankenmuster des verängstigten Selbst, sondern damit befasst, was fern ab von allem Unzulänglichen lebt und das Leben lebenswert macht: die Liebe.

Empfehlenswert.

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Rezension:Eckhart Tolle: Leben im Jetzt - aber wie? Teil 1 (DVD)

2011-04-22T06:35:00.000-07:00

Diese DVD enthält Eckart Tolles Vortrag in Karlsruhe vom 26.10.2010 "Leben im Jetzt-aber wie?" Es ist das erste Mal, das ich Tolle auf dem Bildschirm wahrnehmen konnte, denn bislang habe ich nur Texte von ihm gelesen oder CD`s von ihm gehört.

Seine Gestik und Mimik haben mich sehr beeindruckt, denn Tolle strahlt Liebe, Zurückhaltung, Gelassenheit sowie Sanftheit, aber auch Humor aus und damit all das, was er in seiner Büchern so nachhaltig zum Ausdruck bringt.

Der Weisheitslehrer spricht in Karlsruhe vor einem großen Publikum über die Befreiung vom Selbst, über die Leere als die Fülle des Seins und über das Leben im Jetzt.

Tolle macht zunächst auf den Raum zwischen den Worten aufmerksam, auf die Stille, die von dort ausgeht, einer Stille, der man sich bewusst werden sollte, um die Tiefe zu erkennen, die diesem Raum inne wohnt und in die man sich versenken sollte, um Transzendenz zu begreifen. Menschen, die diese Tiefe nicht wahrnehmen möchten, bleiben der Oberfläche des Lebens verhaftet, in der es nur um Dinge und das ewige Vergleichen geht. Das Ego, auch das kollektive Ego, lässt Stille nicht zu, sondern sorgt für viel Leid, weil es sich immer mit den Gestern und Morgen befasst, allerdings nie mit dem Jetzt, das es anzunehmen gilt, so wie es ist.

Menschen, die getrieben sind von der Idee besser, größer und schöner zu sein als andere, leiden und versuchen anderen Menschen Leid zuzufügen. Eine Enttäuschung folgt der anderen, solange sie nicht bereit sind, sich aus der Oberfläche des Daseins hinwegzubewegen und ihr fehlgeleitetes Selbst zu erkennen.

Menschen, die sich nur mit dem, was sie besitzen oder gemacht haben, identifizieren und nicht mit ihrem momentanen Tun, gelangen zu einem falschen, ewig vergleichen wollenden Selbst und versuchen andere klein zu reden, um ihr Ego besser herausstreichen zu können. Das jedoch führt nicht zu dem erstrebten Erfolg.

Menschen, die so gestrickt sind, sind frustriert und gestresst, lachen selten und verbauen sich die Chance weise zu werden und inneren Frieden zu erlangen.

Tolle unterstreicht, dass man sich um den Raum der Stille bemühen sollte, auch um sich der eigenen Kreativität zu öffnen. Man sollte ein Gefühl für die Lebendigkeit des Körpers und die Schönheit des Moments erlangen, sich am Moment erfreuen und zwar einfach, weil er ist.

Wer sich der Stille des inneren Raums nicht bewusst wird, kann schwer zuhören, ist zu sehr mit seinen eigenen kleinen Gedanken und daraus resultierenden Ängsten und Aggressionen befasst, als das er den großen Raum, der sich im inneren Raum spiegelt,erkennt und zu begreifen lernt, dass dieser Raum das Eigentliche darstellt, weil er sich jenseits der Vergänglichkeit der Formen befindet, weil dieser Raum die Ewigkeit ist aus der wir kommen, in die wir gehen, in der wir immer sind, aus der wir unsere Kreativität schöpfen, in der kein Platz ist für das dauerhaft enttäuschte und leidende, den anderen Leid zufügen wollende, aufgeblähte Selbst.

Der Ort der Stille ist der Ort des Jetzt, der Ort der Wahrheit, der Ort an dem wirkliches Erkennen möglich ist.

Empfehlenswert.

Rezension: Ninotschka - SZ-Cinemathek (DVD)

2011-04-11T11:04:00.000-07:00

Als der Film " Ninotschka" gedreht wurde war Greta Garbo 34 Jahre alt. Zu diesem Zeitpunkt stand die Schauspielerin auf der Höhe ihres Ruhms.

Erstmals hatte sie ein Drehbuch (Autor Charles Brackett) , das ihren Talenten entsprach.

Sie musste nicht gegen ihre wahre Natur anspielen, sie brauchte endlich nicht mehr den Vamp darstellen, die femme fatale, eine Stereotype.

Der 1939 gedrehte Film gehört zu einer neuen erfrischenden Schule des Films. Es ist eine Satire, völlig unglaubwürdig, hemmungslos komisch.

Unter anderem ist es eine Satire auf die Garbo selbst , genauer auf die Legende der kühlen Frau aus dem Norden, gegen die Ehe immun, herb in sich selbst ruhend.

Der Film ist voller Heiterkeit, formell auf Hochglanz gebracht, eine kultivierte Komödie. Diese hat kein Anliegen außer der frohen Botschaft, dass Liebe und gutes Essen und Trinken, speziell der Genuss von Champagner die wichtigsten Ingredienzien des Lebens sind.

In einer besonders absurden und herrlichen Sequenz lacht die Garbo hemmungslos und stürzt von einem Lachanfall in den nächsten. Der Hauptslogan des Films heißt " Die Garbo lacht!!!"

Der Regisseur des Films ist der Könner Ernst Lubitsch.

Der Rückseite der DVD Hülle ist zu entnehmen: "Greta Garbo spielt eine pflichtbewusste sowjetische Kommissarin, die mit einer Delegation nach Paris reist, um einen Teil des zaristisches Juwelenschatzes zu verkaufen. Doch die Schönheit von Paris, Champagner und Seidenstrümpfe und das ganze " Savoir vivre " lassen auch eine Vollblutkommunistin nicht kalt. So sehr sich Genossin Garbo auch bemüht - schon bald hat sie die Stadt der Liebe in ihrem Bann. Was natürlich auch an dem charmanten Leon D`Algout ( Melvyn Douglas ) liegt. "

Bei allem verrät Ninotschka allerdings nie die Ideale ihres Landes.

Als Kommentar über die Sowjetunion, die gerade ein Blutbad hinter sich hat, gibt der Film überhaupt keinen Sinn. Er stellt keine Fragen, er weiß keine Antworten und Lösungen. Ideologisch ist er unparteiisch.

Der Film hat Tempo, Eleganz , Gradlinigkeit und einen schlafwandlerischen Witz

Er berührt die unergründlichsten Freuden des Lebens. Resümierend kann festgehalten werden: " Ninotschka" ist der Triumph des brillanten Witzes . Ganz ungemein amüsant!

Die Ton und Bildqualität sind sehr gut.

Empfehlenswert!

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Rezension:In jeder Sekunde (DVD)

2011-02-03T12:24:00.000-08:00

Die Kernaussage des Films lautet meines Erachtens: alles hängt mit allem zusammen.

Zwei sich zunächst scheinbar nicht berührende Handlungsstränge laufen - wie von Geisterhand gesteuert - aufeinander zu und führen zu einem leidvollen Ergebnis.

Hätten die Protagonisten den Handlungsverlauf stoppen können?

Auf diese Frage habe ich bislang noch keine zufriedenstellenden Antwort gefunden.

Thematisiert werden im Film Liebe, Verliebtheit, auch Begehren.

Die Szenen spielen primär in der Psychiatrie, im Hause eines Psychiaters, in einer Galerie, in der gestylten Wohnung einer Galeristin, in der chaotischen Behausung eines jungen Fotografen und im Discjockey-Mileu. Drogen spielen eine nicht unwesentliche Rolle.

Während der Psychiater (Sebastian Koch) versucht Leben zu retten, wird es im Drogenmileu willkürlich zerstört und doch ist der Psychiater kein Halbgott in Weiß, sondern ein überforderter Mensch, der aufgrund seines enormen Engagements sich selbst schon lange vergessen hat und bei dem ersten Lächeln, das ihm als Mann nach langer Zeit gilt, dahinschmilzt.

Die Liebesfähigkeit des jungen Fotografen berührt am meisten. Möglicherweise sind nur sehr junge Menschen zu solchen innigen Gefühlen fähig.

Sehr gute schauspielerische Leistungen, insbesondere von Koch.

Die Dialoge sind beinahe skizzenhaften, dabei aber bestens gemacht.

Der Film lebt von unter die Haut gehender Mimik.

Interessant, dass die Männer weitaus emotionaler erscheinen als die Frauen im Film, also ganz wie im wahren Leben und dies meine ich überhaupt nicht ironisch. Die Frauen wirken eher bewusst, fast ein wenig abgeklärt, dabei aber nicht besonders sympathisch. Sie arbeiten mit den Waffen der Verführung - mit Ausnahme von der Ehefrau des Psychiaters (Babara Auer), deren Blick nur ein geballter, höchst unangenehmer Vorwurf ist. Die Frauen sehen ihr jeweiliges männliches Gegenüber nicht in seiner Gesamtheit. Das ist sehr schade.

Leider geschieht dies nicht selten im realen Leben und führt zumeist zu unerfreulichen Ergebnissen.

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Rezension: Brazil (DVD)

2011-01-02T12:36:00.000-08:00

Dieser Film von Terry Gilliam dient nicht zur Erbauung! Es ist ein surrealer Streifen, der sich mit dem Horrorgebilde eines bürokratisch völlig durchorganisierten Staates befasst.

Den Menschen ist die Individualität genommen in diesem totalitären Staat, in dem sie blauäugig an die Korrektheit der menschenunwürdigen Verfahren glauben. Nichts wird hinterfragt.

Alle werden überwacht, alle werden kontrolliert, ständig! Die Frauen ergehen sich in Äußerlichkeiten (pausenloses Liften ist angesagt), die Männer geilen sich an ihren hierarchischen Positionen in diesem ekelhaften System auf. Die Menschen sind zu seelenlosen Kreaturen verkommen.

Sam Lowry ( Jonathan Pryce), der Protagonist verkörpert einen kleinen Beamten. Zunächst ist er linientreu und unreflektiert, fristet ein Nischendasein, entgegen den Karrierewünschen seiner aufgetakelten Mutter.

Als er eines Tages begreift, dass ein Unschuldiger aufgrund eines bürokratischen Missgeschickes versehentlich liquidiert worden ist, verfällt er in höchst sonderbare Tagträume und schwebt als Erzengel Michael über der zur Realität gewordenen Horrorvorstellung eines Überwachungsstaates.

Der durchorganisierte Beamtenstaat fahndet ständig nach Terroristen, um auf diese Weise seine bis zu den Zähnen bewaffneten Kontrollorgane zu legitimieren. Korruption und Vetternwirtschaft sind natürlich an der Tagesordnung.

Nach vielem Hin und Her gerät Lowry in die Fänge der Staatsorgane, wird diverser subversiver Verbrechen bezichtigt und entzieht sich dem Terror der Beamten, die ihn foltern, um ihm ein Geständnis abzuringen, indem er auf ewig in seine Träume entflieht. Dort sind die Gedanken noch frei. Dort kann er noch ungestört fliegen, gemeinsam mit der Frau seiner Träume.

Ein sehr guter, aber gewöhnungsbedürftiger Film , den man sich nicht vorm Einschlafen ansehen sollte! Wer träumt schon gerne von einer exzessiven Bürokratie?

Die Bilder sind überaus künstlerisch gestaltet.

Empfehlenswert!

Rezension : »Der Hauptmann von Köpenick«

2010-12-07T13:10:00.000-08:00

Karl Zuckmayers Bühnenstück "Der Hauptmann von Köpenick" habe ich vor vielen Jahrzehnten in der Schule gelesen und diesbezüglich damals eine Hausarbeit angefertigt. Möglicherweise sah ich den Film bereits als Kind im Fernsehen, ich meine mich nämlich an einige Szenen erinnern zu können, speziell an jene, bei der der Schuster Wilhelm Voigt (Heinz Rühmann) als Hauptmann von Köpenick sich über seine Maskerade schier schippelig lacht.

Zum "Hauptmann von Köpenick" wurde im Grunde bereits alles gesagt und geschrieben. Ich thematisiere den Film heute auf ein "Buch lesen", weil die Quintessenz der Handlung weit über eine Kritik am preußischen Obrigkeitsstaat, auch an den Auswüchsen von Militarismus unter Wilhelm II., wie sie im Film deutlich werden, hinausgehen. Die Quintessenz ist eine Warnung vor der Hierarchiegläubigkeit, die sich seit Zeiten Kaiser Wilhelm II. kaum geändert hat. Waren es in jener Zeit der Adel und die gehobenen Beamten, wie auch die oberen Dienstgrade beim Militär, die den Menschen Erfurcht einflößten, sind es heute gekaufte oder im Internet gar gefakte Doktorentitel, mittels denen sich Menschen täuschen und zu gruppendynamischen Handlungen antreiben lassen. Insofern hat der Film in seiner dargestellten Problematik nichts an Brisanz verloren.

Die Geschichte Voigts an dieser Stelle in epischer Breite zu erzählen, erspare ich mir, nicht zuletzt, weil man diese bei Wikipeda nachlesen kann. Rühmann spielt den Schuster, der nicht bei seinen Leisten bleibt, hervorragend. Man sieht über seine Straftaten in jungen Jahren beinahe hinweg, weil er es schafft, beim Zuschauer Mitleid zu erregen. Voigt braucht ein Dokument (einen Pass), den er auf legalem Wege nicht zugebilligt bekommt und findet als "Hauptmann von Köpenick" einen Weg, diesen zu erhalten und zwar, weil man sich über seine Gewitztheit amüsiert.

Mitleid zu erregen, durch angemaßte Titel zu täuschen und zu einem erfolgreichen Ergebnis zu gelangen, das ist die Botschaft des Films. Diese sollte man sich gut merken, um bei hinkenden Möchtegerngrafen oder- doktoren den schmutzigen Pferdefuß nicht zu übersehen, d.h. nicht auf diese Mitleid- sowie Titelmasche hereinzufallen und sich ergo nicht über den Tisch ziehen zu lassen.

Bei all dem ist freilich die harsche Kritik an der menschenverachtenden Bürokratie berechtigt, aber sie ist nicht das Hauptthema des Films, wie mir scheint.

Das Bonusmaterial enthält den Trailer, eine abgedruckte Kurzbiografie und einige Informationen zu Filmen Rühmanns. Heinz Rühmann und dessen Sohn geben dabei erhellende Interviews. Rühmann berichtet u.a., dass er ursprünglich die Rolle des Hauptmanns nicht hätte spielen sollen und zwar mit der Begründung, dass er zuvor "Charleys Tante" gespielt habe und deshalb in den Augen einiger "Ewig- Gestriger" unwürdig gewesen sei, einen Hauptmann zu mimen. Damit wird deutlich, dass zum Zeitpunkt des Drehs immer noch Menschen in den Denkstrukturen von 1906 steckten. Im Interview wird auch klar, dass es Rühmann noch in den 1950er Jahren sehr schwer hatte und in seinem Leben neben Höhen auch Tiefen erlebte. Vielleicht strahlte er deshalb so viel Herzenswärme, Milde und Nachsicht aus.

Ein toller Film. Dass die Farbqualität nicht das Niveau heutiger Filme hat, finde ich unproblematisch.

Bild: Wikipedia- de: Wilhelm Voigt, Hauptmann von Köpenick, Statue vor dem Rathaus Berlin-Köpenick

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Rezension: Ein gutes Jahr

2010-11-30T03:51:00.000-08:00

Diesen Film habe ich vor einiger Zeit bereits rezensiert, allerdings zu anderen DVD-Ausgaben. Gestern nun kam das bei Amazon georderte "Cine -Projekt" bei mir an. Da ich mir den Film schon gut 7 x angesehen habe, begann ich bei dieser DVD mit der Sonderausstattung, deren Länge die Spielfilm-Laufzeit von ca.113 Minuten (zumindest gefühlt) um Einiges übertrifft.

Man erfährt hier seitens des Produzenten Ridley Scott und des Drehbuchautors Marc Klein, weshalb man sich entschlossen hat, vom Roman Peter Mayles abzuweichen, nach welchen Kriterien die Auswahl der Schauspieler getroffen wurde und bekommt Einblick in den Szenenaufbau nahezu aller Szenen. Der Hauptdarsteller des Films (Max) Russell Crowe wird neben anderen Darstellern interviewt. Man erlebt ihn als sehr charmanten, reflektierten Menschen, den Ridley Scott in höchsten Tönen lobt, weil Crowe zu den eigenständigsten Schauspielern Hollywoods zählt, die sich dazu noch hervorragend in ein Team einbringen können. Crowe ist ein Mann ohne Allüren, wenn man Ridley Glauben schenken darf. Das kaufe ich Ridley gerne ab. Ich finde Crowe nämlich auch hinreissend natürlich.

Die erste Szene des Films spielt in der Provence auf dem Weingut des sehr sympathischen, in die Jahre gekommenen Briten Henry (Albert Finney). Der Waisenknabe Max verbringt dort bei seinem Onkel stets die Sommerferien und lernt von diesem Dinge, die für sein späteres Leben wichtig sind, so etwa, dass man nie aufgeben und aus seinen Niederlagen stets lernen soll. Die erste Szene zeigt die beiden beim Schachspiel. Henry gestattet seinem kleinen Neffen sogar etwas verdünnten Wein zu trinken und an seine Zigarre zu ziehen. Er geht mit ihm um, wie mit einem kleinen Erwachsenen und genau dafür liebt ihn Max, der im Internat nur Unterdrückung und Ablehnung erfährt.

In der 2. Szene dann erlebt man Max als Erwachsenen, der leitender Wertpapierhändler bei einer Londoner Bank ist. Man nimmt ihn als zynischen Abzocker, der immer bis an die Grenze der Legalität geht, wahr, wenn es sich um seinen Erfolg handelt. Die Banker-Welt in London ist völlig technologisiert und damit der Welt in der Provence entgegen gesetzt. Geht es in London ausschließlich um geschäftlichen Erfolg und damit um Geld, steht die Provence für Genuss, für die Liebe und ein naturverbundenes Leben. Hier Hektik und Schnelligkeit, dort das Langsame, Bedächtige. Hier technische Intelligenz, dort die Weisheit.

Max ist ein cooler Stratege, ein ehrgeiziger Macher, der sich keinen Urlaub gönnt. Als Lebensaufgabe sieht er das Geldmachen, dafür ackert er rund um die Uhr.

Als er erfährt, dass sein Onkel verstorben ist und dass er dessen Anwesen in der Provence geerbt hat, reist er gezwungenermaßen in den Süden und findet dort zu seinem eigentlichen, doch sehr sensiblen Wesen zurück. Beim Abwerfen der rauhen Schale hilft ihm die schöne Fanny (Marion Cotillard), in die er sich unsterblich verliebt....

Es führt zu weit im Rahmen dieser Rezension Szene für Szene auszuloten. Sehr witzig sind die Dialoge zwischen Max dem Weinmacher, die den Gegensatz französischer und britischer Mentalität so wunderbar persiflieren.

Die Landschaftaufnahmen im Film begeistern mich ebenso wie die Bilder von Gordes. Was gibt einem rund um die Uhr arbeitenden Menschen ein Original-Gemälde von van Gogh, das er - aus Angst vor Diebstahl - im Tresor liegen hat? Ist ein solches Bild oder sind es andere sündhaft teure Dinge wert, dauerhaft Maus im Rad auf hohem Niveau zu sein? Das sind die Fragen des Films, auf die zum Schluss eine klare Antwort gegeben wird.

Die Bild- und Tonqualität der Komödie sind bestens. Der Filmhandlung fehlt es nicht an Witz. Die Filmmusik passt großartig zur Filmhandlung und dem Savoir-vivre, dem dort gehuldigt wird.

Sehr empfehlenswert.

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezension:Die Gräfin (DVD)

2010-11-28T13:57:00.001-08:00

Die Filmhandlung hat das Leben der Gräfin Erzsébet Barthóry (1560-1614) zum Thema und lässt sich dabei lobenswert viele erzählerische Freiheiten. Für mich stellt sich nach dem Betrachten des Streifens nicht die Frage, ob Erzsébet nun tatsächlich Hunderte von jungen Mädchen gefoltert und ermordet hat, um ihren Alterungsprozess zu stoppen oder nicht, sondern mir genügt der Gedanke, dass man es bereits in Renaissancezeiten für möglich hielt, dass eine Frau der Eitelkeit und Altersangst wegen, zu solchen Handlungen überhaupt fähig sein könnte.

Die Geschichte der grausamen, alternden Erzsébet, die sich angeblich im Blut von Jungfrauen badete, um ihre Falten auf diese Weise zu glätten, ist in meinen Augen eine Parabel auf die Auswüchse des Körperkultes in heutiger Zeit. Noch müssen keine Jungfrauen sterben, damit krankhaft eitle, in die Jahre gekommene Möchtegernmodells vermeintlich ewige, äußerliche Jugend erwerben können, aber das Wundermittel Botox bedeutet für mittlerweile jährlich weltweit bis zu 300.000 Versuchsmäuse den Tod. Diese Tiere erleiden zuvor Muskellähmungen, Sehstörungen und Atemnot. Die Botoxbräute stört dies offenbar wenig.

Im Film wird Erzsébet (Julie Delphie) als eine sehr intelligente Frau ohne Mitgefühl dargestellt, die in einen fatalen Jugendwahn gerät, als ihr 20 Jahre jüngerer Geliebter (Daniel Brühl) sie verlässt. Ihm war ihr Alter gleichgültig. Das Problem des Alterns war ihr ureigenes Problem, das sie zunächst durch einen jüngeren Geliebten zu lösen versuchte, wie dies heute angeblich viele Damen aus der Filmwelt ebenfalls zu probieren pflegen. Wie weit würden heute dahinwelkende, narzisstische Menophasenneurotikerinnen gehen, wenn man ihnen verspräche, dass Jungfrauenblut sie von ihrer Schrumpelhaut befreien würde? Wie weit würden sie gehen, wenn die Gesetze alles erlaubten?

Die Schauspieler haben ihre Rollen perfekt gespielt. Die Renaissancekostüme sind in ihren düsteren Farben sehr gut gewählt. Die Atmosphäre im Film ist beinahe transilvanisch, gar nicht so weit entfernt von den Irrsinnigkeiten des Jahrmarkts der Eitelkeiten im Hier und Heute, wenn man den Gazetten beim Friseur Glauben schenken darf.

Die Ton- und Bildqualität sind o.k.

Rezension:Die Herrin von Thornhill mit Julie Christie - SZ Cinemathek Traumfrauen (DVD)

2010-11-25T12:48:00.000-08:00

Die vorliegende Filmhandlung spielt im England des zu Ende gehenden 19. Jahrhunderts und dort auf dem Land.

Die schöne, tatkräftige Bathsheba Everdene (Julie Christie) hat ein Landgut geerbt und entschließt sich, dieses Gut selbst zu verwalten. Schnell findet sie sich in ihre Aufgabe ein und erwirbt sich Respekt bei ihrem Personal und den benachbarten Gutbesitzern, die beim Kauf von Saatgut erleben dürfen, dass Bathsheba sich keineswegs blauäugig von durchtriebenen Händlern über den Tisch ziehen lässt, wie man dies von ihr zunächst erwartet.

Zu Ihrem Personal ist sie streng aber fair und lässt ihre Leute wissen, dass sie für sie nicht bloße Produktionsmittel sind, sondern Menschen, die sie als solche wertschätzt.

Bathesheba , die sich als Gutsherrin auschließlich von der Vernunft leiten lässt, agiert in Liebesangelegenheiten nur nach ihren Gefühlen.

Drei Männer verlieben sich in sie und halten um ihre Hand an.

Die Gutsbesitzerin möchte den Mann, den sie heiratet, innig lieben.

Ihrem Jugendfreund (Alan Bates) hat sie schon als junges Mädchen einen Korb gegeben, doch dieser liebt sie noch immer. Seine Liebe ist beinahe selbstlos. Er steht ihr - der Herrin von Thornhill - bei, wo er nur kann und zeigt sich als zuverlässiger Partner an ihrer Seite. Er ist ihr bester Freund, obschon sie sich dies niemals eingestehen würde.

Ein wesentlich ältere Großgrundbesitzer (Peter Finch) liebt Bathsheba besitzergreifend und möchte ihr den Himmel auf Erden bereiten. Die junge Frau zögert, weil ihr Herz nicht entflammt ist.

Dieses brennt allerdings lichterloh als sie auf einen attraktiven Kavalleriesergeanten (Terence Stam) trifft, der nicht nur als Draufgänger und Spieler, sondern auch als Herzensbrecher in aller Munde ist.

Der Soldat zeigt ihr Degenkunststückchen und sie unterwirft sich dabei fast spielerisch einer Mutprobe, mittels welcher er Bathseba im Sturm erobert.

Die junge Frau verliebt sich in den Taugenichts, glaubt gar ihn zu lieben und wiedergeliebt zu werden, allerdings wird sie nach der Eheschließung eines Besseren belehrt.
Bathseba erkennt, dass nicht vordergründige Verliebtheit, sondern gegenseitiges Vertrauen und die Bereitschaft füreinander da zu sein, die Grundlagen einer Ehe sind und ohne diese Vorraussetzung eine Beziehung, die ein Leben lang halten soll, nicht möglich ist.

Eine solche Liebesbeziehung ist keine stürmische , wie man sie aus einschlägigen Liebesromanen kennt, sondern eine leise, fast verhaltene, die in der Lage ist, beidseitig tief in den Herzen zu verwurzeln.
Wird Bathsheba am Ende eine solche Liebsbeziehung finden?

Beeindruckende Landschaftsbilder lassen den Zuschauer in eine Zeit eintauchen, die wenig Raum ließ, seinen spontanen Liebesgefühlen freien Lauf zu lassen. Man musste das Leben gemeinsam unter schwierigsten Bedingungen meistern. Das war nur möglich, wenn man sich hundertprozentig aufeinander verlassen konnte.

Julie Christie wird in meinen Augen zu Recht als Traumfrau bezeichnet, denn sie ist bildschön und ausdrucksstark. Selten sieht man so glaubhaft Emotionen in einem Gesicht gespiegelt wie bei dieser Schauspielerin, die dazu noch hocherotisch und sinnlich ist, ohne eine Femme fatal zu sein.

Die Farb- und Tonqualität sind zufriedenstellend. Das Preis-Leistungsverhältnis ist o.k.

Dass es sich um einen John- Schlesinger- Film handelt, soll nicht unerwähnt bleiben, nicht zuletzt weil dieser Regisseur zum besten Regisseur des Jahres 1969 gewählt wurde. In dem 156 Minuten andauernden Streifen wird dies mit Bravour unter Beweis gestellt.

Der Film ist frei von Kitsch, obschon der Filmtitel dies vielleicht vermuten lässt.

Empfehlenswert!

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezension: Mythos Leben

2010-11-20T13:04:00.000-08:00

Heute früh habe ich mir die 3 DVDs der vorliegenden Kasette voller Neugierde angesehen. 150 Minuten Laufzeit mit einer Fülle von Informationen veranlassten mich, mir immer wieder Notizen zu machen, aber mich dann dazu zu entscheiden, die Forscher, die auf den DVDs zu Wort kommen weder beim Namen zu nennen, noch all ihre Forschungsansätze aufzulisten. Die Fülle der Infos lassen sich in einer Rezension nicht ausbreiten.

DVD 1 trägt den Titel "Die Geburt des Lebens auf der Erde- Die Ursprünge der Menschheit."

DVD 2 trägt den Titel "Die Evolution einer Idee- Auf der Suche nach den Ursprüngen des Lebens."

DVD 3 trägt den Titel "Gefährliche Planeten- Venus, Jupiter und Neptun: Warum kein Leben auf ihnen möglich ist."

Wissenschaftler stellen zunächst Überlegungen an, im Labor Lebenssysteme zu schaffen, d.h. aus einfachen Bausteinen eine funktionierende Zelle herzustellen. Die Bausteine des Lebens kamen vermutlich aus dem Weltall. Wie das geschah wird filmisch sehr anschaulich gezeigt. Kometen scheinen diese Urgene auf die Erde verteilt zu haben.

Man sieht Wissenschaftler bei ihrer Arbeit u.a. in Bolivien, um die Urspünge des Lebens zu erkunden und erfährt, dass der älteste Beweis für Leben in Australien gefunden wurde, der über 3,5 Millarden Jahre alt ist. 1953 begann man übrigens in der Wissenschaft damit, die Ursprünge des Lebens zu suchen.

Darwins Selektionsgedanke wird ausgiebig thematisiert. Man erlebt Wissenschaftler im Tropenwald, die dort die Artenvielfalt untersuchen. Man hört vom Töten und getötet werden und von der Flucht, die nach Darwin stets wichtig war, um seinen Feinden zu entkommen, wenn man überleben wollte. Die Geschichte der Natur ist die Geschichte des Stärkeren bei Darwin und wie auf der 2. DVD verdeutlicht wird, lag Darwin damit wohl richtig, denn Wissenschaftler haben die fehlenden Beweise für Darwins Thesen gefunden.

Erklärt wird auch, wieso wir auf dem Merkur, der Venus, dem Jupiter und den anderen Planeten unseres Sonnensystems nicht leben können und weshalb im Grunde nur der Mars eine Chance bietet unsere neue Heimat zu werden. Unwirtlich ist es allerdings auf dem Mars ebenfalls. So weit ich die Aussagen auf den DVDs begriffen habe, bleibt uns Menschen nichts anderes übrig, als uns immer wieder neu anzupassen, wenn wir überleben wollen, so wie die Fische, die einst an Land kamen und die Wale, die vom Land ins Wasser umzogen als ihnen Raubttiere das Leben auf dem Land zur Hölle machten.

Empfehlenswert.

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezensionen:Aguirre - Der Zorn Gottes - FOCUS-Edition (DVD)

2010-11-18T14:34:00.000-08:00

Handlung dieses faszinierenden Films des Regisseurs Werner Herzog spielt 1650 in Peru und dort in den Anden.

Thema sind die Geschehnisse während eines spanischen Expeditionszuges in den Anden auf der Suche nach dem sagenumwobenen Goldland "El Dorado".

Mit dem Begriff "El Dorado" wurde ein sagenhaftes Goldland im Innern des nördlichen Südamerikas bezeichnet. Die Sage von einem vergoldeten Mann entstand aufgrund eines Ritus der Muisca in Guatavita, Kolumbien, bei dem der Häuptling vollkommen mit Goldstaub bedeckt wurde, der dann bei einem zeremoniellen Bad in einem See wieder abgewaschen wurde. Diese Sitte, schon einige Zeit vor der Ankunft der Spanier nicht mehr ausgeführt, war Anlass zur Suche nach weiteren Goldschätzen Altamerikas, die sich vom Amazonasbecken bis in die nordamerikanischen Prärien erstreckte. Die Fabel vom Goldland "El Dorado" blieb übrigens bis ins 18. Jahrhundert lebendig.

Don Lope de Aguirre (Klaus Kinski) wiegelt gleich zu Beginn der Filmhandlung die Soldaten eines Stosstrupps des besagten Expeditionszuges gegen dessen Anführer auf.

Dieser möchte aufgrund der Gefahren zurückkehren zu Pizarro, dem Anführer der Expedition. Aguirre will sich stattdessen von der spanischen Krone lossagen und unabhängig von ihr El Dorado erobern.

Am Zug durch die grüne Hölle nehmen auch zwei Frauen teil: die Verlobte des Anführers und die Tochter Aguirres.

Da der Weg durch den Urwald voller Gefahren steckt, versucht man mit einem Floß das gelobte Land zu erreichen.

Aguirre schafft es die Soldaten hinter sich zu scharen, indem er ihnen sagenhaften Reichtum verspricht und bewegt sie so dazu, mit ihm das Abenteuer mit ungewissem Ausgang zu begehen.

Ein Scheingericht verurteilt den ehemaligen Anführer zum Tode. Das Urteil wird schließlich mit Verzögerung vollstreckt. Nunmehr hindern Aguirre "nur" noch die vielen Gefahren der Wildnis und nicht zuletzt die überall lauernden, kannibalischen Indianer am glücklichen Ausgang seines Abenteuers.

Jetzt müssen sich alle dem Machtrausch Aguirres unterordnen. Für ihn bedeutet Reichtum mehr als Gold, für ihn bedeutet Reichtum in erster Linie Macht und Ruhm.

Aguirre besitzt alle negativen Eigenschaften eines Konquistadors.

Er ist größenwahnsinnig, machthungrig und habgierig. Kinski schafft es diese Eigenschaften nicht nur sprachlich, sondern auch mimisch hervorragend umzusetzen.

Gezeigt werden zudem anhand des bigotten Verhaltens eines Paters, die indifferente Haltung der katholischen Kirche während der Eroberung Südamerikas und die Brutalität bei der Christianisierung der Indianer.

Gezeigt wird die Menschenverachtung der Spanier gegenüber der Indianern und auch den Schwarzen.

Dass der blonde Kinski die Rolle des brutalsten Spaniers mimt und dabei die Herrenmensch- Attitüde extrem visualisiert, erinnert sofort daran, dass gerade die blonde Herrenmensch-Attitüde im letzten Jahrhundert fünfzig Millionen Tote zum Ergebnis hatte.

Größenwahn, Machthunger und Habgier sind von je her die Geisel des Menschheit, die nie etwas anderes als Leid und verbrannte Erde hervorbrachte.

Herzog lässt den Zuschauer in die Natur am Amazonas - Gebietes eintauchen. Es wird wenig gesprochen in diesem Film, stattdessen hört man die Geräusche des Urwaldes, sieht die Strömung des Amazonas, ahnt die Gefahren, die man beinahe mitzuerleben glaubt.

Wie groß muss die Habgier gewesen sein, dass man sich all der Gefahren aussetzte?

Die Ton- und Bildqualität sind o.k.

Ein empfehlenswerter Film!

Rezension:Fitzcarraldo (Einzel-DVD) (DVD)

2010-11-18T14:11:00.000-08:00

Manaus ist die Hauptstadt des Bundesstaates Amazonas in Brasilien. Der Ort liegt am Rio Negro. Dieser Fluss mündet in den Amazonas.

Zu Ende des vorletzten Jahrhunderts wurde die Stadt aufgrund des Kautschukbooms, der von 1890-1915 andauerte, sehr reich. Man erbaute 1896 sogar ein Opernhaus. Das war eine Sensation, die für interessanten Gesprächsstoff in den gebildeten Schichten jener Zeit sorgte.

Werner Herzog, der Drehbuchautor und Regisseur des vorliegenden Films lässt in der ersten Szene den damaligen Operstar Enrico Caruso in diesem Opernhaus singen.

Der Protagonist Fitzcarraldo (Klaus Kinski), ein glühender Verehrer von Verdi-Opern, ist mit seiner Geliebten (Claudia Cardinale) - einer Bordellbesitzerin - aus Iquitos angereist, einem Ort , der in jenen Tagen primär aus Bretterbuden bestand und noch gänzlich unerschlossen war.

Fitzcarraldo ist ein Träumer, mit vielen Ideen. Seine Vorstellung eine Eisenbahn durch den Dschungel zu bauen ist vor kurzem gescheitert. Doch sein eigentlicher Traum besteht darin ein Opernhaus in der grünen Hölle zu errichten, in dem auch Caruso singen soll. Fitzcarraldo möchte gewissermaßen das Paradies des Amazonas mit Verdis Kompositionen beschallen.

Dazu benötigt er Geld. Er fasst den Entschluss ein Schiff mittels einer Seilwinde über einen Berg zu schleppen, um so zu einem noch nicht ausgebeuteten Kautschukfeld zu gelangen und auf diese Weise Gewinne zu erzielen. Durchaus ist er sich im Klaren, dass dieses Unternehmen mit sehr großen Schwierigkeiten verbunden ist. Fitzcarraldo aber glaubt an sich und seinen Traum. Seine lebensbejahende Geliebte finanziert diesem "Spinner" lächelnd sein Projekt, während die reichen Kautschukbarone bereits auf sein Versagen wetten.

Es folgen traumhafte Bilder, die den Betrachter durch das Amazonas- Gebiet führen. Man sieht das gewaltige Wasser, auch das Urwald-Grün in all seinen Schattierungen und erfreut sich an den schauspielerischen Leistungen von Hunderten von Indios, die als Statisten in diesem Film für Authentizität sorgen.

Fitzcarraldo gelingt sein Unternehmen beinahe, weil ihm die Indios dabei helfen, den Dampfer über besagten Berg zu schaffen. Sie roden die mächtigen Bäume, bauen Schienen, arbeiten ununterbrochen. Auch sie haben einen Traum. Die stets für Unruhe sorgenden Flussgeister möchten sie besänftigen.

Mögen die beiden unterschiedlichen Träume auch dazu führen, dass Fitzcarraldo zunächst noch nicht den finanziellen Erfolg verbuchen kann, den er sich durch die Exkursion versprochen hat, so gelingt es ihm doch den Kautschukbaronen den Respekt abzuringen, den er für seine Leistung verdient hat. Vor Freude beinahe entrückt, lässt Fitzcarraldo auf dem Dampfer ein italienisches Orchester Verdis Musik spielen. Die Gesellschaft von Manaos und die Indios jubeln dem Opernenthusiasten vom Flussufer aus zu. Auch wenn er keine Oper im Dschungel errichtet hat, hat dieser Träumer es geschafft mit Verdis Klängen das Grün zu beschallen und zu zeigen, dass der Glaube an eine Sache Berge versetzen kann.

Der stets etwas fiebrig um sich blickende Kinski spielt die Rolle des von seiner Idee beseelten Fitzcarraldos überzeugend. Die attraktive Claudia Cardinale kommt an seiner Seite bestens zu Geltung. Kinski huldigt ihrer Schönheit sehr feinsinnig und macht sie auf dieser Weise zu Göttin des Amazonas.

Die Sensibilität, die von Kinski im Film ausgeht, besonders Hinblick auf die Kinder der Indios, seine liebevollen Blicke und seine sanfte Stimme haben mich sehr berührt. Ein wunderbarer Schauspieler mit ganz großem Feingefühl, das ihn in den Augen Dritter nicht selten als überdreht erschienen ließ. Leider.

Empfehlenswert.

Rezension: Die Freunde der Freunde

2010-11-10T23:34:00.000-08:00

Die Freunde der Freunde (Ausgezeichnet - Die Gewinner-FilmEdition, Film 8) (DVD)

Dieser beeindruckende Liebesfilm entstand im Jahre 2002. Im darauf folgenden Jahr wurde er mit dem Grimme-Preis ausgezeichnet.

Regie hat Dominik Graf geführt. Das Drehbuch von Markus Busch und Dominik Graf beruht auf Motiven einer Liebesgeschichte von Henry James.

Protagonisten sind die beiden Internatsschüler Gregor (Mathias Schweighöfer) und dessen bester Freund Arthur (Florian Schwarz), die kurz vor dem Abitur stehen. Gregor ist der Romantiker von den beiden und glaubt daran, dass für jeden Menschen ein anderer bestimmt ist, es eine zweite Hälfte gibt, so wie Platon dies beschrieben hat. Arthur ist überzeugt davon, dass die Liebe eine vorübergehende Erscheinung ist und handelt seiner Überzeugung gemäß.

Arthur ist ein Don Juan, der eine geheimnisvolle, unergründbare Seite hat. So erschien ihm sein Vater zum Zeitpunkt dessen Todes. Billie, die junge Schweizerin (Sabine Timoteo), die die Schule 2 Jahre vor dem Abitur verließ, weil sie schwanger wurde, besitzt auch diese Fähigkeit Menschen zu dem Zeitpunkt ihres Todes visuell wahrzunehmen und vermag sich ähnlich wie Arthur dies nicht zu erklären.

Gregor verliebt sich in Billie und weiß irgendwann, dass diese Frau nicht seine zweite Hälfte ist, aber vieles spricht dafür, dass Arthur und Billie schon immer zusammengehört haben...

Obschon Arthur und Billie sich im realen Leben nie begegnet sind, spürt Gregor die Ähnlichkeit der beiden, die möglicherweise dadurch bedingt ist, dass sie einander schon ewig kennen...

Die Kameraführung mit einer Videokamera ist so gestaltet, dass der Film fast wie ein Dokumentarfilm erscheint. Die Dialoge entsprechen dem, wie sich junge Menschen tatsächlich unterhalten. Es gibt keine geschliffenen Dialoge oder dergleichen, sondern nachdenkliches, verwundertes Sprechen, mit Sprachpausen, auch Flapsigkeiten. Hier agieren junge Menschen, die noch viele Fragen an das Leben haben.

Gregor ist intelligent und sensibel. Er fühlt, wie nur junge Menschen fühlen können, die erahnen, dass es geheimnisvolle Seelenbänder gibt, die durch den Tod nicht zerschnitten werden können.

Diese Seelenbänder sind das Thema des Films. Auch zwischen den beiden Freunden Greogor und Arthur gibt es ein solches Band. Letztlich versagt Greogor als Freund, weil er für einen Moment nicht vertraute...

Die Bild- und Tonqualität ist ausgezeichnet.

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezenionen: Babel

2010-11-03T11:34:00.000-07:00

Ein kalifornisches Ehepaar (Brad Pitt und Cate Blanchet) befindet sich auf einer Busreise durch Marokko. Dort wird die junge Frau im Bus von einer Kugel getroffen. Täter ist ein etwa 10 jähriges Kind, das aus Mutwillen mit dem Gewehr seines Vaters auf den Bus gezielt hat. Verletzungs- bzw. Tötungsabsicht lagen nicht vor. Der Junge spielte und war sich der Tragweite seines Tuns nicht bewusst.

Da die Kalifornier zunächst nicht wissen, wer geschossen hat, vermuten sie, dass Terroristen es waren und reagieren mit Angst vor weiteren Anschlägen. Im Bus ist kein Arzt. Ein solcher wird aber dringend benötigt, weil die Frau zu verbluten droht.

Der Busfahrer fährt eines der archaischen Dörfer in der kargen marokkanischen Landschaft an, damit man die Behörden anrufen und Hilfe herbeiholen kann. Die Behörden bemühen sich, arbeiten aber so langsam, wie überall auf dieser Welt. Der Arzt im Dorf verfügt über nur wenige medizinische Geräte und näht die Schusswunde der Frau ohne Narkose provisorisch zu, damit sie nicht verblutet. Zuvor hatte eine alte Marokkanerin mit ihrer bloßen Hand die Wunde am bluten gehindert und sich rührend um die fremde Frau gekümmert. Die Dorfbewohner erweisen sich als überaus hilfsbereit. Diese Hilfsbereitschaft haben die Kalifornier im Bus nicht, sie lassen das Ehepaar im Stich. Sie wollen weiter, weil sie Angst vor Terroristen haben. Es mangelt ihnen an Mitgefühl und Zivilcourage.

Während das Ehepaar auf einen Hubschrauber wartet, damit die Frau in einem Krankenhaus operiert werden kann, ihr Leben hängt an einem seidenen Faden, ereignen sich aufgrund des Geschehens in Kalifornien, in Mexiko und in Japan Dinge, die im kausalen Zusammenhang zu den Geschehnissen stehen...

Ein illegal in Kalifornien lebendes, sehr hilfsbereites und liebvolles Kindermädchen, verliert ihre Aufenthaltsgenehmigung, weil es allen gerecht werden wollte, ein taubstummes japanisches Mädchen, das über den Tod ihrer Mutter nicht hinwegkommt und das gerne so leben möchte wie alle anderen jungen Menschen, versucht ihren Vater vor der Polizei zu schützen, weil es glaubt, er habe ihre Mutter umgebracht. In Wahrheit recherchiert der Polizeibeamte jedoch wegen der Waffe, mit dem die kalifornische Frau angeschossen wurde und die der Vater des japanischen Mädchens, während einer Marokko-Reise aus Dankbarkeit dem Vater des zehnjährigen Täters geschenkt hat, weil dieser sich als guter Jagdführer erwies...

Was sind Zufälle? Weshalb ergibt sich so häufig aus positiv Gemeintem Negatives?

Mich haben die unterschiedlichen Welten beeindruckt: Die archaische Welt der Marokkaner, die Lebensfreude in der Welt der Mexikaner, die Verbitterung in der Welt der jungen Menschen Tokios, die in einem surrealen, völlig technisierten Umfeld nicht mehr fühlen, dass sie noch leben, die Welt der hochmütigen, satten Amerikaner, die die Bevölkerung armer Länder durch die Scheiben eines klimatisierten Reisbusses wie Affen im Zoo betrachten, obschon sie von diesen Menschen viel lernen könnten im Hinblick auf Mitmenschlichkeit und Hilfsbereitschaft, wie dieser wunderbare Film deutlich macht.

In "Babel" wird kaum gesprochen. Es sind die Bilder, die erzählen und nachdenklich stimmen. "Babel" macht deutlich, dass Sprache nicht notwendig ist, um seinem Nächsten, egal wo auf dieser Welt, Empathie entgegenzubringen.

Empfehlenwert.

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezension: Der zehnte Tag- Claude Chabrol- DVD

2010-11-01T01:42:00.000-07:00

Sprache/Ton DE/FR

Untertitel DE

Laufzeit 103 Minuten

Bild 16:9

Region PA/2

"Der zehnte Tag" ist einer der besten Filme des von mir sehr geschätzten französischen Regisseurs Claude Chabrol. Es ist einerseits die psychologisch sehr subtile Handlung, die mich zu diesem Urteil gelangen lässt, letztlich aber auch die Begeisterung für Starbesetzung, die das Drehbuch überzeugend filmisch übersetzt.

Die Handlung beginnt in einem Hotelzimmer. Dort liegt der junge Charles (Antony Perkins) mit blutverschmierten Händen auf dem Bett. Er wirkt verwirrt, kann sich an nichts mehr erinnern und hat Angst vor sich selbst. Hat er etwas einen Menschen getötet? Weshalb sind seine Hände blutverschmiert?

Charles nimmt telefonischen Kontakt mit seinem Professor (Michel Piccoli) auf, der ihm freundschaftlich verbunden ist und bittet diesen um Hilfe. Der junge Mann ist ein begabter Kunststudent aus reichem Elternhaus, der sich leider wenig zutraut. Er bittet Paul mit ihm in das Elsass zu fahren und dort einige Tage bei seiner Familie zu verbringen, nicht zuletzt um herauszufinden, was mit ihm, Charles, nicht stimmt.

Paul lernt in der schlossähnlichen Villa im Elsass Theo van Horn (Orson Welles), den Vater von Charles und auch die aparte Stiefmutter Helene (Marléne Jobert) kennen, die, genau wie Charles, ein angenommenes Kind von Theo ist. Man erfährt, dass Charles und Helene ihre Kindheit gemeinsam auf dem Anwesen von Theo verbrachten und ihm ihre Ausbildung und ihren Lebensstandard zu verdanken haben. Später, zu einem Zeitpunkt als Helene bereits mit Theo verheiratet ist, leben sie eines Nachmittags in freier Natur ihre Liebe, die sie immer füreinander empfunden haben, auch sexuell aus.

Die beiden Gleichaltrigen finden nicht den Mut, Theo ihre Liebe zu gestehen. Sie haben Angst und ein schlechtes Gewissen dem Patriarchen gegenüber, dem sie sich zu Dank verpflichtet fühlen und geraten dadurch in einen Strudel fürchterlicher Ereignisse......

Der Patriarch erweist sich als Egomane, der seine Stiefkinder wie Marionetten benutzt. Er manipuliert die beiden für seine Eigeninteressen und ist alles andere als ein liebender Vater....ganz anders Paul. Dieser ist zu den beiden jungen Menschen tatsächlich wie ein Vater, den Charles und Helene eigentlich verdient hätten, liebevoll, ihre Fähigkeiten fördernd und sie zur Eigenverantwortung erziehend.

Orson Welles spielt die Rolle des alles dominierenden Patriarchen perfekt, dessen Großzügigkeit nur ein Mittel darstellt, andere gefügig zumachen.

Der CD-Hülle kann man biografische Infos zu Claude Chabrol und Antony Perkins nachlesen, der im Alter von 60 Jahren leider viel zu früh verstarb. Die Konfliktbeziehung zwischen Vater und Sohn mit ihrem unausgespochenen Rivalenverhalten habe ich selten so gut dargestellt gesehen wie von Welles und Perkins.

Die Bild- und Tonqualität sind bestens.

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezension: Night on Earth (DVD)

2010-10-26T15:08:00.000-07:00

"Night on Earth", ein Film des Regisseurs Jim Jarmusch, erzählt 5 Episoden, die sich nachts in Los Angolos, New York, Paris, Rom und Helsinki jeweils zwischen einem Taxifahrer und den Fahrgästen zutragen. Gesprochen wird stets die Landessprache. Den deutschen Untertiteln ist nicht immer der gesamte Dialog zu entnehmen, wodurch die finnische Episode sich möglicherweise nicht jedem sofort erschließt. Jarmusch zeigt Verhaltensmuster von Menschen in ihrer ganzen Bandbreite, thematisiert Toleranz und Intoleranz, Mitgefühl und Niederträchtigkeiten. Wann ist ein Mensch ein Mensch?

Sehr schön ist die erste Episode. Hier macht eine junge Taxifahrerin, deren Lebenstraum es ist, Mechanikerin zu werden, unmissverständlich klar, dass die Filmwelt nicht der Nabel der Welt ist. Sie lehnt das lukrative Angebot ihres Fahrgastes, einer Schauspieler-Agentin (Winona Ryder) ab, als Schaupielerin Karriere zu machen. Die beiden Frauen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Herkunft zollen sich bemerkenswerten Respekt. Sehr berührend.

Ebenfalls unter die Haut geht die zweite Szene, als sich ein ehemaliger Clown aus Dresden (Armin Müller-Stahl), der sich in New York als Taxifahrer über Wasser halten möchte, von seinem Fahrgast, einem liebenswerten, etwas durchgedrehten Schwarzen, Fahrunterricht erteilen lässt, weil er selbst sein Arbeitsgerät noch nicht wirklich beherrscht. Die beiden Unbekannten mögen sich auf Anhieb und lachen miteinander. Ein gutes Beispiel, dass Fremde, die sich ohne Argwohn begegnen, gute Zeit miteinander haben können.

In Paris hat ein Taxifahrer von der Elfenbeinküste zunächst Ärger mit seinen schwarzen Fahrgäste aus der afrikanischen Oberschicht, die ihn als Underdog behandeln. Er aber ist selbstbewusst genug, ihnen die Grenzen aufzuzeigen. Ein weiterer Fahrgast in der Pariser Nacht ist eine Blinde. Hier zeigt der Schwarze seine Sensiblität und sein ganzes Feingefühl. Die Blinde allerdings ist unwirsch, weil sie offenbar Panik davor hat, als Behinderte bemitleidet zu werden. So entstehen Missverständnisse. Angst ist oft die Ursache für Kommunikationsblockaden.

Die Episode in Rom fand ich skuril. Der Taxifahrer beichtet seinem Fahrgast- einem Priester, ohne das dieser ihm die Beichte abnehmen will, dass er Sex mit einem Schaf, auch mit Kürbissen hatte. Der Priester bekommt im Taxi einen Herzinfarkt, allerdings nicht wegen des Gehörten, sondern weil seine Herztabletten zu Boden fielen und der monologisierende Taxifahrer nicht Anteil nahm an den letzten röchelnden Minuten des Priesters.....

In Helsinki schließlich fehlt einem Taxifahrer das Mitgefühl zu einem seiner Fahrgäste völlig. Auch dieser Taxifahrer ist zu sehr mit sich beschäftigt, als dass er sehen könnte, was mit seinem Nächsten geschieht. Betrunken fällt dieser beim Ausstieg auf die verschneite Straße und wird sich selbst überlassen. Die Passanten gehen an dem Betrunkenen vorüber. Keinen interessiert, ob er erfriert.

Wann ist ein Mensch ein Mensch? Der Clown und sein Fahrgast aber auch die beiden Frauen in der ersten Episode und der Taxifahrer von der Elfenbeinküste besitzen Mitgefühl und die Bereitschaft das Gegenüber zu respektieren. Dies ist der Grund, weshalb man von solchen Charakteren berührt wird. Sie sind Hoffnungsträger.
Die schauspielerische Leistung der Protagonisten ist hervorragend und das gilt für alle gleichermaßen.

Die Bild- und Tonqualität sind o.k.

Das rezensierte Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezension: Blutige Hochzeit

2010-10-21T02:31:00.000-07:00

Sprachen/Ton:

DE/FR

Untertitel:

Laufzeit:

96 Minuten

Bild 4:3

Region Pal/2

Dieser Film des jüngst verstorbenen begnadeten französischen Regisseurs Claude Chabrol aus dem Jahre 1972 befasst sich mit der fatalen Liebesgeschichte zwischen Pierre Maury (Michel Piccoli) und Lucienne (Stéphane Audran).

Lucienne ist die Ehefrau des Kleinstadtbürgermeisters Paul (Claude Piépu), der sie einst trotz eines unehelichen Kindes von einem anderen Mann, geheiratet hat. Zwischen Paul und Lucienne scheint es keine intimen Beziehungen mehr zu geben. Paul ist ausschließlich an seiner Karriere und an den materiellen Vorteilen, die ihm sein Amt bringen, interessiert.

Lucienne geht mit dem verheirateten Paul eine sexuelle Beziehung ein. Paul ist ähnlich wie sie sexuell ausgehungert, denn seine Ehefrau ist hochgradig depressiv und hat sich dem Leben schon lange abgewandt.

Pierre entscheidet sich, seine Frau zu ermorden, damit er und seine Geliebte ein ungestörtes Liebesnest haben können. Als Paul dahinterkommt, dass seine Frau fremd geht, willigt er in diesen Zustand ein und redet mit Lucienne und Pierre offen darüber.

Die beiden Ehebrecher fühlen sich ertappt und ermorden aus Scham den im Grunde sehr großzügigen Paul....

Wie diese Geschichte weitergeht, will ich nicht verraten. Interessant finde ich, dass Lucienne und Pierre, die beiden Angehörigen der Kleinstadtoberschicht, keinen anderen Ausweg für ihre Liebe sehen, als die Ermordung ihrer Ehepartner. Furcht vor Neuanfängen führt nicht selten in ausweglos erscheinende Situationen. Wie weit diese gehen können, zeigt die Filmhandlung sehr gut.

Die DVD-Hülle kann man u.a. Informationen u.a. zu Chabrol entnehmen, auch zwei Kurzkritiken, ein Einzeiler der "Zeit" und einen anderer Einzeiler aus dem "Lexikon des internationalen Films" sind nachlesbar. Dort wird kurz erwähnt, dass der Streifen scharfe Kritik an den gaullistischen Rechtstendenzen nimmt. Aus heutiger Sicht finde ich diese Beschreibung reichlich übertrieben. Der politische Hintergrund bleibt eher Beiwerk, der Fokus liegt eindeutig auf den Abgründen zweier Liebender. Der Philosoph Friedrich Nietzsche sagte einst: "Was aus Liebe getan wird, geschieht immer jenseits von Gut und Böse." Das mag sein. Dennoch exkulpiert es Täter, die aus Liebe Straftaten begehen, nicht und zwar zu Recht.

Sehr gute schauspielerische Leistungen, intelligente, spannende Dialoge. Die Bild und Tonqualität sind bestens.

Empfehlenswert.

Das besprochene Produkt ist überall im Handel erhältlich.

Rezension: Vor Einbruch der Nacht- Claude Chabrol

2010-10-14T01:53:00.000-07:00

Dieser pychologisch subtil gestaltete Film des Regisseurs Claude Chabrol stammt aus dem Jahre 1971.

Sprachen/ Ton : DE/FR- Dolby Digital 2.0
Untertitel: DE
Laufzeit: 106 Minuten
Bild: 16:9
Region: Pal/2

Wie sooft befasst sich Chabrol auch in diesem Film mit den widersprüchlichen Moralvorstellungen des gehobenen Bürgertums in Frankreich.
Der Film beginnt mit einer Szene, in der eine nackte, sich auf dem Bett räkelnde Schöne einen ziemlich spießig aussehenden Mann in den mittleren Jahren auffordert mit ihr sado-masochistische Sexspiele zu betreiben. Bei den beiden Personen handelt es sich um den Pariser Publicity-Manager Charles Masson (Michel Bouquet) und um Laura, die Frau seines besten Freundes Francois (Francois Périer).

Laura fordert Charles auf, sie zu erdrosseln. Sie bittet ihn immer wieder, verführt ihn zur Tat. Schon in dieser kleinen Sequenz wird klar, dass Charles ein schwacher Mann ist, der sich dem Willen der vermeintlichen Masochistin unterwirft und ihr tatsächlich auch die Kehle zudrückt.
Vom Augenblick der Tat an plagt ihn das Gewissen. Er spricht mit seinem Freund und seiner Frau und gesteht die Tat. Er möchte seine Schuld sühnen, doch seine bodenständige Frau (Stéphane Audran) und sein Freund raten ihm davon ab. Sie erinnern ihn an seine Verantwortung für Frau und Kinder. Er soll sie durch einen Skandal nicht ins Unglück ziehen.

Als Charles sich dennoch entschließt zur Polizei zu gehen, weil er zu schwach ist, seine Schuld zu tragen und von ihr durch staatliche Strafmaßnahmen erlöst werden möchte, entschließt sich seine Frau dem Spuk ein Ende zu setzen.....

Ein großartiger Film, der die Schwäche eines Mannes aufzeigt, der sich seiner Mutter, seiner Frau und seiner Geliebten bedingungslos unterworfen hat und im Grunde der eigentliche Masochist ist.

Die Hülle der DVD enthält u.a. eine Kurzbiographie von Claude Chabrol und zwei Kurzkritiken zum Film. TV Spielfilm schreibt "Einer der besten von Chabrols Krimis" und das Lexikon des internationalen Films meint "Ein gelegentlich etwas konstruierter, aber mit psychologischer Finesse inszenierter Film, der eindrucksvoll zerstörerische Aspekte einer nur halb vollzogenen Emanzipation von von bürgerlich-christlichen Moralvorstellungen behandelt."

Die Ton- und Bildqualität sind bestens, die schauspielerische Leistung der Hauptakteure ebenfalls.

Rezension: Claude Chabrol- Die Unschuldigen mit den schmutzigen Händen.

2010-10-07T03:27:00.000-07:00

Der vorliegende Film stammt aus dem Jahr 1974. Es handelt sich um ein Werk des Regisseurs Claude Chabrol.

Sprachen/Ton: DE/FR, Dolby Digital 2.0
Untertitel: DE
Laufzeit:121 Minuten
Bild: 16:9
Region: PAL/2

Die Filmhandlung beginnt mit einer Szene, in der sich schöne Julie (Romy Schneider) nackt im Garten des Anwesens ihres wesentlich älteren, wohlhabenden Gatten Louis (Rod Steiger) sonnt. Das Anwesen befindet sich in St. Tropez. In diesem Moment nimmt die Affaire zwischen Julie und dem jungen, mittellosen Nichtstuer Jeff Marle (Paolo Giusti) seinen Anfang.

Schon in der zweiten Szene wird klar, dass Louis Alkoholiker und wenig später, dass er impotent ist. Louis liebt seine Frau abgöttisch. Sie ist von seiner Trinksucht, wohl aber nicht von seinem Geld angewidert. Julie verläßt Louis nicht, weil sie finanziell von ihm abhängig ist und plant mit Jeff ihren Gatten zu ermorden.

Die Dinge entwickeln sich anders als erwartet....

Der Film besticht durch sein subtil psychologisch angelegtes Drehbuch, seine intelligenten Dialoge, die hervorragenden schauspielerischen Leistungen, vor allem von Romy Schneider und Rod Steiger, aber auch von Henri Attal, der einen Polizeibeamten mimt und von dem Richter Hans Christian Blech. Natürlich werden Klischees bedient. Das sehe ich jedoch nicht als Kritikpunkt.

Die Bilder von Saint Tropez und der Landschaft in der Gegend des alten Fischerdorfes haben mich beeindruckt. Wie idyllisch dort alles noch war zu Beginn der 70er Jahre!

Der DVD -Hülle sind bemerkenswerte Infos zum Regisseur und zur Vita Romy Schneiders sowie zwei Kurzkritiken zu entnehmen. Das Erste interpretiert Julie als eine Frau, die zwischen zwei mehr oder minder unsympathischen Männern völlig isoliert ist. So sehe ich das nicht. Julie ist in erster Linie vorteilsdenkend. Das sie nach meiner Meinung bis zum Schluss. Sie gehört dem Typ Frauen an, die sich stets dort hin orientieren, wo sie am meisten zu erwarten haben, materiell oder emotional, also zu den Vampiren, die nicht nur unbedarfte Männer aufs Glatteis führen. Mitunter finden die Damen ihren Meister. Jeff ist das Pendat zu Julie.

Ein toller Film.

Rezension: Das Bildnis des Dorian Gray

2010-10-03T13:00:00.000-07:00

"Das Bildnis des Dorian Gray" ist die Literaturverfilmung des von mir rezensierten gleichnamigen Romans. Vor vielen Jahren sah ich eine Verfilmung mit Helmut Berger in der Hauptrolle, die bei Weitem nicht die Qualität des vorliegenden Films hatte.

Die Handlung möchte ich an dieser Stelle nicht breitgefächert wiedergeben, weil sie ohnehin jeder kennt. Der junge, sehr schöne Dorian Gray (Ben Barnes) wird von dem Maler Basil gemalt, verliebt sich in sein Konterfei und wünscht sich, dass das Bild statt seiner altern möge. Anfangs noch unschuldig und positiv in seinem Wesen, wird er aufgrund seines älteren Freundes Henry (eine Art Mephisto), dazu bewegt, jeden Moment egoistisch auszuleben, kein Mitleid mit Dritten zu haben und in jeder Beziehung dem Hedonismus zu frönen. Sein ausschweifendes Leben zeigt sich im Verfall des Bildes, das der eitle Dorian immer weniger ertragen kann...

Sehr gut finde ich die Einblenden aus Dorians Kindheit. Er wurde von seinem Großvater verprügelt und gedemütigt und genau diese Demütigungen gibt er weiter, nachdem Henry ihn dazu gebracht hat, sich nicht an gesellschaftlichen Regeln zu halten. Dorian benutzt Frauen und Männer für seine Zwecke. Sexuell scheint er sadistischen Handlungen nicht abgeneigt zu sein, wie man in kurzen Filmsequenzen sieht. Dorian ist offensichtlich liebensunfähig. Das wird immer offensichtlicher, je ausschweifender sein Leben ist.

Alle Menschen um ihn herum altern, nur er bleibt äußerlich immer jung und schön, fühlt aber täglich seine geradezu verfaulte Seele intensiver und sehnt sich nach einem Neuanfang, den es für ihn bekanntermaßen nicht geben wird.

Gefallen hat mir, dass man viele espritvolle Sentenzen Oscar Wildes in die Dialoge eingebaut hat und im Film-Interieur der Belle Epoche treu geblieben ist, was bei der Verfilmung mit Berger, so weit ich mich entsinne, nicht der Fall war. Ben Barnes verkörpert die Person Dorian Grays glaubhafter als Berger, weil er die Aura von Unschuld besser nach außen zu bringen vermag. Barnes scheint sie noch zu besitzen, Berger war bereits zu verdorben und eigentlich ungeeignet für die Rolle.

Es ist nicht einfach, Wildes Stoff zu verfilmen, weil die Filmhandlung teilweise surreal und eigentlich eine Handlung für das Kopfkino ist. Erstaunlicherweise ist die filmische Umsetzung aber gut gelungen. Wilde hätte sich gewiss gefreut.

Mich begeistert an der Thematik immer wieder das Phänomen Eitelkeit, das Wilde herrvoragend herausgearbeitet hat und im Film auch sehr gut dargestellt wird. Was macht übersteigerte Selbstverliebtheit mit Menschen? Vermögen solche Personen außer ihrem Spiegelbild tatsächlich nichts Drittes wahrzunehmen? Fast scheint es so. Was macht ewige Schönheit und Jugend mit einem Menschen? Muss ein Mensch, der im Jungbrunnen erfolgreich gebadet hat, zwingend zu einem Monster mutieren? Oder mutiert er nur dann, wenn ein Dritter ihn auf Abwege führt? Wodurch verliert ein Mensch seine Unschuld? Durch charakterlische Deformationen oder durch das abgründige Geflüster einer Schlange.

Die Bild- und Tonqualität haben mich zufrieden gestellt.

Rezension:Gruppenbild mit Dame (DVD)

2010-10-02T14:11:00.000-07:00

Der 1977 gedrehte Film "Gruppenbild mit Dame" des Regisseurs Aleksander Petrovic beruht inhaltlich auf dem gleichnamigen Roman von Heinrich Böll, allerdings wurde nicht die gesamte Romanhandlung verfilmt.

Die Verfilmung geschah in Absprache mit Böll. Offensichtlich wollte der Schriftsteller das Augenmerk auf bestimmte Facetten des Buches gerichtet wissen.

Thematisiert wird die Liebesgeschichte zwischen Leni (Romy Schneider) und Boris (Brad Dourif), einer christlich orientierten Deutschen und einem gebildeten russischen Kriegsgefangenen während des 2. Weltkriegs, der Gedichte von Georg Trakel rezitiert.

Die beiden lernen sich in einer Gärtnerei kennen und binden dort Kränze für die vielen Toten. Sie reden kaum miteinander. Ihre Sprache sind die Blicke. Liebe bedarf keiner Worte.

Gezeigt wird, wie die einzelnen Angestellten der Gärtnerei mit dem Russen umgehen.

Ideologisch verblendete Mitarbeiter reagieren feindselig. Man verwehrt Boris den Zugang zum Luftschutzbunker, wenn die Bomben fallen und missgönnt ihm sogar einen Schluck Kaffee. Gleichwohl gibt es auch Personen, die sich christlich verhalten, zu ihnen gehören Leni und auch der Besitzer der Gärtnerei (Michel Galabru), der die Liebesbeziehung duldet. Leni wird schwanger, rettet Boris mittels gefälschter Papiere durch den Krieg, aber er wird die Kriegsgefangenschaft nicht überstehen....

Angesprochenen wird, wie einige Menschen aus der Not ihrer Nächsten materiellen Gewinn zu schlagen versuchen und was generell geschehen kann, wenn man den menschlichen Abgründen keinen Einhalt gebietet. Persönlichkeitsdefizite scheinen immer die eigentliche Ursache für unmenschliches Verhalten zu sein. Ideologie alleine greift nicht.

Lässt man Personen mit solchen Defiziten freien Aktions-Raum beginnen sie in der Regel Unheil anzurichten. Die Nazi-Zeit bot diesbezüglich eine breite Plattform. Dies wird im Film anhand von zahllosen Einzelbeispielen gezeigt. Auch bloßes Mitläufertum und blinder Gehorsam bleiben als Thema nicht ausgespart.

Sehr gut dargestellt sind die Szenen im Bunker bei Bombenhagel: die Angst, das Zittern , das Beten und als letzte, fast beruhigende Handlung der Koitus - nicht zwischen Leni und Boris- sondern zwischen einem Soldaten und einer durch die Bombeneinschläge völlig verängstigten Frau. Die beiden haben sich zuvor nie gesehen. Auch im Moment der körperlichen Vereinigung wecheln sie kein Wort miteinander. Der Beischlaf als Ausdruck des absoluten Hinwendens zum Leben und zur Liebe....ein Bild von hohem Aussagewert.

Wie reagieren Menschen, wenn ihnen der Tod droht? Boris reagierte gelassen und wohlüberlegt, vielleicht weil er mit seinem Leben bereits abgeschlossen hatte.

Die unterschiedlichen Gesten verschämter Liebe, die den ganzen Film durchziehen, hatten im jenem Reich des Bösen keinen Platz. Das dokumentiert die ganze Monstrosität der Hitler-Zeit.

Empfehlenswert.

Rezension:Hälfte des Lebens, 1 DVD (DVD)

2010-10-01T07:44:00.000-07:00

Der vorliegende wunderschöne, dabei aber sehr traurige Film, der 1984 noch zu DDR-Zeiten gedreht wurde, thematisiert die Liebe des Dichters Friedrich Hölderlin (Ulrich Mühe) zu der Bankiersgattin Susette Gontard (Jenny Gröllmann).

Hölderlin wird 1796 Hauslehrer im Hause Gontard in Frankfurt. Den Gesprächen entnimmt man, dass er zwei Jahre zuvor die Universität in Jena besuchte und dort Fichtes Vorlesungen hörte. In Jena lernt er auch Isaac von Sinclair kennen, mit dem er anschließend gemeinsam ein Gartenhäuschen bewohnte. Aufgrund der politischen Lage verließ Hölderlin 1795 die Universitätsstadt.

Um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, unterrichtet er die Kinder des Bankiers Gontard.

Der Film zeigt wie sich die Liebe zwischen Hölderlin und Susette entwickelt. Susette war übrigens das Modell für die Diotima seines Briefromans "Hyperion".

Susette interessiert sich sehr für Hölderlin Schaffen, hört ihm zu und führt mit ihm geistvolle Dialoge. Die beiden kommen sich durch die gedankliche Nähe auch in ihren Empfindungen und schließlich sogar körperlich sehr nahe. Zwischen ihnen entsteht eine große, leidenschaftliche Liebe voller Innigkeit.

Hölderlin berichtet Susette, in der er eine aufmerksame Zuhörerin hat, von Platons Kugelmenschen und dem Inhalt seines "Hyperion". Susette weiß, dass Hölderlin ihre wahre zweite Hälfte ist.

Immer wieder unterhalten sich die beiden über die Antike, während sich beider Liebe und Begierde in ihren Augen spiegelt.

Als die Franzosen vor Frankfurt stehen, schickt der Bankier seine Frau mit seinen Kindern nebst Hauslehrer nach Hamburg. In jenen Wochen wird das Band der beiden immer enger. Sie können voneinander nicht mehr lassen.

Nachdem die Familie wieder nach Frankfurt zurückgekehrt ist, bemerkt Gontard die Veränderung seiner Frau und beginnt Hölderlin zu demütigen. Hölderlin flüchtet nach Bad Homburg zu seinem Freund Sinclair.

Wie in allen wirklich großen Lieben bleiben durch die ungewollte Trennung zwei gebrochene Menschen zurück.....

In Gesprächen mit Sinclair sind der deutsche Idealismus, die Ideale der Französischen Revolution und deren Verrat durch Gewinnsüchtige die entscheidenden Themen.

Hölderlin leidet an der Zeit, in der er lebt aber schwermütig macht ihn einzig die Trennung von Susette.....

Geistvolle Dialoge und sehr ansprechende Innen- und Außenaufnahmen wirken beeindruckend auf den Zuhörer und Betrachter.

Die Schauspieler spielen ihre Rollen exzellent. Ulrich Mühe ist großartig in der Rolle Hölderlins. Er strahlt genau das Feinnervige und Edle aus, das Hölderlins Dichtung durchdringt und letztlich auch das hochsensible Wesen dieses großen Dichters ausmachte.

Rezension: Jenseits von Afrika

2010-09-29T00:56:00.000-07:00

Der Film „Jenseits von Afrika“ beruht auf dem gleichnamigen autobiografischen Roman von Karen Blixen. Regisseur ist der von mir sehr geschätzte Sydney Pollack. Handlungsorte sind Dänemark und Kenia. Die Handlungszeit erstreckt sich auf den Zeitraum von 1913-1931.

Der Film beginnt mit einer Szene auf einem Sommerfest in Dänemark. Karen (Meryl Streep) wurde gerade von ihrem Geliebten verlassen und unterhält sich mit ihrem besten Freund Baron Bror von Blixen – Finecke (Klaus Maria Brandauer)- er ist der Bruder ihres Geliebten - über diesen Umstand. Karen kommt aus sehr wohlhabendem, allerdings nicht adeligem Hause. Ihr Freund Bror ist adelig, aber gänzlich verarmt, weil er ein Lebemann ist. Karen bietet ihm die Ehe mit ihr an, um nicht als sitzengelassenes Mädchen zu gelten. Sie macht ihrem Freund klar, dass beide einen Vorteil von der Eheschließung haben werden. Der charmante, leicht ironische Blixen sagt zu und willigt auch ein, mit Karen gemeinsam in Afrika zu leben.

In Afrika möchte Karen eine Molkerei eröffnen, doch als sie dort ankommt, hat Blixen das dafür vorgesehene Geld in Kaffeepflanzen investiert. Auf dem Weg zu ihrem neuen Zuhause lernt sie den Großwildjäger Denys Finch Hatton (Robert Redford) kennen, der in ihrem späteren Leben eine wichtige Rolle spielen wird. Denys und Karen mögen sich auf Anhieb.

Karen ist mit ihrem gesamten Hausstand nach Kenia gereist, ihrem kostbaren Silber und Porzellan, ihren dänischen Möbeln und der Art von Gemütlichkeit, die fast ein wenig unpassend in der neuen Umgebung wirkt. Wie unnötig all die Habe ist, bemerkt Karen erst viel später.

Ihr erster Eindruck in Afrika ist ein eher ärgerlicher: ihr wird der Zugang in einem europäischen Club verwehrt als sie nach Blixen sucht. Die kolonialen Strukturen lassen ein Frauenbild, wie es Karen in Afrika leben wird, nicht zu. Sie heiratet in Kenia ihren Freund Bror, der nicht daran denkt, ihr beim Aufbau der Plantage zu helfen, sondern stattdessen auf Großwildjagd geht und sich des Weiteren als Schürzenjäger auslebt.

Zwischenzeitlich kümmert sich Karen um den Aufbau der Kaffeeplantage. Denys, von dem sie weiß, dass er ebenso gerne wie sie liest und dessen Freund besuchen sie in ihrer dänischen Idylle im kenianischen Hochland. Sie verbringen einen Abend dort und erzählen einander hübsche, fantasievolle Geschichten. Zwischen Karen und Denys funkt es, aber Karen verbirgt zunächst ihre Gefühle, weil sie ihrem Mann eine treue Ehefrau sein möchte.

Als Karen an Syphilis erkrankt- sie hat sich bei ihrem Ehemann infiziert -und für lange Zeit zur Behandlung nach Dänemark zurückkehrt, trennt sie sich innerlich von Blixen und vollzieht, nach Kenia zurückgekehrt, auch die Trennung von Tisch und Bett. Geschieden werden die beiden erst viel später auf Wunsch von Blixen als er eine andere reiche Frau kennengelernt hat.

Nun beginnt die Liebesgeschichte zwischen Karen und dem freiheitsliebenden Denys, der diese Frau immer als gleichberechtigte Partnerin betrachtet. Er nimmt sie mit auf Safari und zeigt ihr die Schönheit des Landes.

Denys ist sehr weise, ein guter Beobachter, der ihr auch von den Massai berichtet und der Mentalität der schwarzen Kenianer, aus denen man keine Europäer machen sollte, wie er der festen Überzeugung ist.

Karen schafft es, ein gutes Einvernehmen zu einem Häuptling herzustellen, dessen Untertanen ihr beim Aufbau der Kaffeeplantage helfen. Sie bringt den alten Häuptling sogar dazu, zu akzeptieren, dass die schwarzen Kinder eine von ihr gegründete Schule besuchen. Man erlebt immer wieder den Wechsel von harter Arbeit und den Besuchen von Denys, mit dem sie mittels einem von ihm geschenkten Grammophon gemeinsam Mozart hört und eine Form von Liebe lebt, die mich immer wieder zu Tränen rührt.

Natürlich weint man auch mit Karen als nach einer besonders guten Ernte, diese durch ein Feuer zerstört wird und dies das Ende für sie in Afrika bedeutet. Dass ihr geliebter Denys dann auch noch durch einen Flugzeugabsturz ums Leben kommt, lässt den Gedanken aufkommen, dass auf dieser Frau ein Fluch liegt……

Diesen Film habe ich schon sehr oft gesehen. Er ist einer meiner Lieblingsfilme. Ich mag die schönen Aufnahmen von der kenianischen Landschaft, die gehaltvollen Dialoge, die exzellenten schauspielerischen Leistungen aller Darsteller, die gesamte Poesie des Films, die in Bildern und Worten zu Ausdruck kommt und die Liebesgeschichte zwischen Karen und Denys, die für mich zu den großen Liebespaaren der Literatur- und Filmgeschichte zählen.

Rezension: Homo Faber

2010-09-28T01:36:00.000-07:00

"Homer Faber" ist einer Literaturverfilmung des gleichnamigen Romans von Max Frisch. Diesen Roman habe ich als 18 jährige gelesen und kann mich nur noch vage an den Inhalt erinnern. Deshalb auch ist mir ein Vergleich zwischen Buch und Film nicht möglich.

Der Regisseur Volker Schlöndorff hat einen beeidruckenden Film gedreht, der das Niveau einer griechischen Tragödie besitzt. Der 50 jährige Ingenieur Walter Faber (Sam Shepard) lernt in einer Wartehalle eines kleinen Flughafens den Bruder seines alten Studienfreundes kennen. Zunächst weiß er nicht, dass es der Bruder seines alten Freundes Joachim ist, doch dieser Mann bewirkt, dass bei Faber verdrängte Erinnerungen spontan aufsteigen, die er nicht zulassen möchte. Dies hat zur Folge, dass ihm schwindelig wird und er fast sein Flugzeug verpasst.

Während des Flugs lernt man Faber als einen kühlen Technokraten kennen, der, solange er gedanklich die Kontrolle behält, vor nichts Angst hat, noch nicht einmal vor einem Flugzeugabsturz, der sich wenige Minuten später ereignet. Faber irritieren Zufälle, alles, was er nicht einschätzen kann.

Jetzt lernen sich Faber und der Bruder des alten Freundes ein wenig kennen und Walter erfährt, was sich 20 Jahre zuvor ereignet hat. In Filmrückblenden erlebt man Faber mit seiner Jugendliebe - der Jüdin Hanna- in der Schweiz. Beide studieren dort. Hanna wird schwanger, aber Faber, der Hanna (Barbara Sukowa) zwar sehr liebt, reagiert indifferent als er von der Schwangerschaft erfährt. Gerade sein Studium beendet habend, hat er einen interessanten Job in Übersee angeboten bekommen und antwortet halbherzig, etwa sinngemäß, dass er sie natürlich heiraten und "ihr" Kind versorgen werde, aber man auch an einen Schwangerschaftsabbruch denken könnte. Diese Antwort kränkt Hanna so sehr, dass sie sich von Walter trennt und den Medizinstudenten Joachim heiratet.

Damals verschwand Hanna aus dem Leben Fabers. Er ging nach New York und war beruflich weltweit unterwegs. Nach dem glimpflich ablaufenden Flugzeugabsturz schickt er sich an, mit Joachims Bruder den alten Studienfreund zu besuchen. In Venezuela angekommen, findet er diesen allerdings erhängt vor. Er erfährt, dass Joachim und Hanna schon lange geschieden sind, aber ein gemeinsames Kind aus der Ehe hervorgegangen sei.

Zurückgekehrt nach New York ist Faber von den Ereignissen so aufgewühlt, dass er vorzeitig nach Paris zu einem Kongress reist und zwar mit einem Schiff, um sich dem Beisammensein mit seiner derzeitigen Geliebten zu entziehen.

Auf dem Schiff lernt er ein junges Mädchen kennen, in das er sich spontan verliebt und dem er sofort einen Heiratsantrag macht. Normalerweise hält es Faber nicht länger als 5 Tage mit einer Frau aus, aber Sabeth (Julie Delpy) erinnert ihn an seine geliebte Hanna. Bei dem altersungleichen Paar stimmt die Chemie. Sie verbringen schöne Tage in Paris, reisen durch Italien, um schließlich in Griechenland Sabeths Mutter zu besuchen. Als Faber erfährt, dass es sich bei Sabeths Mutter, um seine alte Liebe Hanna handelt, schwant ihm Arges. Er bricht sofort das sexuelle Verhältnis mit dem daraufhin verstörten Mädchen Sabeth ab.....

Doch zu diesem Zeitpunkt haben sich die Götter bereits gegen Hanna und Walter verschworen und strafen sie, indem sie ihnen das geliebte Kind für immer nehmen... So jedenfalls entpretiere ich das Ende der Tragödie, das ich nicht näher ausführen möchte, um die Spannung nicht zu nehmen.

Die Schauspieler spielen ihre Rollen exzellent. Das Sprachniveau ist atmenberaubend, geradezu ungewöhnlich für einen Film. Die Bilder veranlassen zum Träumen. Das gesamte Geschehen wirkt surreal.

Wie geht man mit einem nicht beabsichtigten Inzest mental um? Wie groß ist das Leid der Beteiligten? Ich bezweifle, dass man ein solches Geschehen verarbeiten kann, weder Vater noch Tochter.

Ein beeindruckender Film.

Rezension: Nordwand

2010-09-27T02:51:00.000-07:00

Die Handlung dieses packenden Films von Philipp Stölzl spielt im Olympia-Jahr 1936. Bislang hat noch hat keiner die Eiger-Nordwand bezwungen, noch gab es dort ein Gipfelkreuz.

Die Nazis möchten anlässlich der Olympiade neue Helden für ihren germanischen Heldenmythos vorzeigen. Deutsche Bezwinger der Eiger-Nordwand kämen ihnen dabei sehr zupass.

Die Berchtesgadener Fotojournalistin Luise (Johanna Wokalek), die in Berlin arbeitet, versucht zwei Jugendfreunde für das Unternehmen zu gewinnen. Toni (Benno Fürmann) und Andi sind gute Bergsteiger, die das Können besitzen, sich auf das Wagnis einzulassen.

Toni, der Nachdenkliche von beiden, lehnt zunächst ab. Er weiß um die schnellen Wetterveränderungen an der Nordwand, weiß, dass man dort nicht alles voraus berechnen kann. Toni besteigt Berge nicht des Ruhmes und der Ehre wegen, sondern einzig zu seinem Vergnügen. Andi, weniger überlegend sowie überaus übermütig und an dem olympischen Gold als auch am gesellschaftlichen Aufstieg sehr interessiert, überredet seinen Freund mit ihm in die Schweiz zu fahren.

Mit dem Fahrrad reisen die beiden von Berchtesgaden ins Berner Oberland. Dort treffen sie auf zwei österreichische Bergsteiger, die ebenfalls von einer Goldmedaille träumen. Luise und ihr älterer Reporterkollege Arau (Ulrich Tukur) sind auch schon da. Sie leben in einem Luxushotel am Fuße der Eiger-Nordwand und wollen über das Spektakel am Berg berichten.

Philipp Stölzl zeigt in seinen Bildern die Mächtigkeit des Berges, und man wundert sich, wie ein vernünftiger Mensch sich einer solchen Gefahr freiwillig aussetzen kann. Die Kamera geht nah heran, zeigt, wie anstrengend eine solche Bergbesteigung ist und welche Unbill die Gipfelstürmer erwarten. Steinschläge, Lawinen und anderes mehr machen ein solches Unternehmen zu keinem Spaziergang. Wird das Unternehmen glücken oder werden die Beteiligten sterben müssen?

Ein beeindruckender Film. Empfehlenswert.

Rezension:Der Beweis - Liebe zwischen Genie und Wahnsinn (DVD)

2010-09-20T13:53:00.000-07:00

Catherine (Gwynet Paltrow), die Tochter eines Mathematik-Professors (Sir Anthony Hopkins) mit offenbar genialen Fähigkeiten, hat ihren Vater in seinen letzten Lebensjahren betreut. Ihr Vater litt unter Demenz.
Die 27 jährige Frau mit ebenfalls großer mathematischer Begabung vernachlässigt wegen der Betreuung ihres Vaters ihr Studium und ist aufgrund ihrer unerfreulichen Erfahrungen in den zurückliegenden Jahren ziemlich depressiv und unleidlich.

Hal, ein junger Mathematiker, der ihren soeben gerade verstorbenen Vater sehr verehrt, versucht emotionalen Zugang zu Catherine zu finden, doch die junge Frau wirkt sehr verstört. Sie führt fiktive Dialoge mit ihrem toten Vater und bekundet bei einer Rede anlässlich der Trauerfeier in der Kirche spontan ihren tiefen Groll gegenüber diesem Übervater. Die letzten Monate scheinen Catherine überfordert zu haben. Hal möchte eruieren, ob Catherines Vater, der während des Zustandes geistiger Umnachtung immer wieder lichte Momente hatte, in dieser Zeit noch brauchbare wissenschaftlich Notizen angefertigt hat und erhält von Catherine Unterlagen über mathematische Beweise, die spektakulär sind. Catherine behauptet plötzlich die Aufzeichnungen sind von ihr.

Ihre ältere Schwester bezweifelt dies ebenso wie zunächst Hall. Will Catherine auf Kosten Ihres Vaters Karriere machen oder ist sie verwirrt? Wie weit liegen Genie und Wahnsinn voneinander entfernt?
Catherines ältere Schwester verkauft das Haus der Familie unmittelbar nach der Beerdigung und bewegt Catherine dazu mit ihr nach New York zu gehen, um Abstand zu gewinnen. Schafft es Catherine sich von allen zu emanzipieren und ihren eigenen Weg zu gehen? Gelingt es ihr sich mental von ihrem toten Vater abzunabeln und zu zeigen, dass sie ebenfalls soviel drauf hat wie er?

Ein nicht uninteressanter Film über eine komplizierte Vater-Tochter-Beziehung, mit glänzenden schauspielerischen Leistungen, insbesondere von Sir Anthony Hopkins. Die Dialoge sind dem Sujet angemessen niveauvoll. Der Regisseur John Madden hat einen empfehlenswerten Film gedreht, der aufzeigt, dass übliche Vater -Sohn - Probleme auch in Vater-Tochter-Verbindungen auftreten können, dort aber ganz offensichtlich noch komplizierter aufzulösen sind.

Rezension:Die Herzogin (DVD)

2010-09-18T12:42:00.001-07:00

"Die Herzogin" spielt circa 130 Jahre vor dem von mir rezensierten Film "Effi Briest". Beide Filme haben das gleiche Thema: die Probleme einer standesbedingten "Vernunftehe".

Die Handlungszeit ist also das Rokokozeitalter. Handlungsort ist England. Die 16 jährige, bildhübsche Protagonistin Georgiana Spencer (Keira Knightley) wird auf Betreiben ihrer Mutter (Charlotte Rampling) an den wesentlich älteren, wenig sympathischen Herzog Devonshire verheiratet. Georgiana ist zunächst von ihrem Titel und ihrer gesellschaftlichen Stellung beeindruckt, aber sie findet ihren Gatten sehr rasch unerträglich. Er ist ein Kauz, der lieber mit seinen Hunden spricht als mit ihr.

Zärtlichkeit gegenüber seiner Frau kennt er nicht. Im Bett finden Zeugungsakte statt. Der Herzog möchte einen männlichen Nachfolger. Deshalb hat er geheiratet. Georgiana bringt allerdings zunächst 3 Töchter zur Welt, wofür Devonshire sie verachtet.

Zunächst akzeptiert die junge Herzogin die Beischlafsverhältnisse ihres Mannes - es bleibt ihr ja auch nichts anderes übrig - protestiert aber als er mit ihrer besten Freundin eine Affäre beginnt, in die diese einwilligt, weil es die einzige Chance ist ihre Söhne wiederzusehen, aufgrund der weitreichenden Macht des Herzogs...

Georgiana lebt mit der Mätresse ihres Mannes unter einem Dach. Man speist zu dritt am Tisch. Die Situation ist demütigend für beide Frauen. An besagtem Tisch macht Georgiana schließlich ihrem Gatten den Vorschlag sich ebenfalls einen Geliebten zuzulegen. Ihr Augenmerk gilt einem jungen Politiker. Der Herzog allerdings ist nicht bereit einen solchen Deal zu akzeptieren...

Die adlige Frau im Rokoko in England glich zwar rein äußerlich den Aristokratinnen in Frankreich, aber sie genoss keineswegs die sexuelle Freizügigkeit der Damen am Hofe von Versaille. Das macht der Streifen deutlich.

Mir hat dieser Film sowohl inhaltlich als auch von der Ausstattung und den Kostümen her gefallen. Er skizziert sehr sensibel Verhaltensmuster in einer Epoche, an deren Ende große Veränderungen in Europa und Amerika anstanden.

Rezension: Claude Chabrol: Der Riss

2010-09-13T13:43:00.000-07:00

Vor einigen Tagen ist der Pariser Regisseur Claude Chabrol verstorben. Er war bekannt dafür, dass er die französische Bourgeoisie kritisierte und genau das auch geschieht in seinem hier vorliegenden, hervorragenden Werk.

Die Handlung nimmt ihren Anfang in einer Pariser Vorstadtwohnung. Dort versucht in der ersten Szene ein geisteskrank erscheinender Mann, wie man später erfährt heißt er Charles Règnier (Jean-Claude Drouot), die schöne Hélène (Stèphane Audran), es ist seine Ehefrau, im Wahn zu erdrosseln. Als sie sich wehrt, greift er sich den gemeinsamen kleinen Sohn und schleudert ihn wie von Sinnen durch die Luft. Das Kind schlägt mit dem Kopf auf dem Boden auf. Hélène greift eine Bratpfanne und bringt ihren verrückten Ehemann damit zu Fall. Der Szene ging kein Streit voraus. Charles ist, wie man wenig später erfährt, drogensüchtig und hat aufgrund dessen geistige Aussetzer.

Gottlob hat der Sohn keine schwere Kopfverletzung davon getragen. Im Krankenhaus muss er bleiben, weil er sein Bein gebrochen hat. Die fürsorgliche Hélène mietet sich in eine sehr kostengünstige Privatpension in der Nähe des Krankenhauses ein, um ihr Kind möglichst oft besuchen zu können. Sie hat kaum Geld und das, obschon ihre Schwiegereltern steinreich sind.

Von ihrem Mann, den sie immer noch liebt und den sie stets vor seinen Eltern beschützen wollte, möchte sie sich nachdem, was geschehen ist, scheiden lassen, um ihr Kind vor seinen Tobsuchtsanfällen zu schützen. Sie weiß, dass sich Charles Anfall wiederholen kann.

Hélène, selbst nicht drogensüchtig, hat den Lebensunterhalt für die kleine Familie verdient, während Charles versuchte, Gedichte und Prosatexte zu schreiben. Die beiden wollten materiell unabhängig von den Alten leben. Hélène hatte kein Problem damit, Alleinverdienerin zu sein.

Aufgrund der psychischen Belastungen, die elterliche Erwartungshaltungen nicht erfüllen zu können, begann Charles Drogen zu nehmen. Diese Drogen haben dem labilen Bourgeoisiespross den Verstand geraubt.

Man lernt das Elternhaus von Charles kennen. Sein Vater ist ein niederträchtiger, eiskalter, machtbessener, geldgeiler Fiesling, die Mutter ist eine ebenso herzlose, selbstbezogene höchst unangenehme Frau. Diese Eltern lehnen die herzensgebildete Hélène ab, weil sie nicht aus ihrer Gesellschaftschicht stammt und in ihren Augen nicht genügend gebildet ist. Ihre Feinheit und Tüchtigkeit sehen sie nicht.

Das ganze Sinnen der beiden besteht darin, die Liebesbeziehung zwischen ihrem Sohn und der Schwiegertochter zu zerstören und Hèlène das Sorgerecht für ihr Kind zu entziehen. Sie wollen diese starke Frau am Boden sehen.

Hélènes Schwiegervater ist jede Abgefeimtheit recht, um sie fertig zu machen. Der Alte schickt ihr Thomas (Jean-Pierre Cassel) auf den Hals, der dringend Geld braucht und sich zu miesesten Schandtaten korrumpieren lässt, um Hélènes Ruf zu ruinieren. Wird ihm dies gelingen?

Man fragt sich, wo der Hass auf die Schwiegertocher herrührt. Sind es nur die gesellschaftlichen Vorurteile? Was macht Menschen so bösartig und niederträchtig? Wieso ist es manchen Menschen nicht möglich, einfach mal hinzusehen wie das Gegenüber wirklich ist? Fragen dieser Art drängen sich bei Chabrols Film immer wieder auf. Genau dies hat er vermutlich bezweckt.

Die Bild- und Tonqualität sind bestens. Ich staune stets über die subtilen, intellektuellen Dialoge in Chabrols Filmen und seine meisterlich psychologischen und gesellschaftskritischen Betrachtungen.

Empfehlenswert.

Rezension:Ein gutes Jahr (DVD)

2010-09-13T00:37:00.000-07:00

2004 habe ich das Buch zum vorliegenden Film rezensiert, den ich bereits im Dezember 2006 im Kino sah und nun als DVD besitze. Der Film schlägt Mayles Buch um Längen. Ich möchte kurz erklären weshalb das so ist und stelle deshalb den Rezensionstext zum Buch vor die heutige Rezension zum Film. Wer bei sommerlicher Hitze - selbst nach dem Genuss einer wohltemperierten Flasche Rose - nicht schlafen kann, ist gut beraten sich Peter Mayles neuen Besteller "Ein guter Jahrgang" als Lektüre vorzunehmen, um auf diese Weise an dessen Lavendel-Träumen Anteil haben zu können.

Max Skinner, ein junger Engländer erbt von seinem Onkel ein Weingut in der Provence. Um die notwendigen juristischen Erbformalitäten zu erledigen, reist Max nach Frankreich. Dort erwarten ihn schöne Frauen, guter Wein, vorzügliche Speisen und eine Menge Turbulenzen... Der Autor bringt dem Leser in diesem Buch in erster Linie südfranzösische Lebensart nahe. Er zeichnet das Bild pittoresker, kleiner Orte und beschreibt farbenfroh, womit sich deren Bewohner dort beschäftigen. Außerdem nutzt Mayle die Gelegenheit den Leser durch ein kurzweiliges Weinseminar bei Laune zu halten. Über Bodenbeschaffenheit, Reduktion, Ernte und Verarbeitung der Trauben im Keller, wie auch über den notwendigen Reifeprozess erfährt man ebenso Interessantes, wie über teilweise abenteuerliche Vermarktungsmethoden und die Preisgestaltung des Rebensaftes.

Als Weinkenner übt der Autor Kritik an den so genannten "Garagenweinen", in welchen er in erster Linie Prestigeobjekte für Neureiche wittert. Auch ist er skeptisch gegenüber der Verbalakrobatik, die selbsternannte Connaisseure bei Degustationen in jüngster Zeit an den Tag legen. Wertet man die Fülle von Klischees und übertrieben blumig ausgefallenen Wortschöpfungen als verzeihlichen Erzähl-Überschwang eines überaus frankophilen Autoren, so kann man im Ergebnis festhalten, einen federleichten, gleichwohl amüsanten Roman gelesen zu haben, der einen - mit sehr viel Raffinesse - dazu verführt, die eigenen Lavendel-Träume so schnell als möglich in die Tat umzusetzen...!

Der Reiz des Films besteht in der Visualisierung von ungebremster Lebensfreude. Das lässt sich textlich nur bedingt darstellen. Selbst der frankophile Mayle schafft dies bei allem Erzählüberschwang nur zum Teil und hinterläßt dabei den Eindruck des Überzeichnens, weil man seiner Euphorie nicht völlig glauben mag. Das ist allerdings ein großer Fehler. Er hat ja so Recht!

Die Franzosen und Französinnen im Film sind alle zum Verlieben charmant. Kein Wunder also, dass sich der coole Banker Mac Skinner (Russel Crowe) in eine bildschöne Provencalin (Marion Cotillard) unsterblich verliebt und sein Leben völlig verändert.... Die vielen pittroseken Bilder von der Provence versetzen den Zuschauer in einen Rausch der Sinne. Marc Streitfelds Filmmusik mit Anklängen an die Musik der 30er Jahre tut das Übrige. Im Grunde wird die hübsche Filmhandlung völlig nebensächlich. Man taucht in eine hinreissende Bilderflut ein und lässt sich wegtragen in eine der schönsten Gegenden Europas. Man riecht die Speisen, die im Film aufgetischt werden, nimmt die Kräuter der Provence und das feine Knoblaucharoma wahr und glaubt einen guten Wein auf der Zunge zu haben: einen Bandol, einen einfachen Cote de Provence oder etwas Drittes. Man spürt die Sonne und sieht die herrliche Landschaft. Das macht glücklich. Ich versichere es Ihnen!

Rezension:Letters from Iwo Jima, 1 DVD (DVD)

2010-09-12T13:14:00.000-07:00

Dieser beeindruckende Film des Regisseurs Clint Eastwood spielt in Japan zu Ende des 2. Weltkrieges. Die Handlung beruht auf historischen Fakten. Eastwood fokussiert die japanische Perspektive der damaligen Geschehnisse auf der Insel Iwo Jima, die von den Amerikanern eingenommen wird.

Thematisiert werden die Zustände beim japanischen Militär in jener Zeit, die Zwangsrekrutierung und auch die verordeneten Massenselbstmorde, um sich nicht dem Feind ergeben zu müssen. Der kleine Soldat wurde zur willenlosen Kampfmaschine degradiert und sinnlosen Gefechten geopfert.

General Kuribayaschi, der vor dem Krieg einige Monate in Amerika lebte, denkt strategischer als andere Führungskräfte der japanischen Streitmacht, die grundsätzlich militärisch starrsinnig agieren, was zu hohen Verlusten bei den Soldaten führt. Clint Eastwood fokussiert die einfachen Soldaten, die in den Krieg gezwungen wurden und zeigt deren Ängste und Nöte. Eastwood gelingt es den Menschen in jedem einzelnen Soldaten zu zeigen und auf diese Weise die Absurdität gegenseitiger Zerfleischung zu verdeutlichen.

Dieser Film korrespondiert mit einem anderen Film von Clint Eastwood "Frags of Our Fathers", den ich leider nicht kenne. Die Absicht der Regisseurs besteht darin, die Sichtweise der Japaner und der Amerikaner in diesem mörderischen Krieg darzustellen.

Die Rolle des General Kuribayaschi wird von Ken Watanabe überzeugend gespielt, dessen Gelassenheit und Wohlüberlegtheit ihn zu einem Helden des Films macht. Ein weiterer Held ist der kleine Soldat Saido, der sich erlaubt, eigenständig zu denken. Beiden Männern gemeinsam ist ihr Mitgefühl, das sie trotz des Krieges nicht verloren haben. Durch diese beiden Männer wird der militärische Heldenbegriff ab absurdum geführt und durch einen der Mitmenschlichkeit ersetzt.

Die Bild- und Tonqualität ist bestens. Ein gelungener Film.

Rezension:Das große Fressen - Arthaus Collection (DVD)

2010-09-12T00:23:00.001-07:00

Der vorliegende Film des Regisseurs Marco Ferrer stammt aus dem Jahre 1971. Inhaltlich hat "Das große Fressen" an Aktualität nichts verloren. Es ist ein Film, der sich mit dem Überfluss, der Nimmersattheit, der Lebensmüdigkeit, der Dekadenz und den Folgen mangelnder Disziplin der Wohlstandsgesellschaft auseinandersetzt, die durch einen dauergeilen, alternden Flugkapitän (Marcello Mastroianni), einen depressiven Richter (Philippe Noiret) einen lebensmüden Fernsehmoderator (Michel Picolli) und einen hedonistischen Spitzenkoch (Ugo Tognazzi) dargstellt wird.

Die vier Freunde möchten mittels eines orgiastischen Fressgelages, das in der morbiden Villa des Richters stattfindet, ihrem Leben ein Ende bereiten. Sie sprechen allerdings nicht vom Tod, sondern ständig nur vom Essen. Wie man den Infos des Kulturspiegels entnehmen kann, haben die lukullischen Köstlichkeiten, die für "Das große Fressen" benötigt wurden, damals rund 200.000 Euro gekostet. Ich nenne diese Summe an dieser Stelle, um zu verdeutlichen, mit welch einer Fülle von Lebensmitteln das Auge des Betrachters fertig werden muss. Was hier gezeigt wird, ist nicht kultivierter Genuss, sondern das erschreckende Gegenteil davon. Für Gourmets ist dieser Streifen ein Horror.

Der Koch bereitet pausenlos Speisen zu und die Männer fressen und saufen immerfort, beginnend mit Austern und Champagner, fortgesetzt mit so vielen unterschiedlichen voluminösen Speisen, wie man sie von Menüs aus dem Barockzeitalter kennt. Den Männern ist bewusst, dass ihre Körper diese Opulenz nicht aushält. Die Blähungen lassen nicht lange auf sich warten. Zu Beginn drängt es sie noch dazu ihre Sexualität auszuleben. Sie ordern junge Prostituierte, an denen sich insbesondere der Flugkapitän delektiert. Die jungen Mädels sind allerdings rasch angewidert von dem Fressgelage und der Dekadenz der alternden Männer und verlassen alsbald die Villa.

Eine dralle Lehrerin, mit riesigen Brüsten (Andrea Ferreol, - sie hatte für den Film damals 20 kg zugenommen- und sieht aus wie ein Urweibchen) bleibt bei der illustren Männertruppe, stopft gierig alle Speisen, die der Koch zubereitet, in sich hinein und genießt den Sex mit Todgeweihten, die im Laufe der Filmhandlung alle das Zeitliche segnen, weil ihre Körper den oralen und sonstigen Strapazen nicht gewachsen sind. Nur dieses Urweib ist in der Lage mit der Fülle sinnlicher Genüsse fertig zu werden. Sie ist robuster als die Männer.
Eine nicht uninteressante Botschaft des Films.

Auffallend ist der Mangel an Empathie dieser illustren Gesellschaft, die den Tod der einzelnen Mitglieder keinen Moment betrauert, sondern nur mit sich und ihrer Fresssucht und Lüsternheit befasst ist.

Ästhetisch veranlagte Menschen werden bei diesem Film Ekel empfinden und erst mal eine Weile Abstand brauchen, um wohldosierte Gaumenfreuden erneut genießen zu können.

Der Film ist bei allem sehr lehrreich, weil er zeigt, wie wichtig es im Leben ist, maßvoll und diszipliniert zu sein.

Die schauspielerische Leistung der Protagonisten ist hervorragend. Die Dialoge sind sehr ausgefeilt und unterstreichen die dekadenten Bilder des Films.
Die Bild und Tonqualität sind bestens.
Empfehlenswert.

Rezension:Amadeus (Director's Cut, 2 DVDs) (DVD)

2010-09-09T12:39:00.000-07:00

Der vorliegende Film "Amadeus" erhielt 1984 acht Oskars. Peter Schaffner, der Drehbuchautor beschrieb Amadeus "als Fantasie, die auf Fakten beruht." Erzählt wird das Leben des Komponisten Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) und zwar aus dem Munde des Wiener Hofkapellmeisters Antonio Salieri (1750- 1825). Dieser unternimmt im Film alles, um Mozart zu schaden, weil er ihm seine Begabung neidete.

"Amadeus" stellt Mozart (Tom Hulce) einerseits als kichernden Kobold, Zoten- und Possenreiser dar, aber auch als arbeitsbessenes Genie, das wohl die anspruchsvollste Musik seiner Zeit schrieb. Das ging für Salieri und für die Welt des ausgehenden Rokoko nicht zusammen.

Salieri (F. Murry Abraham) ist nach einem Selbstmordversuch als uralter Mann in eine Irrenanstalt eingeliefert worden, bezichtigt sich dort einst Mozart getötet zu haben und berichtet einem Pater von den Geschehnissen... Er geht in seinen Erzählungen weit zurück, schildert seine Kindheit, seiner Liebe zur Musik und seinen Wunsch Musiker zu werden. Salieri verspricht Gott keusch zu leben, wenn er ihn zu einem berühmten Musiker machen wird. Seine Gebete werden erhört und er komponiert viele Opern, wird Hofkapellmeister in Wien, ist wohl situiert und mit sich und seinem Aufstieg zufrieden bis ihm Mozart begegnet...

Er hörte schon früher von dem Wunderkind, das im Alter von sechs Jahren bereits konzertierte und mit 9 Jahren schon seine ersten Sinfonien schrieb. Seit 1769 war Mozart unbesoldeter erzbischöflicher Konzertmeister in Salzburg. Die erhoffte Anstellung bei Hofe erfolgte nicht. Es kommt zum Bruch zwischen ihm und dem Erzbischof. Das wird im Film gezeigt. Mozart weilt jetzt in Wien, wird dem Kaiser vorgestellt und dort lernt Salieri ihn kennen. Er ist entsetzt von dem infantilen Gekicher Mozarts und seiner überzogen- lebhaften Art aber er ist auch überrascht von Mozart Können, das er nicht ertragen kann. Er spürt sein Mittelmaß und ahnt dass Mozart ihm seinen Platz streitig machen wird. Er hat vom Können her keine Chance gegen Mozart. Wie alle ehrgeizigen, mittelmäßigen Menschen versucht Salieri sich mittels unlauterer Mittel Vorteile zu sichern. Mozart macht sich über Salieri lustig, er nimmt dessen Musik nicht ernst. Dass er dadurch Salieris Hass entfacht, ist ihm unklar. Mozart besitzt die unbeabsichtigte Arroganz eines begabten Menschen. Das verzeiht ihm weder Salieri, noch die die missgünstige, unbegabte Hofgesellschaft.

Im Film wird die schwierige Beziehung zwischen Mozart und seinem Vater thematisiert. Seine Liebesbeziehung zu Constanze Weber ist ein weiters Thema und es werden die intriganten Machenschaften bei Hofe in Wien dargestellt.
Die Musik der Werke "Die Hochzeit des Figaro", "Die Entführung aus dem Serail", "Don Giovanni", "Die Zauberflöte" und "Requiem" begleiten die filmische Handlung und man erlebt die Singspiele und die Opern auszugsweise auf der Bühne in der prachtvollen Ausstattung jener Zeit.

Mozart feiert gerne Feste und ist ein fröhlicher Mensch. Seine Freunde lieben ihn. Er geht großzügig mit seiner Barschaft um - Geld bedeutet diesem Künstler nichts - so gerät in Schulden. Diese Situation nützt Salieri aus, um ihm das Leben schwer zu machen... Mozart lebt völlig in seiner Musik und verausgabt sich. Tabletten und Alkohol setzen ihm arg zu. Als er das "Requiem" schreibt, wird er von Angstvorstellungen heimgesucht...

Ein toller Film mit sehr guten Schauspieler, hervorragenden Dialogen, subtilen psychologischen Studien, wunderbaren optischen Darstellungen (Kostüme, Perücken, Bühnenbilder etc) und mit beeindruckenden Klängen des Genies.

In den völlig ausgeflippten Amadeus muss man sich einfach verlieben, selbst wenn man keinen Zugang zu seiner göttlichen Musik hat.
Empfehlenswert.

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Rezension: Madot- Claudet Sautet

2010-09-09T06:19:00.000-07:00

Der vorliegenden Film, den der bekannte Regisseur Claude Sautet in Szene gesetzt hat, gibt tiefe Einblicke in die gehobene bourgeoise Gesellschaft im Frankreich der 1970er Jahre.

Die bestehende Wirtschaftkrise wirkt sich massiv sowohl auf die Arbeiter- und Angestellten aus als auch auf die dubiosen Machenschaften von Unternehmern im Zusammenhang mit Staatsdienern, die für die Auftragsvergabe von öffentlichen Bauvorhaben verantwortlich zeichnen.

In diesem Geflecht aus Korruption und daraus folgenden Insolvenzen spielt Michel Piccoli einen Bauunternehmer, der als Geschädigter versucht, seine legalen wirtschaftlichen Interessen zu wahren.

Der Film zeigt den Hauptakteur in seinem Umfeld, das dessen familiären und geschäftlichen Backround dem Betrachter auf anschauliche Weise nahe bringt.

Die emotionale Seite des Bourgeois pendelt zwischen zwei Frauen. Hélène, seine alkoholsüchtige Geliebte aus früheren Tagen, hevorragend gespielt von Romy Schneider und Mado (Ottavia Piccolo), einer jungen Italienerin, die ihren Lebensunterhalt durch Liebesdienste mit soignierten, älteren Herren bestreitet.

Mados Freundeskreis besteht aus Gleichaltrigen, die um ihre Neigungen wissen.

Im Film entwickelt sich die Handlung zu typisch, französisch intellektuellen Dialogen als auch zu zutiefst menschlichen Regungen.

Empfehlenswert.

Rezension:Der Ruhm meines Vaters / Das Schloss meiner Mutter (2 DVDs)

2010-09-08T14:43:00.000-07:00

Eine liebe Mailfreundin hatte mir vor Monaten Marcel Pagnols Roman "Eine Kindheit in der Provence" wärmstens empfohlen, aber ich kam, eingedeckt mit allerlei Lesematerial, leider bislang noch nicht dazu dieses Buch zu lesen. Ein schwerer Fehler, wie ich dieser Tage feststellen musste, seit ich, dank der Rezension von :-) die beiden DVDs zum Film sah.

Die Filmhandlung spielt Ende des 19.Jahrhunderts und Anfang des 20. Jahrhunderts. Der Ich-Erzähler Marcel berichtet von seiner Kindheit, die für die Augen des Zuschauers filmisch in prächtigsten Farben präsentiert wird. Der Vater des Kindes ist Lehrer in der Provence, die Mutter, eine Schneiderin, gibt der Familie fürsorglichen Halt und zeigt sich als besonders liebevolle Gattin. Marcel, ein aufgeweckter Junge, kann bereits im Alter von 5 Jahren lesen und beobachtet neugierig seine Umgebung, die sich als positiv idyllisch darstellt.

Marcels Vater steigt recht bald zum Hauptlehrer an einer Volksschule in Marseille auf und ist bemüht seinen Sohn schulisch so zu fördern, damit dieser das Gymnasium besuchen kann, um später studieren zu können. Gleichzeitig aber hat der Vater Angst seinen Sohn zu verlieren, wenn dieser sich intellektuell weiterentwickelt. Da er ein guter Vater ist, neidet er dem Sohn den zukünftigen Aufstieg nicht, sondern tut alles für dessen Förderung. Auch zu den beiden Kindern, die im Anschluss geboren werden, verhalten sich die Eltern sehr sensibel, umsorgend und vollkommen uneigennützig.

Durch den Besoldungsaufstieg ist es möglich, dass die Familie gemeinsam mit der Familie der Tante Marcels ihre Sommerferien in einem Haus in der Provence verbringen können. Marcel ist zu diesem Zeitpunkt 11 Jahre alt. Vater und Onkel gehen dort auf die Jagd, die Frauen betreuen die Kinder und für alle erschließt sich die wundervolle Landschaft der Provence. Das Licht und die Farben, die sonnendurchfluteten Hügel, die Kanäle, die alten Dörfer und die schönen Landsitze als auch märchenhaften Schlösser.... Man kann sich an den wundervollen Bildern nicht satt sehen.

Die gemeinsamen Mahlzeiten der Familien vor dem Haus sind voller Harmonie und diese Grundstimmung zieht sich wohltuend durch den ganzen Film. Gezeigt wird die Freundschaft Marcels zu einem etwa gleichaltrigen Bauernjungen, wie auch zu einem Mädchen, in das er sich zunächst auf kindliche Art verliebt. Auf allem, was geschieht, liegt ein Zauber, der offenbar vom Licht der Provence ausgelöst wird. Die Familie ist so begeistert von dem Leben auf dem Lande, dass sie in der Folge auch die Wochenenden dort verbringen. Noch ist der 1. Weltkrieg in weiter Ferne und man genießt das gemeinsam Glück der Idylle, das sich tief ins Gedächtnis Marcels eingraben wird....

Der Film ist ein einziger Genuss. Er hat geradezu therapeutische Wirkung. An Tagen, an denen man sich etwas niedergeschlagen fühlt, wirkt dieser Streifen vortrefflich als Stimmungsaufheller. Ärzte sollten ihn depressiven Patienten verschreiben dürfen. Er ist Balsam für die Seele!

Die schauspielerische Leistung der Darsteller ist bestens, auch an der Ton- und Bildqualität gibt es nichts zu beanstanden.

Empfehlenswert.

Rezension: Die Treue der Frauen- Andrzej Zulawski

2010-09-07T13:30:00.000-07:00

"Die Treue der Frauen" ist ein Film des polnischen Regisseurs Andrzej Zulawski. Die junge, bildhübsche, hochbegabte Fotografin Clélia (Sophie Marceau), die sich in der Kulturszene mit ihren künstlerisch wertvollen Fotos bereits einen Namen gemacht hat, kommt aus unbegüterten Verhältnissen. Sie wird von dem Skandalpresse-Magnaten Lucien Macroi, von dem sich später herausstellt, dass er ihr leiblicher Vater ist, dazu engagiert, das Image seiner Firma in ein besseres Licht zu rücken.

Durch Zufall lernt Clélia den Herausgeber der Zeitung Cléve (Pascal Greggory) kennen. Er ist etwa 20 Jahre älter als sie, ein Intellektueller, sehr zurückhaltend, konservativ, optisch nicht eben eine Augenweide. Cléve verliebt sich unsterblich in die junge Frau, die sich entscheidet ihn zu heiraten, weil sie nach Halt in ihrem Leben sucht. Cléve gibt ihr diesen mentalen Halt, wofür Clélia ihm überaus dankbar ist.

Clélia spricht ihren Gatten mit Sie an, um ihm ihren Respekt zu zeigen. Einen feinsinnigen Mann wie ihn kannte sie bislang noch nicht. Selbst im Bett wechselt sie nicht zu dem intimeren Du über.

An ihrem Arbeitsplatz lernt sie Nemo (Pascal Geggory) kennen. Er ist ein sehr guter Fotograf, schön wie sie, ein Draufgängertyp mit sozialpolitischem Anspruch. Zwischen den beiden funkt es sofort. Clélia widersteht allerdings der Anziehung Nemos, weil sie ihrem Mann vor Gott die Treue geschworen hat und den Schwur nicht brechen möchte. Sie wehrt sich mit ihrem ganzen Willensstärke gegen ihre Gefühlsaufwallungen

Clélia kämpft mit sich standhaft zu bleiben und schafft es immer wieder sich dem Liebesbegehren Nemos zu widersetzen, obschon sie unendlich leidet. Ihr Gatte, von dem sich- sie erfährt es nie- herausstellt, dass er bisexuell ist und seine Neigung in der Ehe auslebt - misstraut ihrer Treue, nachdem sie ihm von ihren inneren Konflikten im Hinblick auf Nemo erzählt hat. Er schließt demnach von sich auf seine Frau. Projektionen dieser Art kommen bekanntermaßen nicht selten vor.

Die Tatsache, dass Clécia sich die körperliche Liebe mit Nemo verwehrt, lässt die beiden seelisch immer enger zusammen wachsen. Das geht so weit, dass sie unabhängig voneinander für eine Ausstellung zu einem Thema Fotos machen, die vom Gefühlsausdruck so erscheinen als seien sie von einer Person realisiert worden. Die nicht körperlich vollzogende Liebe lässt eine solche Sehnsucht entstehen, dass das Schicksal sich schließlich mit den unglücklich Liebenden zu erbarmen erscheint. Doch ich will nicht zu viel verraten...

Neben der ergreifenden Liebesgeschichte reisst der Film auch sozialpolitisch brissante Themen an, zu diesen zählen Mädchenhandel und Korruption.

Die Bild- und Tonqualität sind bestens, auch die Dialoge lassen nichts zu wünschen übrig. Die schauspielerische Leistung, insbesondere von Sophie Marceau hat mich überzeugt.

Ist Clélia wirklich ihrem Mann treu geblieben? Was ist eheliche Treue?

Empfehlenswert.

Rezension:Über den Dächern von Nizza mit Grace Kelly - SZ Cinemathek Traumfrauen (DVD)

2010-09-07T02:44:00.000-07:00

Die Handlung dieses 1955 gedrehten Films braucht man nur kurz anreißen, denn der Hitchcock-Streifen ist ein wirklicher Klassiker der Filmgeschichte. Fast jeder kennt ihn. Der ehemalige Juwelendieb John Robie (Gary Grant) wird an der Cote d` Azur von seiner Vergangenheit eingeholt. Er war einst Juwelendieb und setzt nun seine Kenntnisse dafür ein, die Täter, die seinen Stil kopieren, dingfest zu machen. Robie verliebt sich in die bildschöne Tochter (Grace Kelly) einer steinreichen Amerikanerin. Daraus ergeben sich allerlei Turbulenzen...

Der Film lebt neben der spannenden Filmhandlung von den beeindruckenden Aufnahmen der Cote`d Azur, den Bildern von der Stadt Nizza und deren Hafen, von der Ufer-Promenade von Cannes, dem Luxushotel Charlton, der alten Villa Rothschild und vielem anderen mehr, das sich seit dem Dreh kaum verändert hat, wie ich während meiner zahlreichen Aufenthalte an der Cote feststellen konnte. Grace Kelly lernte unmittelbar nach den Dreharbeiten zum Film ihren zukünftigen Mann kennen und residierte seitdem in Monte Carlo. Die junge Schauspielerin hatte schöne, ebenmäßige, klare Gesichtszüge, eine kühle erotische Ausstrahlung, aber wenig Sexappeal. Sie war keine Bardot.

Sexappeal war für den Film aber nicht notwendig. An der Seite des Charmeurs Gary Grant machte Kelly eine gute Figur und spielt ihre Rolle überzeugend. Die beiden Schauspieler harmonieren, trotz des immensen Altersunterschiedes sehr gut miteinander, was wohl damit zusammenhängt, dass beide eine natürliche Eleganz und eine unaufdringliche, edle Aura besitzen. Diese harmoniert fantastisch mit dem Ambiente Nizzas und Cannes, während die sexuelle - sinnliche Ausstrahlung einer Bardot eher zu dem Lebensgefühl des alten Fischerortes St. Tropez passte. Hitchcock hat das sehr genau gesehen und danach gehandelt. Das war klug von ihm .

Ein schöner Film, den ich mir sicher noch viele Male ansehen werde. Die Bilder sind einzigartig.

Empfehlenswert!

Rezension: Die Maschine

2010-09-05T13:11:00.000-07:00

Dieser Psychothriller des Regiesseurs Francois Dupeyron beginnt mit einer Szene, die für den Betrachter zunächst kaum deutbar ist. Ein etwa zehnjähriger Junge schickt sich an, seine Mutter zu töten. Was veranlasst ihn dazu?

In der dann folgenden Rückblende entwickelt sich die Geschichte, die zu dem Ereignis zu Beginn des Filmes führt. Dr. Lacroix (Gérard Depardieu) befasst sich nach seinem Medizinstudium mit dem menschlichen Gehirn und macht aus diesem Grund eine Zusatzausbildung als Psychiater, baut sogar eine Maschine, um alles über das Gehirn und dessen Geheimnisse in Erfahrung zu bringen.

Als Psychiater beschäftigt er sich mit Psychopathen und untersucht deren Charakterdeformationen. Sind diese Deformationen veränderbar? Dr. Lacroix ist von dem Fall des Psychopathen und Serienkillers Zyto (Didier Bourdon) fasiziniert. Dieser Mann zieht ihn völlig in seinen Bann. Zyto gewinnt Macht über ihn. Das gelingt Psychopathen immer, wenn man sich nicht bewusst abgrenzt.

Dr.Lacroix, Vater eines Sohnes, Ehemann von Marie (Nathalie Baye) und Geliebter von Marianne (Natalia Wörner) entfernt sich immer mehr von seinem realen Leben und befasst sich gedanklich immer intensiver mit Zyto. Er entschließt sich letztendlich, sich dessen Hirn zu eigen zu machen, um es besser verstehen zu können.

Mittels der Maschine, die der Psychiater konstruiert hat, kommt es zu einem Hirntransfer. Zyto besitzt nun die Persönlichkeit Dr. Lacroix und Lacroix die Persönlichkeit des Serienkillers. Welche Folgen das hat, möchte ich an dieser Stelle nicht näher ausführen, um die Spannung des Filmes nicht zu mindern...

Der Film verdeutlicht, dass die Möglichkeiten zu denken, zu entscheiden und aber auch zu fühlen im Hirn lokalisiert sind und der Körper unabhängig von all dem funktioniert. Der Film suggeriert, dass dann, wenn ein Hirntransfer stattgefunden hat, das Individuum aufgehört hat im alten Körper zu existieren.

Ein nicht uninteressanter Gedanke. Und wo ist die Seele? Gibt es die überhaupt oder ist sie nur eine Fiktion?

Die Bild- und Tonqualität sind bestens, die Dialoge lassen auch nichts zu wünschen übrig. Die Schauspieler spielen ihre Rollen hervorragend. Depardieu schafft es wie immer durch seine Ausdrucksstärke den Zuschauer in den Bann zu ziehen.

Empfehlenswert.

Rezension: EINE COUCH IN NEW YORK - Chantal Akerman (DVD)

2010-09-05T01:59:00.001-07:00

Welch ein zauberhafter Liebesfilm! Regisseurin ist die Belgierin Chantal Akermann. Die weibliche Hauptdarstellerin, die bildschöne Französin Juliette Binoche, fasziniert durch ihren Liebreiz.

Die betont extravertierte Pariserin Béatrice (Juliette Binoche), eine junge Frau, der das Wort Ordnung völlig fremd ist, vereinbart mit dem überordentlichen, sehr introvertierten, erfolgreichen New Yorker Psychoanalytiker Henry (William Hurt) einen zeitlich befristeten Wohnungstausch aufgrund einer Zeitungsannounce, die Henry in Paris aufgegeben hat.

Der ernervierte Psychoanalytiker hat sich diesen Tapetenwechsel verordnet, weil er Abstand von seinen Patienten und seiner exaltierten Verlobten haben möchte.

Béatrice beabsichtigt eine Freundin in New York zu besuchen. Man erlebt die Französin überwältigt von dem quirligen Leben als sie in New York angekommen, mit einem Taxi durch die Stadt fährt und noch überwältigter als sie die mondäne, blitzsaubere Wohnung von Henry betritt.

Béatrice erkundet Zimmer für Zimmer und versucht sich ein Bild von dem Bewohner der Räume zu machen. Dem Zuschauer der Szenen wird sofort klar, dass Henry das genaue Gegenteil von Beatrice ist. Henry scheint kopfgesteuert, unspontan, überordentlich, dem Leben gegenbüber verschlossen zu sein, so die Botschaft seiner Wohnung. Béatrice, die Mitleid mit dem ihr unbekannten Besitzer der Wohnung hat,- er erscheint ihr verkrampft-, mag das Eau de Toilette von Henry und sprüht sich damit ein. Eine Geste, die auf den weiteren Verlauf der Handlung hindeutet.

Henry, in der Wohnung von Béatrice in Paris angelangt, ist irritiert vom dortigen fröhlichen Chaos. Er räumt erst ihre in der Wohnung verstreuten Kleider auf, sorgt für die Reparatur eines Wasserrohrbruchs, liest die an sie gerichteten Liebesbriefe ungezählter Männer und beginnt zu ahnen, dass Béatrice eine ganz besondere Frau ist. Das Chaos und der Lärm lassen sehr bald in Henry den Entschluss reifen nach New York zurück zu reisen.

Béatrice hat es sich mittlerweile in Henrys Wohnung bequem gemacht, seine spärlich wachsenen Pflanzen haben sich aufgrund ihrer Pflege nach wenigen Tagen in eine Tropenlandschaft verwandelt. Henrys magenkranker Hund ist plötzlich putzmunter, weil er sich von Béatrice geliebt fühlt.

Die hilfesuchenden Patienten Henrys klingeln, obschon sie wissen, dass Henry verreist ist, an dessen Tür. Béatrice öffnet zunächst verduzt, unternimmt nichts, wenn diese Psychowracks auf die Couch stürzen, Béatrice gar nicht wahrnehmen und ihr Leid zu klagen beginnen. Béatrice hört ihnen zu, die Patienten fühlen sich verstanden.

Dass Béatrice dabei Kasse macht, hat sie eigentlich nicht gewollt. Man drängt ihr das Geld schier auf, sieht sie als Ersatz für Henry.

Als der stets etwas überfordert und hilflos erscheinende Henry in seine Wohnung zurückkehren möchte- Beatrice ist davon nicht in Kenntnis gesetzt- sieht er wie seine vormals depressiven Patienten fröhlich seine Wohnung verlassen. Was geschieht hier? Henry gibt sich, um die Geschehnisse zu erkunden, inkognito zum Platz des Geschehens und verliebt sich sofort in die schöne Französin. Der weitere Verlauf des Films wird nicht verraten...

Traumhafte Impressionen von Paris und New York, eine nette Filmmusik, intelligente Dialoge und sehr gute schauspielerische Leistungen zeichnen diesen betont sensiblen Film aus, den ich gerne empfehle. Was beide Protagonisten gleichermaßen auszeichnet ist übrigens Toleranz. Das hat mir besonders gut gefallen.

Die Bild- und Tonqualität sind bestens.

Rezension:Die letzte Metro (DVD)

2010-09-02T07:19:00.000-07:00

Dieser Film spielt in Paris während der Besatzungszeit der Nazis. Überall in der Stadt verfolgt man Juden, die man in Konzentrationslager deportieren will. Die Angst geht um.

Man lernt in "Die letzte Metro" einen typischen Kollaborateur kennen, einen Theaterkritiker, der um seiner Karriere Willen kein gutes Haar an Stücken lässt, die von jüdischen Regisseuren auf die Bühne gebracht worden sind.

Im Pariser Theater Montmartre hält Marion Steiner (Catharine Deneuve) die Stellung. Ihr Gatte, der jüdische Regisseur Lucas Steiner (Heinz Bennent), der vor der Besetzung das Theater geleitet hat, ist angeblich außer Landes geflohen. Tatsächlich allerdings hält er sich in den Kellerräumen des Theaters versteckt. Marion kümmert sich rührend um ihren Mann, den die Enge seines Verstecks enerviert. Erst als er eine Möglichkeit findet die abendlichen Theateraufführungen zumindest mit anhören zu können, ist er wieder ganz in seinem Element und gibt über Marion Regieanweisungen.

Keiner der Schauspieler weiß, dass Steiner gewissermaßen als Phantom im Theater zugange ist. Nachdem sich alle Fluchversuche zerschlagen, wird Lucas bis zur Befreiung die Kellerräume nicht verlassen.
Marion steht während des Krieges u .a . mit Bernard Granger (Gerard Depardieu) auf der Bühne. Man erlebt die beiden beim Einüben eines Stückes und kann an ihren Blicken, die Gefühle , die sie füreinander hegen, erahnen.

Marion ist in Bernard verliebt, verbietet sich aber aus Loyalität zu ihrem Gatten lange Bernard diese Zuneigung unverblümt zu zeigen. Auch Bernard hat sich in Marion verliebt und kann ihre Reserviertheit erst dann deuten als er Lucas im Keller kennenlernt. Bernard entscheidet sich wenig später zum Widerstand zu gehen und deshalb einstweilen dem Theater den Rücken zu kehren. Zwischen Marion und ihm kommt es zu einer gefühlsintensiven Abschiedszene. Wie geht man in solchen Zeiten mit Gefühlsirritationen um?

Marion, Lucas und Bernard erweisen sich als sehr reife, faire Menschen, die es schaffen ihre Beziehungen zueinander so zu gestalten, dass keiner auf der Strecke bleibt....

Niveauvolle Dialoge, sehr gute schauspielerische Leistungen und Regieeinstellungen sowie beste Ton- und Bildqualität machen sehr schnell deutlich, dass dies ein Werk Francois Truffauts ist.

Empfehlenswert.

Rezension: Das Meer in mir - Große Kinomomente (DVD)

2010-08-30T14:34:00.000-07:00

Mitunter scheint noch nicht einmal liebevolle Hinwendung, dem Gegenüber Lebensmut zu schenken. Was dann?

Ramón (Javier Bardem) kann sich seit 28 Jahren nicht mehr bewegen. Man lernt ihn gleich zu Beginn des Films als einen ganz ungemein positiven, nachdenklichen Menschen kennen, einen Menschen, den man sofort ins Herz schließt.

Ramón hat sich als junger, bildschöner Mann das Genick gebrochen bei einem Sprung in das von ihm geliebte Meer. Seither ist er gelähmt, nutzt selten einen Rollstuhl, sondern liegt stattdessen im Bett. Er hat einerseits sein Schicksal angenommen, möchte ihm andererseits aber ein Ende setzen. Er will sich nichts vormachen, sondern dem, was ist, ungeschönt ins Auge schauen.

Betreut wird er von der Frau seines Bruders. Alle Familienmitglieder kümmern sich rührend um ihn. Keiner gibt ihm das Gefühl, dass er zu Last fällt. Alle lieben Ramón und können nicht verstehen, dass er sterben möchte. Sein Wunsch kränkt sie, weil in ihnen das Gefühl aufkommt, nicht genug für ihn getan zu haben. Dies scheint Ramón, nicht sehen zu wollen. Er empfindet seinen Zustand würdelos und möchte ihm ein Ende setzen. Dazu benötigt er die Hilfe Dritter.

Eine Sterbehilfeorganisation nimmt sich seines Falles an. Eine gehbehinderte Anwältin möchte ihm helfen. Sie versucht es auf gerichtlichem Wege. Schließlich verliebt sie sich in ihn, nicht zuletzt als sie sein Fühlen und Denken aufgrund seiner Gedichte näher kennen lernt. Sie ist diejenige, die seine Poesie veröffentlichen lässt. Zum gemeinsamen Selbstmord, den sie planen, kommt es jedoch nicht...

Ramón ist der Ansicht, dass ein Mensch, der ihn wirklich liebt, ihm zum Tode verhelfen wird und letztlich findet er eine Frau, die bereit ist, für ihn aktiv zu werden. Er drängt sie nicht zu dem Entschluss, sondern der Entschluss reift in der Liebenden, die sein Wohl über ihr eigenes stellt...

"Das Meer in mir" wirft Fragen auf, die ich nicht in der Lage bin, zu beantworten. Was ist einem Kranken zumutbar? Sollte man ihm das Recht einräumen, sterben zu dürfen, wenn er es möchte? Was ist mit der moralischen Schuld, die derjenige auf sich lädt, der beim Sterben hilft? Tötet man nicht auch, wenn man beim Sterben hilft? Hat man in diesem Falle das Recht zu töten? Meine Fragen sind nicht juristisch, sondern ethisch gemeint.

Im Film wird dem Kranken unendlich viel Liebe und Zuneigung zuteil. Dennoch möchte Ramón sterben, weil er seine Bewegungslosigkeit nicht ertragen kann. Ich verstehe den Kummer, habe jedoch keine Idee, wie man einem solchen Menschen Lebensmut schenken kann, wenn Liebe schon nicht hilft, auch eine Aufgabe, wie im Fall des Films, Gedichte zu veröffentlichen, nicht zu einem Ja zum Leben beiträgt. Der Film lässt mich ratlos zurück.

Javier Bardem spielt die Rolle beeindruckend. Der Film ist an keiner Stelle trivial. Die Dialoge regen zum Nachdenken an. Vielleicht kennen Psychologen Strategien, wie man einem solch lebensmüden Menschen helfen kann, sich nicht mehr den Tod zu wünschen.

Rezension: Zwei Freundinnen- Claude Chabrol

2010-08-29T14:46:00.000-07:00

Dieser Film von Claude Chabrol nimmt in Paris seinen Anfang. Die attraktive, offensichtlich ziemlich begüterte Frédérique (Stephane Audran) spricht auf der Straße eine junge, sehr hübsche Straßenmalerin an und kauft ihr ein Bild ab, um auf diese Weise Kontakt mir ihr aufzunehmen.

Die hochmütige Frédérique ist gelangweilt, sucht nach Abwechslung und hofft diese, in einer lesbischen Beziehung zu der Malerin Why zu finden. Sie verführt das Mädchen und macht es aufgrund ihrer materiellen Möglichkeiten von sich abhängig.

Frédérique nimmt Why mit in ihre Villa nach St. Tropez. Why ist vom Luxus angetan. Der Luxus scheint sie aber letztlich nicht zu korumpieren.

Die verbalen Demütigungen seitens Frederique nimmt Why hin. Offenbar betrachtet sie diese als den Preis dafür, dass die Freundin sie zu sich aufgenommen hat.

Als Why den ebenfalls sehr wohlhabenden Architekten Paul (Jean-Louis Trinignat) im Hause Frédériques kennenlernt, schläft sie mit diesem noch in der gleichen Nacht und verliebt sich ihn. Why war bis zu diesem Zeitpunkt noch Jungfrau. Für Paul war Why nur ein Abenteuer. Er hält die Verabredung, die er nach dieser Nacht mit ihr einging, nicht ein, sondern verbringt den Nachmittag stattdessen mit Frederique, die mit ihm daraufhin eine Affäre eingeht.

Why wird auf diese Weise zeitgleich sowohl von ihrer Geliebten als auch von Paul im Stich gelassen und von beiden nun schmerzhaft ausgegrenzt. Dass dies tragische Folgen hat, verwundert nicht....

Die Bild- und Tonqualität sind bestens-

Rezension: Das wilde Schaf- Michel Deville

2010-08-28T14:17:00.000-07:00

Der Regisseur Michel Deville hat mit "Das Wilde Schaf" einen höchst subtilen, intellektuellen Film auf den Weg gebracht. Der Filmbeschreibung ist zu entnehmen, dass dieser Film zu einem Klassiker des französischen Films avancierte. Als Grund hierfür werden nicht zuletzt die schauspielerischen Fähigkeiten von Romy Schneider, Jean-Louis Trinitignant, Jean-Pierre Cassel und Jean Birkin genannt.

Ja, die schauspielerischen Fähigkeiten der genannten Akteure sind tatsächlich bemerkenswert, aber bemerkenswerter noch ist die Filmhandlung. Der erfolglose Schriftsteller (Jean-Pierre Cassel, ein ganz toller Schauspieler) war als junger Mann in eine hübsche Apothekertochter verliebt, die für ihn, aufgrund eines Umstandes, den ich hier nicht nennen möchte, unerreichbar war. Diese Apothekertochter ist mittlerweile eine berühmte Hollywood-Schauspielerin. Der Schriftsteller kann sie nicht vergessen. Was wäre, wenn er nicht erfolglos wäre, wenn er Geld im Überfluss besäße und alle Frauen ihm zu Füßen lägen? Würde sich dann auch diese Frau ihm zuwenden?

Des Schriftstellers Freund ist der farblose Bankangestellte (Jean -Luis Trinitignant), der zu Filmbeginn erstmals eine Frau anspricht und zwar ein hübsches leichtlebiges Mädchen (Jean Birkin). Er schläft mit ihr bei, nachdem er sie aus moralischen Motiven geohrfeigt hat. Die Demütigung führt dazu, dass sie sich ihm zuwendet. Eine Masochistin scheint sie nicht zu sein. Offenbar fühlt sie die Züchtigung als berechtigt.

Der Bankangestellte berichtet seinem Freund dem Schriftsteller von seinem Abenteuer, erzählt ihm jedoch nichts von der Züchtigung. Daraufhin sieht ihn der Schriftsteller als reif und geeignet genug an für sein Experiment.

Die beiden Freunde treffen sich häufiger mittags in einem Café, wo der Schriftsteller seinen Tag verbringt, an seinen Romanen schreibt oder Nachhilfeunterricht erteilt.

Der Schriftsteller möchte, dass sein Freund reich wird, alle Frauen "haben kann" und zeigt ihm, wie das möglich ist. Vorraussetzung ist, dass er seine Arbeitsstelle kündigt und sich seinen Regieanweisungen unterwirft. Der Bankangestellte erklärt sich einverstanden.

Von jetzt an mutiert dieser vom lammfrommen in ein wildes Schaf, d.h. er bleibt nach wie vor Schaf, verändert nur seine Verhaltensmuster. Er merkt nicht, dass er die Marionette des Schrifstellers ist, der im Grunde nur wissen will, ob man die Frau (Romy Schneider) eines seiner Freunde (eines Professor) schnell zum Fremdgehen bewegen kann und ob seine Jungliebe die unerreichbare Heilige ist, für die er sie hält.

Alle weiteren Regieanweisungen, in denen es darum geht, wie das Schaf zu Geld kommt, dienen bloß dem Zweck an Frauen zu gelangen. Der Schriftsteller glaubt offenbar, dass Geldmangel der Grund ist, weshalb er bei Frauen nicht zum Zuge kommt, will dies zumindest glauben und zieht seine Konsequenzen als er eines anderen belehrt wird.....

Ein psychologisch subtiler Film. Die Bild- und Tonqualität sind bestens.

Rezension: Oscar Wilde

2010-08-26T10:52:00.000-07:00

Dieser hervorragende Film erzählt einen Teil des Lebens des englischen Erzählers und Dramatikers Oscar Wilde, der am 16.10.1854 in Dublin geboren wurde und am 30.11.1900 in Paris verstarb. Der Rückseite der DVD ist zu entnehmen, dass es sich bei "Oscar Wilde" um die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Richard Ellmann handelt. Dieser Roman ist mir nicht bekannt. Ich kenne von diesem Autor nur die Biographie über Oscar Wilde. Diese ist sehr gut geschrieben. Passagen aus der Biographie scheinen auf jeden Fall auch in den Film eingeflossen zu sein.

Im Film, in dem der begnadete Schauspieler Stephen Fry die Hauptrolle überzeugend spielt, wird auf Wildes Kindheit, Jugend und Studienzeit in Oxford nicht eingegangen. Die Handlung beginnt erst in den Jahren 1881/82. Wilde befindet sich auf dem Höhepunkt seines Ruhmes auf einer Vortragsreise in Amerika. Selbst einfache Menschen mögen ihn dort, nicht zuletzt wegen seines unwiderstehlichen Charmes und seiner melancholischen Augen. Sein brillanter Verstand und seine imposante Erscheinung werden von Fry schauspielerisch so vortrefflich transportiert, dass man meint der wirkliche Oscar Wilde würde auf der Leinwand sichtbar.

Die eigentliche Filmhandlung beginnt als er nach England zurückgekehrt ist. Schon jetzt ist er durch seine extravaganten Auftritte und seine Lebensführung in aller Munde. Seine Mutter, Lady Wilde (gespielt von Vanessa Redgrave) ist begeistert von ihrem Sohn. Er entschließt sich zu heiraten und ehelicht die schöne Constanze (Jennifer Ehle), die er schätzt, weil sie gut zuhört und sein treuestes Publikum darstellt.

Durch einen Dauergast in seinem Hause wird er zu homosexuellen Handlungen verführt, wodurch er seine sexuelle Bestimmung erkennt, die fortan seinen weiteren Lebensweg nachhaltig beeinflussen wird. Während Constanze sich zuhause um ihre beiden Kinder kümmert, geht Wilde seinen körperlichen Neigungen nach. Eine Schar junger, homophiler Männer beginnt sich alsbald um ihn zu tummeln. Wilde sieht sich in der Tradition der alten Griechen und frönt, frei von moralischen Vorbehalten, seiner Lust.

Um seine Kinder kümmert er sich liebevoll. Die Szenen mit diesen sind sehr berührend. Zu seiner Gattin ist er sehr charmant. Man lernt Wilde im Film als einen liebenswerten Vater kennen, der seinen Buben Märchen erzählt. Die Jungs vergöttern ihn. Er ist nachsichtig, verständnisvoll und voller Güte. Constanze hat seine Hochachtung. Er liebt sie auf seine Art und verschont sie mit Berichten von seinem anderen Leben, das die viktorianische Gesellschaft natürlich nicht anerkennen möchte.

Erfolg hat er gerade mit seiner "Salome" als er seine große Liebe Lord Alfred Douglas (Jude Law) kennen lernt. Für ihn ist er bereit sich zu ruinieren. Wilde beginnt seine Arbeit zu vernachlässigen und immer mehr Geld in Lord Alfred zu investieren, den er reich beschenkt. Alfreds Vater der Marquis von Queenbury möchte die Liaison unterbinden.

Lord Alfred veranlasst Wilde einen Prozess gegen den Marquis zu führen, der Wilde schließlich zum Verhängnis wird. Zwei Jahre Zuchthaus mit Zwangsarbeit brechen die Gesundheit und den Lebenswillen des großen Schriftstellers, der verarmt und gedemütigt im Alter von sechsundvierzig Jahren in Paris verstirbt.
Der Film macht deutlich, dass Lord Alfred die Liebe Wildes nach herkömmlichen Vorstellungen nicht verdient hat, denn Wilde liebte im Gegensatz zu Lord Alfred mit seiner ganzen Seele. Alfred ist zu einer solchen Liebe nicht fähig. Er ist kalt.

Immer wieder wird im Film auf einzelne Werke Wildes hingewiesen, auch gezeigt wie sie aufgeführt und von Wilde kommentiert werden. Das Publikum applaudiert ihm und schätzt ihn sehr. Lord Alfred interessiert sich nicht für die intellektuelle Seite Wildes. Er ist ein Mensch, der nur sich selbst sieht. Wilde wusste dies, aber er wusste auch: "Nicht die Vollkommenen, sondern die Unvollkommenen brauchen unsere Liebe."

Ein beeindruckender Film mit schönen Bildern und brillanten Bonmots des blitzgescheiten Dichters, dem seine Fähigkeiten, wie keinem Zweiten geneidet wurden.

Empfehlenswert!

Rezension:Der Widerspenstigen Zähmung (DVD)

2010-08-25T00:30:00.000-07:00

Mit seinem Diener Tranio kommt Lucentio (Michael York) nach Padua. Dort verliebt er sich in Bianca und möchte sie heiraten. Zwei weitere Freier haben sich bereits eingefunden, die das hübsche Mädchen ebenfalls ehelichen wollen. Ihr Vater möchte von der Eheschließung seiner Tochter nichts wissen. Er hat noch eine weitere Tochter, Katharina. Sie ist die ältere von beiden. Sie will er zuerst unter die Haube bringen. Das aber ist nicht einfach, denn Katharina (Elisabeth Taylor) ist widerspenstig. Sie möchte nicht heiraten und bekommt Tobsuchtsanfälle, sobald man sie diesbezüglich behelligt. Plötzlich taucht Petruchio (Richard Burton) auf, der eine Frau mit reicher Mitgift sucht und dafür auch Widerspenstigkeiten in Kauf nimmt. Er möchte Katharina für sich gewinnen und sie mit List gefügig machen. Welche Methoden er dabei anwendet, kann sich der geneigte Zuschauer im Film ansehen...

Inhaltlich ist Shakespeares Komödie aus heutiger Sicht natürlich fragwürdig, da in ihr vordergründig die Unterwerfung der Frau gefeiert wird. Man muss schon genau hinsehen und das Stück aus der Zeit heraus interpretieren, bevor man zu urteilen beginnt. Schließlich kommt man zum Ergebnis, dass diese Komödie durch großen Sprachwitz brilliert.

Der Film wurde an den Originalschauplätzen, mit Originaltexten und prächtigen Kostümen aus der Renaissance - Zeit gedreht. Es macht Spaß die völlig echauffierte, glutäugige Liz Taylor über die Leinwand fegen zu sehen. Die Lacher Burtons sind unnachahmlich. In der Unterwerfungsszene am Ende des Films bleibt Taylors Blick spöttisch. Damit gelingt es ihr den Zähmungsakt subtil zu persiflieren. Im Grunde hat sie bloß ihrem Mann geholfen eine Wette zu gewinnen und dadurch klug die Haushaltkasse aufgebessert. Ganz wunderbar!

Ein toller Film.

Die Ton- und Bildqualität sind bestens.

Rezension:La Vie en Rose (DVD)

2010-08-21T23:43:00.000-07:00

In diesem schönen, aber sehr traurigen Film wird das Leben der Sängerin Edith Piaf (Marion Cotilard) dargestellt. Gezeigt wird deren Kindheit in bitterster Not. Piaf wächst in einem Bordell auf und zieht später mit ihrem Vater, einem Artisten, durch die Straßen von Paris, wo er seine Kunststücke vorführt. Bittend hält das Mädchen den Hut auf. Das Komödiantenkind beginnt auf besagten Straßen zu singen. Die Stimme dieser kleinen Person ist unglaublich stark, voller Kraft, vielleicht, weil sie sich durch schlimmstes Milieu durchboxen musste.

Während des gesamten Films werden Ihre Chansons gespielt. Das ist übrigens sehr beeindruckend. Von der Straße holt sie Louis Leplee (Gerard Depardieu). Sie debütiert in einer Revue von Maurice Chevalier. Zu diesem Zeitpunkt spricht sie noch die Sprache der Gosse und wirkt extrem unbürgerlich. Ihr "Legionär" öffnet die Herzen der Zuhörer und ebnet den Weg zum Erfolg. Sie verändert ihr Äußeres, auch das ist im Film hervorragend dargestellt. Nun wirkt sie sehr attraktiv, ihr Habitus aber lässt erkennen, dass sie unendlich zerrissen ist. Bei Bühnenauftritten ist sie stets sehr aufgeregt, exzentrisch. Der Tross um sie herum muss sie oft wie ein Kind beruhigen.

Piaf wird im Film tatsächlich ein bisschen wie ein Kind, das man beschützen muss, gezeigt und so kommt man in der filmischen Darstellung der Realität ganz nahe. Es geht nicht um ihre Kleinwüchsigkeit, sondern um die Fehlentwicklungen in ihrer Persönlichkeit, aufgrund ihrer schrecklichen Kindheit. Diese Frau hatte keine Gelegenheit zu reifen. Genau das wird im Film herausgearbeitet. Die Sängerin liebt die Liebe. Das macht die Piaf ungeheuer sympathisch und sie ist verzweifelt als ihre große Liebe, ein verheirateter Boxer, bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kommt.

Ihr bleibt die Musik und sie verausgabt sich beim Singen immer mehr. Ihre gewaltige, tragisch angehauchte Stimme begeistert ihre Zuhörer mit Liedern wie "La vie en rose" oder "Mylord". Piaf gönnt sich keine Ruhe, pumpt sich geradezu selbstmörderisch körperlich aus und stirbt früh. Zwischen den einzelnen Filmsequenzen wird immer wieder das frühe Ende der Sängerin eingeblendet. Sie wurde nur 48 Jahre alt! Das Leben auf der Straße in frühster Kindheit hatte Rheuma zur Folge. Im Film wirkt Edith Piaf zum Schluss wie eine Greisin. Ihre Lieder sind für die Ewigkeit. Sie sind und bleiben der musikalische Ausdruck der Stadt der Liebe. Diese Chansons sind gewissermaßen das Synonym für Paris.

Die Bild- und die Tonqualität sind bestens.

Empfehlenswert.

Rezension:Ein süßer Fratz (DVD)

2010-08-19T03:20:00.001-07:00

Audrey Hepburn spielt in diesem Film zunächst die Rolle einer jungen, sehr nachdenklichen Buchhändlerin, die davon überzeugt ist, dass es der Menschheit besser ginge, wenn sie einander mit mehr Empathie begegnen würden. Besagte Buchhändlerin verehrt einen französischen Philosophen, der sich mit der Fähigkeit sich in die Gedanken, Gefühle und Bedürfnisse anderer Menschen einzufühlen wissenschaftlich auseinandersetzt und davon überzeugt ist, dass nur empathische Interaktionen zu friedlichem Zusammenleben führen können.

Die junge Frau träumt davon in Paris Vorlesungen von dem von ihr verehrten Professor zu besuchen. Sie ahnt nicht wie bald sich ihr dazu eine Chance bieten soll. Die Chefin einer großen amerikanischen Modezeitschrift sucht nämlich nach einem neuen Modell, das sowohl hübsch als auch intelligent ist. Dieses Modell soll "Kleider für die Frau, die für Kleider kein Interesse hat" durch ihre besondere Ausstrahlung vorführen und dadurch optisch anpreisen.

Durch Zufall entdeckt der Modefotograf (Fred Astaire) des Hochglanzblattes in einer Buchhandlung diese junge Frau, die allerdings zunächst keine Ambitionen hat Modell zu werden. Für Äußerlichkeiten hat sie wenig Sinn. Erst als man ihr die Möglichkeit eröffnet auf diese Weise bald nach Paris zu gelangen, um für den Modeschöpfers Paul Duval zu modeln, akzeptiert sie. Während der Fotograf und die Chefredakteurin Duval bei Laune halten, vergnügt sich die entwischte Buchhändlerin in Pariser existentialistischen Jazz-Clubs.

Dort tanzt sie nach Klängen Gershwins und redet mit Franzosen über ihr intellektuelles Anliegen. Während der Außenaufnahmen in Paris verliebt sich der Modefotograf in sein apartes Modell, die die neue "Quality-Frau", - eine schöne Frau von Geist, Charakter und Intelligenz - überzeugend verkörpert.

Doch da taucht unerwartet der charmante Philosophieprofessor auf der Bildfläche auf und sorgt für Unruhe....

Ein sehr amüsanter Film mit niveauvollen Dialogen und vielen Tanzeinlagen von Astaire und Hepburn. Beide schweben wie Federn über die Tanzfläche. Ein ganz ungemein ästhetischer Anblick. Wunderschöne Aufnahmen von Paris und ebensolch schöne Bilder von der jungen Hepburn erfreuen das Auge. Ihr hübsches Gesicht ist sehr ausdrucksstark und strahlt unendliche Wärme und Güte aus. An ihrer Seite ist Fred Astaire das ideale Pendant. Auch er hat diese feine, sensible, herzliche Ausstrahlung. Es macht Freude dieses Paar miteinander tanzen zu sehen. Ein wohltuend, harmonischer Eindruck.

Die Ton- und die Bildqualität sind hervorragend.

Rezension:Fellinis Casanova (DVD)

2010-08-18T02:58:00.000-07:00

Wer war Casanova?

Der in Venedig geborene Schriftsteller und Abenteuer Giacomo Casanova (1725-1798) führte nach seinem Theologie- und Jurastudium in Padua ein Wanderleben, bereiste als Diplomat ganz Europa und stand in Verbindung mit vielen bedeutenden Persönlichkeiten, wie Voltaire und Friedrich dem Großen. Er wurde 1755 in Venedig wegen Atheismus eingekerkert aber es gelang ihm die Flucht aus den Bleikammern. Ab 1785 war er Bibliothekar des Grafen Waldstein auf Schloss Dux in Böhmen. Dort schrieb er seine sechsbändigen Memoiren in französischer Sprache. "Histoire de ma vie". Die Memoiren gehören zu den kulturgeschichtlich bedeutendsten Quellenwerken des 18. Jahrhunderts, nicht zuletzt weil Casanova ein ausgezeichneter Beobachter und Menschenkenner war und großes Erzähltalent besaß. Er hinterließ neben einem utopischen Roman auch historische, mathematische und satirische Schriften. Legendär war er als galanter Liebhaber in der galanten Zeit des Rokoko.

Wie kein zweiter vermochte er Frauen zu amüsieren und sie durch seinen unnachahmlichen Charme zu verführen.

Der Regisseur Fellini verfremdet die Figur des Frauenverführers aus Venedig im vorliegenden Film in einer Weise, dass von ihm am Ende nur noch die Karikatur eines überanstrengten Rammlers übrig bleibt.
Casanovas Bemühungen als Intellektueller beachtet zu werden fruchten nicht. Meines Erachtens ist es nicht Fellinis Absicht Casanova (Donald Sutherland) auf die Rolle eines Sexbesessenen festzulegen, sondern er möchte zeigen, dass viele Leute in den letzten Jahrhunderten bloß ihre Wünsche auf ihn projizierten und am Ende der Name dieses Mannes gleichbedeutend war mit dem eines Zuchtbullen. Mit dieser Vorstellung räumt Fellini auf und amüsiert sich auf Kosten dieses Urbildes des "Latin Lovers".

Man sieht Casanova beim fiktiven Beischlaf, sich ewig abmühend und beinahe kollabierend pausenlos "amore, amore" röcheln. Man kann ihn dabei beobachten, wie er eine nackte Riesin beim Baden in der Wanne beäugt. Die Riesin singt ein trauriges Volkslied. Zwei Liliputaner baden mit ihr in besagter Wanne und bestaunen während ihres schrillen Gesangs ihre gewaltigen, nackten Brüste. Casanova ist überwältigt von dieser Über-Mutter, durch die sexuelle Wünsche bei ihm freilich mental außer Kraft gesetzt werden.

Er nimmt in diesem Film an einem Wettkampf teil, wo es darum geht festzustellen, wer die stärkste Promiskuität besitzt. Er schafft es auf sieben Orgasmen, nachdem er zuvor unzählige rohe Eier verspeist hat. Die Frau, an der er sich abturnt, zeigt allerdings keinerlei Regung. Ein solcher Liebhaber ist alles andere als begehrenswert. Für Casanova sind die Frauen ein Mysterium. Er findet generell keinen emotionalen Zugang zu ihnen. Ihm bleibt immer nur die Penetration. So treibt ihn die Sehnsucht von einer Frau zur nächsten. Fellinis Casanova ist ein armer, unter sexuellem Leistungsdruck stehender Teufel, den man als Frau nicht Ernst nehmen kann.

Das hier visualisierte Rokoko- Zeitalter ist an Verkünstelung nicht zu überbieten. Die Kostüme und die Raumausstattung sind mehr als nur beachtlich. Der gesamte Film erscheint wie ein Bühnenstück. Eine Reihe von Requisiten wird als darstellerisches Surrogat eingesetzt. Die Musik ist gewöhnungsbedürftig, aber sie passt zu dieser surrealen Inszenierung.

Ich habe bereits diverse Casanova-Verfilmungen gesehen. Die witzigste war jene, die den alternden Casanova zum Thema hat, von Delon hervorragend gemimt. Optisch kommt Donald Sutherland Casanova am nächsten. Er spielt die komplizierte Filmrolle wirklich exzellent.

Als sexuelle Frauenfantasie kann Fellinis Casanova nicht herhalten. Von einem solchen Mann kann man nicht träumen. Das ist ganz unmöglich.

Rezension: Der Löwe im Winter

2010-08-16T00:35:00.000-07:00

Während meines letzten Aufenthaltes an der Loire besuchte ich das Kloster Fontevraud. Dort sind die Leichname von Eleonore von Aquitanien und von ihrem Gatten Heinrich II bestattet, auch ihre Nachkommen Richard Löwenherz und Isabelle d` Angoulem haben hier ihre letzte Ruhe gefunden. Auf der Grabstatue von Eleonore von Aquitanien ist die einstige Königin von Frankreich dann von England mit einem Buch abgebildet. Die bildschöne Aquitanierin war, wie man der Biographie von Regine Pernoud entnehmen kann, eine Intellektuelle.

Die beiden Hauptdarsteller des vorliegenden, mit 3 Oscars gekrönten Films sind König Henry II (Peter O`Toole) und seine Gemahlin Eleonore(Katherine Hepburn). Die Filmhandlung spielt 1183 auf Schloss Chinon.

Schloss Chinon (Indre et Loire) war einst eine königliche Residenz Henry II. Zum besseren Verständnis des Film einige Informationen zu den beiden Hauptdarstellern:

Eleonore von Aquitanien (1122- 1204) war die Erbtochter Wilhelm X des Herzogs von Aquitanien und ist als Königin der Troubadoure in die Geschichte eingegangen, nicht zuletzt, weil sie bereits am Hofe ihres Vaters den Minnegesang förderte und auch während ihrer glänzenden Hofhaltung als englische Königin die Troubardourpoesie Musik- und Kunstinteressierten weitervermittelte.

1137 wurde sie mit König Ludwig VII von Frankreich vermählt. Eleonore galt als sinnlich und graziös, ihr Ehemann als fromm und plump. Die schöne Eleonore ertrug das Leben mit dem "königlichen Schreiber" 15 Jahre lang. Während des zweiten Kreuzzuges, auf dem sie ihn begleitete, teilte sie in Antiochos ihren Entschluss mit, sich scheiden zu lassen. "Ich glaubte einen Mann zu heiraten und keinen Mönch."

Vom Orient betört (zweifelsohne auch von einem schönen Christen, ihrem Onkel Raimond von Poitiers und einem hübschen Mohammedaner, dem Höfling Saladin) dachte sie daran sich dort niederzulassen, aber Ludwig VII war keineswegs gewillt auf diese Frau und deren Mitgift Aquitanien zu verzichten. Er entführte sie mit Gewalt aus Antiochos und fuhr mit ihr an die Ufer der Seine zurück. Es half nichts. Nachdem das Konzil von Beaugency bei den Eheleuten Blutsverwandtschaft sechsten Grades festgestellt hatte, annullierte es am Palmsonntag des Jahre 1152 die Ehe von Eleonore und Ludwig. Aquitanien ging an die einstige Besitzerin zurück. Zu diesem Zeitpunkt hatte sie sich bereits in Heinrich Plantagenet, Graf von Anjou, Herzog der Normandie verliebt, heiratete ihn zwei Monate später und schenkte ihm Aquitanien. Ab 1154 herrschten Heinrich II (1154-1189) und Eleonore über England. Ihr Reich erstreckte sich von Schottland bis zu dem Pyrenäen. Während ihr Mann in den nördlichen Marken Krieg führte, verwaltete Eleonore Aquitanien allein.

Zu jener Zeit lebte sie prunkvoll abwechselnd in Poitiers, Niort und Bordeaux, umgeben von hübschen Damen und galanten, redegewandten Herren. Sie beschützte die Troubadoure und Gelehrten, erfand "Kurse der Liebe" und reagierte flink bei geistvollen Spielen, verachtete darum aber keineswegs die Freuden des Körpers. Sie war Künstlerin und Liebende und betrachtete sich als Beschützerin öffentlicher Belange. Die Herzogin Eleonore urteilte, erließ Gesetze unterstützte Kommunalbewegungen, es heißt sogar sie habe ein Gesetzbuch für die Seeschifffahrt verfasst. Ihre mütterliche Leidenschaft wurde ihr zum Verhängnis. Da sie den Aufstand ihrer Söhne Heinrich, Richard und Geoffroy gegen ihren Vater unterstütze, ließ Henry sie auf Schloss Salisbury gefangen setzen. Zum Zeitpunkt der Filmhandlung blickte sie bereits auf 10 Jahre Gefangenschaft zurück.....

Zu Anfang des Films werden zunächst die Söhne Richard, Geoffroy und John vorgestellt, der Erstgeborene Sohn Henry ist bereits verstorben. Henry II möchte, dass sein jüngster Sohn König wird, obschon dieser nicht die Fähigkeiten dazu besitzt. Er hinterlässt einen geradezu debilen Eindruck. Geoffroy ist intelligent aber furchtbar intrigant. Richard (Antony Hopkins), der wohl Fähigste von allen, ist voller Hass auf seinen Vater. Alle drei Söhne möchten König werden, misstrauen einander und befeinden sich unterschwellig ständig, weil jeder den Ambitionen des anderen im Wege steht.

Henry hält anlässlich des Weihnachtsfestes auf Chinon Hof. Er befindet sich mit seiner jungen Geliebten Alais (sie ist die Schwester des französischen Königs Philipp II (Timothy Dalton) - Sohn des einstigen Gatten Eleonores aus zweiter Ehe) bereits vor Ort. Eleonore kommt wie jedes Jahr aus Salisbury angereist, bewacht von Henrys Soldaten. Zwischen Henry und ihr findet ein zweistündiger verbaler Schlagaustausch statt, den ich auf diesem Niveau bislang nur in "Wer hat Angst vor Virginia Woolf " kennen gelernt habe.

Gestritten wird um das Erbe, gezankt wird darum, wer König werden soll. Beide Elternteile haben unterschiedliche Favoriten...., doch es geht noch um mehr. Es geht auch um verletzte Eitelkeiten und Eifersucht und um grenzenlosen Hass. Eleonore kann Henry nicht verzeihen, dass er sie mit anderen Frauen betrogen hat, obschon auch sie keine Heilige war. Auch Henry reagiert alles andere als unemotional wegen der einstigen Liebhaber Eleonores. Das Ehepaar galt einst als das Liebespaar Europas. Alle Biographen schreiben von der enormen erotischen Anziehung der beiden zueinander innerhalb der ersten Ehejahre.

Nun weiß man, dass aus wirklich leidenschaftlichen Liebesbeziehungen, wenn sie enden, keine Freundschaften werden können und so ist zwischen Eleonore und Henry nach ihrer Trennung ein Machtkampf ausgebrochen. Sie benutzen ihre Kinder, um diesen Kampf miteinander auszutragen. Ihre Kinder sind Mittel nur zu einem einzigen Zweck: sich gegenseitig weh zu tun. Alle drei Söhne haben extreme Persönlichkeitsdefizite, aufgrund ihrer lieblosen Erziehung, alle drei Söhne hassen ihre Eltern, die am liebsten ewig leben würden, wie die beiden bekunden. Sie missgönnen ihren Kindern das, was sie in ihrem Leben zuhauf genossen haben....

Die Kulissen des 1968 gedrehten "Der Löwe im Winter" sind ebenso hervorragend wie die Kostüme. Besser hätte man das Mittelalter nicht visualisieren können. Die Musik ist ein Ohrwurm und fügt sich sehr gut in das Gesamtkonzept.

Der Film von Antony Harvey basiert übrigens auf dem Theaterstück von James Goldmann und setzt hohe Konzentration voraus. Die Texte sind sehr niveauvoll, hintergründig und werden schnell gesprochen.
Im Kapitel "Damals" werden Bilder aus der Vergangenheit heraufbeschworen, die dem Zuschauer, der die Geschichte der beiden nicht kennt, Hintergrundinformationen liefern, um die Zusammenhänge besser zu begreifen. Ich habe mir erlaubt diese Infos meiner Rezension voranzustellen, weil dadurch der Filmgenuss vergrößert wird.

Katharine Hepburn und Peter O `Toole spielen göttlich. Neben "Wer hat Angst vor Virginia Woolf" ist dies der beste Film, den ich bislang in meinem Leben gesehen habe. Die Dialoge sind spitzzüngig, hochintelligent und dabei voller Esprit. Die beiden Ausnahme-Schauspieler Hepburn und O`Toole besitzen das Format, um die Texte auf den Punkt genau sprachlich und mimisch umzusetzen. Die Leinwand ist hier zur Theaterbühne geworden.

Die Ton- und Bildqualität sind bestens.

Sehr empfehlenswert

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Rezension:Ludwig II. (DVD)

2010-08-15T13:21:00.000-07:00

Der vorliegende Film von Luchino Visconti befasst sich mit dem Leben des Bayernkönigs Ludwig II (1845-1886). Er thematisiert seine Beziehung zu Kaiserin Elisabeth von Österreich (Romy Schneider) und verzichtet erfreulicherweise bei der Darstellung besagter "Sissi" auf die Kitschfacetten, der nach ihr benannten Filme aus den 50er Jahren. Stattdessen zeigt Visconti die Frau so, wie man sie aus Geschichtsbüchern kennt.

Zwischen ihr und Ludwig bestand eine Art Seelenverwandtschaft. Das Ausloten dieser Nähe durchzieht weite Strecken des Films. Ausgiebig wird Ludwigs mentale Abhängigkeit zu Richard Wagner (Trevor Howard) dargestellt, dessen Mäzen er war, den er wie einen Halbgott verehrte und in dessen Traumwelten er sich flüchtete. Der Film ist zum großen Teil mit Wagners Musik untermalt.

Ludwig II war schön, wie Gemälde dokumentieren. Helmut Berger ist insofern eine sehr gute Besetzung für die Rolle. Gezeigt werden Ludwigs hohe Sensibilität aber auch seine Exzentrik, seine innere Zerrissenheit, seine mentale Schwäche und seine Unfähigkeit sein Land vernünftig zu regieren. Ludwig II galt schon zu Lebzeiten als Märchenkönig, der primär in seinen Traumwelten lebte. Sein Volk liebte ihn offenbar trotz seiner Verschwendungssucht. Das Volk liebte den Mythos, scheint diesen Mythos immer noch zu lieben, wenn man den Gesprächen der "Touris" während der Besichtungen seiner Schlösser aufmerksam zuhört.

Der Errichtung der Schlösser Linderhof, Chiemsee und Neuschwanstein ist ein großes Thema im Film. In diesem Zusammenhang wird auch immer wieder auf den Zwist mit der Regierung hingewiesen, die der Verschwendung von Staatsgeldern Einhalt gebieten wollte. Als Bayern in das Deutsche Reich eintritt, fließen schließlich Gelder aus Preußen, die es Ludwig ermöglichen den Bau seiner kostspieligen Schlösser voranzutreiben. Ludwigs Minister sind von seinen Projekten alles andere als begeistert und wenden sich gegen ihn.

Die geplante Ehe mit Sophie von Bayern (sie ist eine Schwester Sissis) kommt nicht zustande. Ludwig ist homosexuell und weigert sich ein Doppelleben zu führen. Mit seinen Dienern, die offenbar auch als seine Liebhaber fungierten, zieht er sich nach Linderhof zurück. Visconti visualisiert auch Männerabende der besonderen Art und die Ergebenheit der Diener. Zum Ende seines Lebens verfällt Ludwig in geistige Umnachtung und wird nach Schloss Berg an den Starnberger See gebracht. Dort findet er gemeinsam mit seinem Psychiater J.B.A. Gudden den Tod im See. Diese wie viele andere Szenen des Films sind betont surreal dargestellt.

Bergers Maskenbildner hat den optischen Verfall des Königs plastisch sehr gut visualisiert. Berger mimt die Stadien der Verwirrung überzeugend. Die sehr schöne Außenaufnahmen, auch die nächtlichen Kutschfahrten und die prachtvollen Bilder der Innenausstattung der Königsschlösser verdeutlichen die Traumwelten Ludwigs, eines Menschen, der das Schöne um jeden Preis liebte und darüber die Welt vergaß. Ein großes Kind mit bunten Träumen.

Die Dialoge sind sehr subtil. Berger, aber auch Schauspieler wie Gerd Fröbe, Helmut Griem, Trevor Howard und natürlich Romy Schneider spielen ihre Rollen überzeugend. Ich verfüge seit einigen Jahren über diese DVD. Die Bild- und Tonqualität sind bestens.
Empfehlenswert.

Rezension : Stauffenberg

2010-08-14T14:44:00.000-07:00

1976 habe ich in Darmstadt Abitur gemacht. In diesem Jahr schrieb ich eine Jahresarbeit über den Widerstand in der NS-Zeit. Die Buchhandlungen vertrieben damals nur wenig Literatur zur Sache. Erst ganz allmählich begann man das Thema gründlich zu erforschen. Seit jenen Tagen ließ mich die Frage nicht mehr los, wodurch sich Menschen, die aktiv - unter Einsatz ihres Lebens - Widerstand gegen Terror-Regimes leisten, von anderen Menschen unterscheiden? Sind sie einfach nur mutiger? Nehmen sie die ethischen Grundwerte ernster? Sind sie weniger vorteilsbezogen?

Gibt es Ähnlichkeiten in der Persönlichkeitsstruktur einer Sophie Scholl, eines Georg Elser und eines Mannes wie Claus Schenk Graf von Stauffenberg sowie all den anderen Helden humanitärer Gesinnung irgendwo auf dieser Welt gestern und heute?

Wenn es Ähnlichkeiten gibt, dann gilt es genau diese zu kultivieren, weil sie ein Garant dafür sind, dass sich Unrecht und Terror dauerhaft nirgendwo etablieren können. Solange es Menschen gibt, die sich in Terror - Regimes weder aus Angst noch des eigenen Vorteils wegen wegducken, sondern aktiv dem Unrecht widersetzen, hat das Böse langfristig keine Chance diese Welt zu dominieren. Der vorliegende Film sollte neben dem Film über Sophie Scholl in jedem Haushalt vorhanden sein und natürlich an Schulen gezeigt und diskutiert werden. Bilder übermitteln mitunter mehr als Worte.

Worum geht es im Film?

Der Offizier und Widerstandskämpfer Claus Schenk Graf von Stauffenberg (1907-1944), im Film dargestellt von Sebastian Koch, führte am 20. Juli 1944 ein Attentat gegen den Verbrecher an der Menschheit Adolf Hitler in dessen Hauptquartier in Rastenburg aus, das leider scheiterte. Die mentale Entwicklung Stauffenbergs hin zur Bereitschaft selbst unter Einsatz seines Lebens Widerstand gegen den Verbrecher und seine Schergen zu leisten, das Attentat selbst und dessen verheerende Folgen für die Widerstandkämpfer sind das Thema dieses hervorragenden Films.

Anfangs ein Anhänger Hitlers und des Nationalsozialismus kam Stauffenberg zur Erkenntnis "Wir haben uns vor Gott und unserem Gewissen geprüft, es muss geschehen, denn dieser Mann ist das Böse an sich." 1943, nach einer schweren Verwundung in Afrika, bei der er das linke Auge, die ganze rechte Hand und zwei Finger der linken verloren hatte, rückt er - wie der Film deutlich macht-, sehr schnell in das Zentrum der Widerstandsbewegung vor und drängte immer entschiedener zur Tat. Nach zweimaliger Verschiebung gelingt es ihm am 20.Juli 1944 die Bombe im Führerhauptquartier einzuschmuggeln, um mit der Beseitigung Hitlers die erste Voraussetzung für den Umsturzplan zu schaffen.

Stauffenberg kehrt sofort nach Berlin zurück, weil er dort für den weiteren Ablauf des Unternehmens unentbehrlich ist. Dort wird er nach dem Zusammenbruch der Aktion im Hof der Bendlerstrasse standrechtlich erschossen.

Der Film zeigt Stauffenberg im Kreise seiner Familie als liebenden Gatten sowie guten Vater und er zeigt ihn als nachdenklichen Offizier, der dem sinnlosen Blutvergießen und den Verbrechen der Nazis ein Ende bereiten möchte. Er weiß, dass dies nur möglich ist, wenn man den Tyrannen Hitler tötet. Immer wieder fällt im Kreise hoher Militärs der Begriff "Führer". Selbst wenn sie mit Hitler telefonieren schlagen die nicht selten adeligen Offiziere die Hacken zusammen. Selbst die bestausgebildeten Männer unterwerfen sich diesem bösartigen Versager und huldigen ihm als "Führer". Stauffenberg und die vielen anderen Offiziere bereiteten das Attentat gemeinsam vor, wissend, dass jeder weitere Kriegstag weitere Menschenleben kosten wird.

Ergreifend, die Darstellung der letzten Minuten von Generaloberst Ludwig Beck. Er war einer der führenden Köpfe bei den Vorbereitungen für die Umsturzpläne und galt allgemein als das anerkannte Haupt der Verschwörung. In der Zentrale des Reichskriegsministeriums gab ihm sein Gegenspieler Generaloberst Fromm nach dem Scheitern des Befreiungsversuchs Gelegenheit zum Selbstmord. Der Mangel an Empathie seitens Fromm und anderen Nazis als Becks Kopfschuss nicht sogleich zum Tode führte, spricht Bände und zeigt die ganze Brutalität und Kälte der braunen Brut.

Dieser Film dokumentiert, dass selbst in den allerschlimmsten Terror- Regimes mutige Menschen sich in erster Linie ihrem Gewissen verpflichtet fühlen und sie weder Vorteilsdenken, noch Angst davon abhalten können diesem Gewissen zu folgen.

Glänzende schauspielerische Leistungen von Sebastian Koch, Ulrich Tukur, Hardy Krüger jr., Christopher Buchholz, Nina Kunzendorf und Axel Milberg.

Empfehlenswert.

Rezension:Fahrenheit 451 (DVD)

2010-08-13T03:42:00.000-07:00

Die legendäre Verfilmung von Ray Bradburys Roman "Fahrenheit 451" habe ich vor 30 Jahren das erste Mal gesehen und war damals sehr beeindruckt von der behandelten Thematik. Als ich mir gestern Abend den Film erneut ansah, haben mich Truffauts surreale visuelle Darstellungen besonders fasziniert. Die Filmhandlung hat an Aktualität in all der Zeit nichts verloren. Sie bleibt die ungehörte Mahnung: Bedenke, was geschehen kann, wenn man einer Gesellschaft die individuelle Denkfähigkeit nimmt.

Die Protagonisten leben unter einem politischen System, in welchem man den Bürgern das intellektuelle Denkvermögen rauben möchte, um sie auf diese Weise besser manipulieren zu können. Intellektuelle Texte zu studieren ist verboten, stattdessen erfreuen sich die Menschen am interaktiven, staatlich gelenkten Fernsehen. Die dort agierenden Moderatoren werden als Mitglieder der eigenen Familie begriffen. Je mehr sich die Menschen berieseln lassen, desto unkonzentrierter werden sie. Ihr Gehirn ist untrainiert, hat Erinnerungslücken und lässt schon bei jungen Menschen auf Alzheimer schließen. Die entindividualisierte Welt ist nur noch mit Anregungspillen zu ertragen.

Guy Montag (Oskar Werner) ist Feuerwehrmann in diesem totalitären Regime. Seine Aufgabe besteht darin Bücher zu verbrennen, weil die Gemeinschaft laut herrschender Ideologie nur dann glücklich ist, wenn sie nicht denkt. Bücher stellen eine Gefahr dar, weil sie sich negativ auf die allgemeine Verblödung auswirken. Zunächst systemtreu, spürt Montag Bücher auf und findet Freude an deren Vernichtung, bis er durch eine junge Lehrerin (gespielt von Julie Christie- sie spielt im Film übrigens eine Doppelrolle) motiviert, sich für den Inhalt der Bücher zu interessieren beginnt. Jetzt liest er heimlich.

Montags Ehefrau (ebenfalls dargestellt durch Julie Christie) ist völlig unreflektiert und der schönen Fernsehwelt ergeben. Als Montag aufgrund eines fürchterlichen Ereignisses- eine alte Dame verbrennt vor seinen Augen mit ihrer kostbaren Bibliothek- sich von dem System, in dem er lebt, völlig distanziert, denunziert ihn seine angepasste Frau wegen der verbotenen Bücher im Haus.

Nun beginnt die Hatz auf den Abtrünnigen, welcher er sich glücklicherweise entziehen kann, indem er sich flüchtend in ein einsames Waldgebiet durchschlägt. Dort leben die entrechteten "Büchermenschen". Diese lernen den Inhalt eines Buches auswendig um das Geistvolle in geistloser Zeit zu retten. Auch Montag wird zu einem lebenden Buch, wohl wissend, das hinter jedem Buch ein Mensch steht, dem man den nötigen Respekt zollen sollte.

Machtmenschen aller Zeiten wussten und wissen, dass sich Personen besser steuern lassen, wenn man sie dumm hält, die Gebildeten und Klugen korrumpiert oder sie vernichtet, um so mittelfristig ihr perfides System zu manifestieren. Bislang allerdings sind Systeme, denen die kritisch intellektuellen Köpfe fehlen, früher oder später alle untergegangen. Dem Himmel sei gedankt.

Am Beispiel der von Julie Christie dargestellten Frauen wird gezeigt, dass es immer auf das persönliche Umfeld ankommt, wie sich ein Mensch entwickelt und dass besonders die Intellektuellen angehalten sind Terrorregime zu verhindern. Sie haben aufgrund ihrer Fähigkeiten eine nicht hinweg diskutierbare Verantwortung gegenüber geistig weniger begabten Menschen.

Empfehlenswert.

Rezension: John Rabe (DVD)

2010-08-12T13:27:00.000-07:00

Dieser Film befasst sich mit den 1937 tatsächlich geschehenen Ereignissen in Nanking in China. Dort war zu diesem Zeitpunkt John H.D. Rabe (Ulrich Tukur) Geschäftsführer bei der Siemens China Co., einer Tochtergesellschaft des Siemenskonzerns.

Die Japaner greifen die Stadt an und bombadieren das Werk. Rabe gelingt es Menschenleben zu retten, indem er eine riesige Hakenkreuzfahne ausrollt, unter der Chinesen Schutz finden. Die Japaner, die sich mit Nazideutschland in einer Allianz befinden, respektieren diese Fahne und ziehen ab.

Rabe gründet mit anderen gemeinsam eine Schutzzone für die Zivilbevölkerung Nankings und rettet auf diese Weise 200 000 Chinesen das Leben.

Gezeigt werden im Film die Gräueltaten der Japaner, thematisiert werden auch die Vergewaltigungen und Massenexekutionen, die offenbar weltweit zum Kriegsalltag zählen. Japanische Offiziere machen einen Wettstreit daraus, wie viele Kriegsgefangene sie mit dem Säbel auf die Schnelle enthaupten können. Die Brutalität der japanischen Soldaten ist atemberaubend. Im Nachspann des Filmes wird von 300 000 Todesopfern gesprochen.

Gezeigt wird der Alltag eines Arztes (Steve Buscemi), der die Schwerverwundeten versorgt, die Verhandlungsbemühungen eines jüdischen Botschaftsrates (Daniel Brühl) und anderer auf dem Gelände, die sich unter Einsatz ihres eigenen Lebens bemühen, Menschenleben zu retten.

Interessant ist, dass John Rabe - analog zu Schindler - aus dem Nazimilieu kam, aber ähnlich wie dieser seine Mitmenschlichkeit nicht verloren hatte. Beiden ist übrigens gemeinsam, dass sie nach dem Krieg verarmt starben. Mitmenschlichkeit wird selten pekuniär gewürdigt. Dafür gibt es tausend andere Beispiele.

Der Mangel des ansonsten hervorragenden Films besteht darin, dass nicht gezeigt wird, was aus Rabe nach 1938 geworden ist. "Der Gute Deutsche von Nangjing", der in Deutschland auf die Kriegverbrechen der Japaner aufmerksam machte, wurde, wie man Wikipedia entnehmen kann, kurzzeitig von der Gestapo verhaftet. Weitere Veröffentlichungen des Kriegsmaterials wurden ihm untersagt.

Ich finde, dass man dies filmisch unbedingt hätte thematisieren müssen, um klar zu zeigen, dass Mitmenschlichkeit letztlich niemals mit der NS-Ideologie in Einklang zu bringen war. John Rabe war Mitglied der NSDAP. Die Gründe hierfür bleiben im Film im Dunkeln. Tatsache aber ist, dass sein Gesamtverhalten nicht einher ging mit dem menschenverachtenden Wollen und Tun Hitlers und seiner Schergen.

Darf man als Nachgeborener einem Menschen, der 200 000 Menschenleben rettete, seine Mitgliedschaft in der NSDAP vorwerfen? Hüte man sich vor selbstgerechten Urteilen. Man sollte Menschen stets an ihrem Tun messen und nicht an ihren Lippenbekenntnissen. John Rabes Tun spricht eine klare Sprache. Er war ein Menschenfreund.

Sehr gute schauspielerische Leistungen, ebenso gute Dialoge und ein berührendes Handlungsgeschehen.

Rezension:Wilde Erdbeeren

2010-08-11T14:46:00.000-07:00

Der 78 jährige schwedische Professor für Medizin Isak Borg (Victor Sjöström) soll anlässlich des 50. Jahrestages seiner Promotion von der Universität in Luna geehrt werden. Borg ist ein sehr introvertierter Mensch, der sich der Wissenschaft verschrieben hat. Seinen Mitmenschen gegenüber wirkt er unterkühlt und wenig Anteil nehmend.

In einem Albtraum wird er mit seinem eigenen Tod konfrontiert und in darauf folgenden Tagträumen mit den Erlebnissen seiner jungen Jahre. Sein Seelenleben hat sich gemeldet. Auf der Autofahrt nach Luna begleitet ihn seine schöne Schwiegertochter (Ingrid Thulin), die ihm von ihrer schwierigen Ehe berichtet und ihm verdeutlicht, dass seine Kälte, die gesamte Familie krank und sehr unglücklich gemacht habe. Er erinnert sich an seine bereits verstorbene Frau, die aufgrund seiner kühlen Art Zuneigung bei einem anderen Mann suchte.

Er denkt an seinen Sohn, der ihm sehr ähnlich ist und er trifft seine steinalte Mutter, deren Kälte nicht zu überbieten ist. Die mangelnde Empathie wird von Generation zu Generation weitergegeben und macht alle sehr einsam. Durch Mitreisende im Auto wird Borg mit vielen unterschiedlichen Gefühlsexplosionen konfrontiert, die ihm verdeutlichen, dass er bereits gestorben ist.

Borg ist mit diesem Zustand nicht einverstanden und bemüht sich, trotz seines Alters um einen neuen Weg. Es ist der Weg der Nächstenliebe, für die es nicht nur in der Vorstellung des Regisseurs Ingmar Bergmann nie zu spät ist.

Ein künstlerisch sehr beeindruckender Schwarz-Weiß-Film , mit nachdenklichen Dialogen.

Die Ton- und Bildqualität sind zufriedenstellend.

Rezension:Die Borgias (DVD)

2010-08-10T12:58:00.000-07:00

Dieser Film des Regisseurs Antonio Hernández spielt in Rom, zu Beginn des 15. Jahrhundert. Der Spanier Rodrigo Borgia regiert als Papst Alexander VI elf Jahre lang den Kirchenstaat. Gezeigt werden sein Lebensstil und der seiner Kinder. Die Familie lebt zügellos, ihre Politik ist brutal und verschlagen. Rodrigo Borgia hat nur ein Ziel: das Etablieren eines Borgia-Reiches inmitten Italiens. Seinen Sohn Juan macht er zum Führer der Armee, den grausamen Zweitgeborenen Cesare zum Kardinal, seine Tochter Lucrezia nutzt er als Figur auf dem Schachbrett der Politik für immer wieder neue Eheschließungen.

Lukrezia ist ihrem Vater und Bruder tief ergeben und akzeptiert, dass sie einer historischen Familie angehört. Deshalb gibt sie sich immer wieder für die Heiratspläne her. Alle ihre Ehen werden unter dem Gesichtspunkt der Staatsräson geschlossen. Nachdem ihre 1. Ehe annulliert worden ist, muss sie eine Weile im Kloster leben und hat dort eine Affäre mit Pietro Calderon, den Cesare eigenhändig ermordet. Den Mann, den Lukrezia daraufhin heiraten wird und den sie liebt, wird seitens der Borgias ebenfalls kaltblütig getötet. Erst als Gattin des Herzogs von Ferrara kommt sie zur Ruhe und kann fernab von ihren Verwandten ein untadeliges Leben führen.

Das grausame Verhalten Cesares wird im Film intensiv ausgeleuchtet. Aus machtstrategischen Gründen ist ihm jedes Mittel recht, um den Einfluss seiner Familie zu mehren. Achtung vor anderen Menschen kennt er nicht.
Er verkörpert das Ideal des skrupellosen, genussliebenden Renaissancefürsten, wie ihn Machiavelli beschrieben hat. Gezeigt werden die kriegerischen Auseinandersetzungen mit verschiedenen Stadtstaaten, die bacchantischen Feste des Papstes und immer wieder die Abgefeimtheit von Alexander VI und Cesare. Der Vatikan und das Christentum hatten sich nie so weit voneinander entfernt als zu Zeiten der Borgias. In Rom brannten die Feuer. Terror war an der Tagesordnung.

Die packende Filmhandlung entfernt sich selten von der historischen Realität und enthält keine Kitschelemente. Ein Dokumentarfilm ist es allerdings nicht.

Die eindringlichen Bilder werden von ausfeilten Dialogen begleitet, die dem Zuschauer verdeutlichen, welchen Folgen Machtmissbrauch haben kann.

Die Ton- und Bildqualität sind bestens.

Rezension:Die untreue Frau (DVD)

2010-08-08T01:23:00.000-07:00

Die schöne Helene (Stephane Audran) ist mit dem arrivierten Rechtsanwalt Charles verheiratet. Die beiden haben einen gemeinsamen neunjährigen Sohn und leben in einer Villa mit Park außerhalb von Paris in Versaille. Charles ist ein betont unterkühlter Mann mit ausgesprochen verbissenen Gesichtszügen. Die hocherotische Helene wirkt ziemlich gelangweilt an der Seite des drögen Anwalts. Zwar kümmert sie sich rührend um ihren Sohn und dessen schulisches Fortkommen , aber sie scheint unausgefüllt zu sein und hält sich an den Nachmittagen in Paris auf.

Charles wird misstrauisch, will wissen, was sie in Paris unternimmt und beauftragt einen Detektiv. Dieser findet heraus, dass Helene eine Affäre mit dem attraktiven Schriftsteller Victor unterhält. Der Detektiv händigt dem Anwalt ein Foto von Victor aus, den er nicht ohne Grund sofort eifersüchtig als Widersacher empfindet. Charles Lippen werden augenblicklich noch schmaler als sie es ohnehin schon sind. Er fährt nach Paris und sucht dort seinen Rivalen auf. Ihm gegenüber eröffnet er, dass er mit Helene in offener Ehe lebt und dass seine Frau ihm selbstverständlich von der Liebschaft berichtet hat.

Victor ist überrascht, zeitgleich aber auch beruhigt, weil er bislang Bedenken hatte, wegen Helenes Ehe. Er berichtet Charles, dass die Beziehung zu Helene rein sexuell und er besonders von ihrer Anschmiegsamkeit angetan sei. Als der hocheifersüchtige, gehörnte Ehemann dies hört, erschlägt er den arglosen Liebhaber Helenes im Affekt und beseitigt daraufhin die Leiche unverzüglich, indem er sie in einem See versenkt. Zuvor allerdings hat er noch geistesgegenwärtig alle Fingerabdrücke in der Wohnung entfernt. Trotz seiner Erregung arbeitet sein Kopf präzise, sodass es schwer fällt die Affekthandlung als solche zu erkennen. Wie auch immer, die Spuren und die Leiche sind offensichtlich weg. Nichts scheint mehr auf den Täter hinzuweisen.
Der Anwalt kehrt in seine Villa zurück, wo alsbald die Polizei auftaucht, um Helene zu befragen. Mittlerweile sucht man Victor und hat in seinem Adressbuch Helenes Telefonnummer gefunden.

Helene gibt vor den Schriftsteller nur flüchtig zu kennen. Die Polizisten geben sich mit der Antwort zufrieden.
Kurz darauf entdeckt die Untreue in einer Schublade das Foto ihres Liebhabers, welches der Detektiv Charles gegeben hatte und weiß nun, dass ihr Gatte ihr Nachmittagsvergnügen auf dem Gewissen hat. Diese Erkenntnis spricht sie jedoch nicht aus. Man sieht sie allenfalls in ihren Augen. Entschlossen verbrennt sie das Bild und beseitigt somit das möglicherweise letzte Indiz. Charles und Helene versichern sich ihre Zuneigung, reden aber kein Wort von den Geschehnissen. Man spürt das gegenseitige Einverständnis, aufgrund der ausgetauschten Blicke. Im gleichen Moment erscheint die Polizei am Eingangstor. Wird sie mit neuen Beweisen aufwarten können?

Wie alle Filme von Chabrol, ist auch dieser psychologisch sehr vielschichtig. Es handelt sich meines Erachtens um eine Milieustudie. Das bourgeoise Zusammenhörigkeitsgefühl der Eheleute ersetzt letztlich die Liebe zwischen ihnen und macht sie auf diese Weise zu Verbündeten. Der Schriftsteller Victor war bedeutungslos. Man muss kein Wort mehr über ihn verlieren.

Empfehlenswert.

Rezension:Tschaikowski - Der Film (+ Audio-CD) (DVD)

2010-08-07T04:29:00.000-07:00

"Tschaikowski", ein Film des Regisseurs Igor Talankin aus dem Jahre 1968-1970 , der besonders die letzten 20 Lebensjahre des Komponisten beleuchtet, hat es sich zur Aufgabe gemacht die Seele des begnadeten Musikers in den Mittelpunkt zu stellen. Ein solches Unterfangen ist weniger durch die bunte Betrachtung des äußerlichen Lebens Tschaikowskis möglich, sondern wohl eher in dem man zeigt, wie dieser Mensch sein tiefstes Ich in seine Stücke hat einfließen lassen. Das hat der Regisseur erkannt und deshalb ist dieser Film vor allem Musik.

Wer große Gesten sucht ist mit Zarah Leanders "Es war eine rauschende Ballnacht" besser bedient. Der Regisseur stochert nicht perfid in Tschaikowskis Privatleben herum, macht seine Homosexualität nicht voyeuristisch zum Thema, sondern zeigt seine Qual, seine Sensibilität und seine latent neurotischen Anwandlungen, die sein Arbeiten begleiten, es vielleicht sogar bedingen. Zu Filmbeginn wird kurz auf seine enge Beziehung zu seiner Mutter hingewiesen. Seine Freundschaft zu dem geselligen, lebenstüchtigen Pianovirtuosen Nikolaj Rubinstein wird breit thematisiert. In dessen Haus lebt Tschaikowski und komponiert. Der Freund kümmert sich fast überfürsorglich um den introvertierten Tschaikowski, dessen Beziehungen zu Frauen nur knapp angedeutet werden. Er wurde durch seine Beziehungen mit Frauen nicht glücklich. Die Ehe mit Antonia Miljukowa ist ein Reinfall. Die beiden bleiben sich fremd.

Die einzig innige Beziehung in seinem Leben ist die zu der sehr begüterten Witwe Nadescha von Meck, zu der er 13 Jahre eine intensive Brieffreundschaft unterhält. Sie ist mehr als nur bloße Mäzenin, obschon die beiden sich nie persönlich begegnen. Nadescha führt ein sehr zurückgezogenes Leben auf dem Land. Tschaikowski und sie legen ihre Gefühls- und Gedankenwelt in einer Weise in ihrer gemeinsamen Korrespondenz offen (immer wieder wird aus diesen Briefen vorgelesen) wie ihnen dies bei keinem anderen Menschen ihres Bekanntenkreises möglich war.

Dem Begleitheft zur DVD entnimmt man einen Briefauszug: "Mein Verhältnis zu Ihnen, so wie es jetzt ist, bedeutet für mich das allergrößte Glück und die notwendige Voraussetzung für mein Wohlbefinden. Ich möchte auch nicht das Geringste verändert wissen. Ich habe mich daran gewöhnt, in Ihnen meinen guten, aber unsichtbaren Genius zu sehen. Der unbeschreibliche Zauber und die Poesie unserer Freundschaft bestehen ja darin, das wir uns- obwohl sie mir seelisch so nahe sind- persönlich im landläufigen Sinne nicht kennen." (Tschaikowski an Nadescha im August 1879) Nach 13 Jahren kommt es zum Abbruch der Beziehung, nach Interpretation des Drehbuchautors aufgrund von Intrigen eines neidenden Dritten. Seinen Kummer verarbeitet Tschaikowski in seiner Musik.

Musikalisch ist der Film ein Hochgenuss. Ganz wundervoll.

Der Hauptdarsteller Innokenti Smoktunowski spielt die Rolle beeindruckend. Dieser Schauspieler hat eine Ausstrahlung, wie ich sie bislang noch bei keinem anderen Schauspieler feststellen konnte.

Der DVD ist eine CD beigelegt, auf der man die Symphonie Nr. 6 h -Moll.74 "Pathétique" und die Ouverture Sonelle "1812", op. 19 hören kann . Es spielen Musiker der "Academy of St. Martin in the fields" unter der Leitung von Sir Neville Marriner.

Die Bildqualität lässt leider zu wünschen übrig, dafür aber ist die Tonqualität zumindest bestens.